Изобразительное искусство. Японская живопись очень разнообразна не только по содержанию, но и по формам: это настенные росписи

Японская живопись

Японская живопись очень разнообразна не только по содержанию, но и по формам: это настенные росписи, картины - ширмы, вертикальные и горизонтальные свитки, исполнявшиеся на шёлке и бумаге, альбомные листы и веера. О древней живописи можно судить лишь по упоминаниям в письменных документах. Самые ранние из сохранившихся выдающихся произведений относятся к периоду Хэйан. Это иллюстрации знаменитой «Повести о принце Гэндзи» писательницы Мурасаки Сикибу. Иллюстрации были выполнены на нескольких горизонтальных свитках и дополнены текстом. Их приписывают кисти художника Фудзивара Такаёси (первая половина XII века). Характерной особенностью культуры той эпохи, созданной довольно узким кругом аристократического сословия, был культ красоты, стремление найти во всех проявлениях материальной и духовной жизни, свойственное им очарование, неуловимое и ускользающие. Живопись того времени, получившая в последствии название Ямато-э (в буквальном переводе - японская живопись), передавала не действие, а состояние души.

Когда наступил закат культуры Хэйанской эпохи, в живописи на свитках утвердилось повествовательное начало: это полные драматических эпизодов легенды о чудесах, жизнеописания проповедников буддийской веры, сцены сражений воинов. В XIV, XV веках под воздействием проповедников «Дзэн-буддизма», с их особым вниманием к природе, начала развиваться пейзажная живопись. В изобразительном искусстве Японии «Дзэн» проявился в так называемом стиле одного угла. Этот стиль воплощается в принципе экономной кисти, когда художник несколькими мазками передает суть его работы. В течение полутора веков японские художники осваивали китайскую художественную систему, сделав одноцветную пейзажную живопись достоянием национального искусства. Её наивысший расцвет связан с именем выдающегося мастера Тоё Ода (1420..1506), больше известного под псевдонимом Сэссю. В своих пейзажах он, пользуясь одними лишь тончайшими оттенками чёрной туши, сумел отразить всю многоцветность мира природы и её бесчисленных состояний: насыщенную влагой атмосферу ранней весны, невидимый, но ощущаемый ветер и холодный осенний дождь, неподвижную застылость зимы.

На конец XVI и XVII веков приходится расцвет декоративной настенной живописи в Японии. Мир, созданный художниками японских декоративных росписей, при первом знакомстве кажется то простым и понятным, то сложным и недоступным. Их завораживающая красота и гармония убеждают в том, что существуют какие-то особые законы взаимодействия реальных наблюдений и художественной фантазии мастеров, их создавших. До нашего времени больше всего росписей сохранилось в городе Киото, древней столице Японии. Именно здесь работали выдающиеся художники: Кано Эйтоку, Кано Санраку, Хосэгава Тохаку, а позднее Таварая Сотацу и Огата Корин. Они оставили потомкам произведения, принадлежащие к сокровищам мирового искусства. Творчество каждого из этих мастеров - важный этап в истории стилевого развития декоративных росписей. Но их созданиям присущ и ряд общих свойств, определяемых в первую очередь взаимодействием с архитектурным пространством, в котором они помещались. Любая настенная живопись зависит от форм архитектуры, ее конструкции и материала. В традиционной японской архитектуре главным строительным материалом было дерево, а основу конструкции составлял каркас из столбов и балок, на котором располагалась кровля. Стены ограждали внутреннее помещение и делили его в соответствии с жизненной необходимостью. Они двигались по специальным направляющим желобкам и представляли собой деревянные рамы, затянутые бумагой. Для наружных стен употреблялась полупрозрачная, пропускавшая свет бумага, для внутренних перегородок - плотная, напоминавшая картон. Как раз ее использовали для росписей. Другим видом стены - перегородки была ширма, так же украшавшаяся живописью. Подвижность стен, на которых располагались росписи, оказывала воздействие на восприятие произведений. Когда стены раздвигались, менялась конфигурация пространства, в поле зрения попадали расписанные панели в соседних помещениях. Композиционное построение произведений было обусловлено образом жизни людей: поскольку в японском доме отсутствовала мебель и главной поверхностью, на которой сидели, спали, принимали пищу, являлся покрытый циновками пол. Это было светское искусство, обращенное к жизни и потребностям людей.

Японская гравюра

В XVII - первой половине XIX века в японском искусстве развилось направление «укиё-э» - «искусство быстротекущего мира». Оно было порождено становлением нового городского сословия - ремесленников и торговцев. Искусство этого мира - «укиё-э» и прежде всего гравюра - стало отражением всей жизни горожан, их вкусов, интересов. В отличие от аристократической живописи средних веков гравюра на дереве была многотиражной, доступной по цене, воистину популярной. Японская гравюра на дереве - это обрезная ксилография. Клише для нее изготовлялись на продольном срезе грушевого или вишневого дерева. Эскиз художника накладывался на доску, и все линии обрезались с двух сторон острым ножом. При этом плавность рисунка древесных волокон не могла не сказываться на ее линеарном строе. Она основывалась на традициях книжной графики, программ излюбленного театра горожан - Кабуки, но только с появлением гравюр на отдельных листах - итимаеэ она стала приобретать все большее значение как самостоятельный вид искусства (вторая половина XVII). Первоначально гравюра была одноцветной, и весь сравнительно небольшой тираж ее подкрашивался от руки, что придавало произведениям особое очарование непосредственности и рукотворности. В основном гравюры подразделялись на две группы: театральные, на которых изображали актёров японского классического театра Кабуки в различных ролях, и бытописательной, посвященные изображению красавиц и сцен из их жизни.

Ранний период развития гравюры датируется 1680-1760 годами. Самым знаменитым мастером театральной гравюры был Тосюсяй Сяраку, который крупным планом изображал портреты актёров, подчёркивая особенности исполнявшейся ими роли, характерные черты человека, перевоплотившегося в персонажа пьесы: гнев, страх, жестокость, коварство. О жизни графика не сохранилось никаких свидетельств, кроме 150 великолепных гравюр, в большинстве своем театральных. Его портреты актеров отличаются смелостью и артистизмом исполнения, предельным накалом страстей. Но, несмотря на кратковременность художественной карьеры, Сяраку успел войти в историю как выдающийся мастер японской театральной гравюры.

В бытописательной гравюре прославились такие выдающиеся художники, как Судзуки Харунобу и Китагава Утамаро. Утамаро был создателем женских образов, воплощавших национальный идеал красоты. Самым известным мастером гравюры был гениальный художник Кацусика Хокусай (1749-1860). Творчество Хокусая основывается на многовековой живописной культуре Японии. Хокусай исполнил более 30 000 рисунков и проиллюстрировал около 500 книг. Будучи уже в преклонном возрасте, Хокусай создал одно из самых значительных произведений - серию «36 видов Фудзи» - в действительности содержит сорок шесть пейзажей, позволяющую поставить его в один ряд с самыми выдающимися художниками мирового искусства. В этой серии священная гора Японии предстает как символ нации и страны. Хокусай впервые раскрывает образ родины и образ народа в их единстве. Художник увидел жизнь как единый процесс во всём многообразии её проявлений, начиная от простых чувств человека, его повседневной деятельности и заканчивая окружающей природой с её стихиями и красотой. Творчество Хокусая, вобравшее в себя многовековой опыт искусства своего народа, - последняя вершина в художественной культуре средневековой Японии, её итог.

Не нашли, что искали? Воспользуйтесь поиском: