Собор Нотр-Дам Ла Гранд в Пуатье

Архитектура собора напоминает крепостную - стены сделаны огромной толщины, окна - редкие, небольшие, узкие.

Лимбургский собор в Германии

Приорат Серрабоны

ГОТИКА

Готика(от «готы» -варвары) – это архитектурный стиль, пришедший на смену романскому стилю, начиная с XII века. Он господствовал по всей Европе вплоть до XV века, а в некоторых странах существовал и в XVI столетии.

Главными чертами готики были:
• стремление вверх, легкость архитектурных форм;
• большая высота строения;
• стрельчатые арки; островерхие крыши;
• большие окна с витражами;
• большое количество скульптурных фигур;

Романский стиль в архитектуре был необходим во время междоусобных войн и представлял собой в первую очередь архитектуру оборонных сооружений. Готика стала нужна во время активного расширения городов. Появляются совершенно новые типы зданий: биржа, рынок, суд, больница, ратуша.
Готика, кратко говоря, придавала городу новый, грациозный и легкий облик, но одновременно и величественный.

Храм XIII века - теперь уже не только место для богослужения. Здесь теперь разыгрывают театральные представления, устраивают диспуты студенты. Город рос, и нужно было, чтобы храм мог вместить всех жителей.
И строители, чтобы не утолщать стены и не делать сооружение массивным, создали новую конструкцию. Они стали применять стрельчатые своды и особую систему нервюр, которые равномерно распределяли нагрузку. Применение опорных столбов, на которые теперь приходилась вся тяжесть свода, помогло расширить пространство сооружения. Вместо узких бойниц теперь можно было делать широкие окна, украшенные для красоты разноцветными витражами.

Нервюра в архитектуре (фр. nervure — жилка, прожилка) — выступающее ребро готического каркасного крестового свода.
Контрфо́рс (фр. contre force — «противодействующая сила») — вертикальная конструкция, представляющая собой либо выступающую часть стены, вертикальное ребро, либо отдельно стоящую опору, связанную со стеной аркбутаном.

Аркбута́н (фр. arc-boutant) — наружная каменная полуарка, передающая горизонтальное усилие распора отсводов постройки на опорный столб, расположенный за пределами основного объема здания.

Самым великолепным образцом готического архитектурного стиля стал собор Парижской Богоматери. Он известен «галереей королей» и огромным количеством фигур химер, которые пугали входящих.
Скульптура также повсеместно применяется в готическом стиле, как и в романском. Чаще всего применяли статуи-колонны и монументальные статуи. В готическом стиле также широко используется скульптурная резьба по камню – изображение цветов и листьев.
Готика теряет свое значение с приходом эпохи Ренессанса в XVI веке.

Собор Парижской Богоматери разделен на пять нефов, средний — выше и шире остальных. Высота его — 35метров. Под такими сводами мог бы уместиться дом в 12 этажей. Посередине главный неф пересечен другим нефом такой же высоты, два нефа (продольный и поперечный) образуют крест. Это сделано специально, чтобы собор напоминал крест, на котором был распят Иисус Христос.
Фасад собора словно расчленен на четыре яруса, порталы, окна, галереи, башни. Причем, что интересно, каждый ярус вытянут по горизонтали, а фасад в целом имеет вертикальные пропорции. Три главных входа в собор имеют вид арки, но не обычной круглой, а остроконечной, отдаленно похожей на стрелу. Широкая лестница в одиннадцать ступеней на западной стороне собора ведет к порталам, которые, как крепостные амбразуры, сужаются, углубляясь в толщу стены.

Фасады собора богато украшены скульптурой, особенно пышно оформлены порталы. Скульптуры всех трех порталов являются одними из лучших произведений средневековья. Они объединены одним общим замыслом: изобразить историю христианства от грехопадения до Страшного суда.

Как и в других готических храмах, в Нотр-Дам-де Пари нет настенной живописи, и единственным источником цвета в однообразно-сером интерьере являются многочисленные витражи, вставленные в переплеты высоких стрельчатых окон. Солнечный свет, проникая через них, заливает храм целой радугой оттенков. Эта игра света смягчает однотонность постройки и придает интерьеру собора феерическую роскошь и вместе с тем таинственность.
*************************************************************************************

Для Кельнского собора характерна необычайная вышина среднего корабля, однимающегося над боковыми с отношением 5:2, прорезанные окнами трифории и часто расположенные большие верхние окна, Заполняющие всю стену. Кельнскому собору в высокой мере присуще типичное для поздней готики исключительное обилие изощренного архитектурного декора, покрывающего все детали конструкции беспокойно колеблющимся, бегущим, сплетающимся в великолепные каменные кружева узором.

Особенность архитектурного строения Кельнского собора – отсутствие горизонтальных линий.

Здесь нет характерных готическому стилю окон-розеток между шпилем, поэтому ничто не отвлекает от великолепия вертикальных линий, от устремление ввысь. Ввысь, к Богу устремили зодчие свой храм, ввысь, к Богу должны были устремлять сердца входящие в собор верующие.

Эпоха Возрождения

Возрождение, или Ренессанс — эпоха в истории культуры Европы, пришедшая на смену культуре Средних веков. Примерные хронологические рамки эпохи — XIV—XVI века.

Отличительная черта эпохи Возрождения — светский характер культуры и её антропоцентризм (то есть интерес, в первую очередь, к человеку и его деятельности). Появляется интерес к античной культуре, происходит как бы её «возрождение» — так и появился термин.

В архитектуре ведущую роль стали играть светские сооружения – общественные здания, дворцы, городские дома. Используя арочные галереи, колоннады, своды, купала, архитекторы (Альберти, Палладио в Италии; Леско, Делорм во Франции и др.) придали своим постройкам величественную ясность, гармоничность и соразмерность человеку.

Художники (Донателло, Леонардо да Винчи, Рафаэль, Микеланджело, Тициан и др. в Италии; Ян ван Эйк, Брейгель в Нидерландах; Дюрер – в Германии) последовательно овладевали отражением всего богатства действительности – передачей объема, пространства, света, изображением человеческой фигуры (в том числе и обнаженной) и реальной среды – интерьера, пейзажа.

Периодизация и регионы
Периодизация Возрождения определяется верховной ролью изоискусства в его культуре

. Специально выделяют:

Ø вводный период, Проторенессанс, («эпоха Данте и Джотто», ок.1260-1320)

Ø дученто (13 в.),

Ø треченто (14 в.),

Ø кватроченто (15 в.)

Ø чинквеченто (16 в.).

Более общими периодами являются:

Раннее Возрождение (14-15 вв.), когда новые тенденции активно взаимодействуют с готикой, преодолевая и творчески преобразуя ее;

Среднее (или Высокое)

Позднее Возрождение, особой фазой которых стал маньеризм.

Новая культура стран, расположенных к северу и западу от Альп (Франция, Нидерланды, германоязычные земли), совокупно именуется Северным Возрождением

Характерные черты Ренессанса ярко проявились также в странах Восточной Европы (Чехия, Венгрия,

Искусство раннего Возрождения

Возрождение — имеющая мировое значение эпоха в истории культуры Европы, пришедшая на смену Средним векам и предшествующая Новому времени. Приходится на начало 14 — последнюю четверть 16 веков. В этот период люди отходят от религии и возвращаются к античности, снова возвышая человека и прославляя его красоту.

Архитектура

Главное, чем характеризуется эта эпоха — возвращение в архитектуре к принципам и формам античного, преимущественно римского искусства. Особенное значение в этом направлении придаётся симметрии, пропорции, геометрии и порядку составных частей, о чём наглядно свидетельствуют уцелевшие образцы римской архитектуры. Храмы эпохи возрождения строились преимущественно в базиликальной системе.
Первым представителем данного направления можно назвать Филиппо Брунеллески, работавшего во Флоренции ((1377—1446) — великий итальянский архитектор).

Скульптура

Если в средние века скульптура была неразрывно связана с архитектурой и как отдельное искусство даже не рассматривалось, то с началом эпохи возрождения начинается медленный, но верный процесс отделения скульптуры.

Скульптуры Верроккьо и Донателло окончательно "оторвались" от стен и представляют собой самостоятельные произведения искусства.

Библейский Давид в исполнении Верроккьо - нескладный, угловатый подросток, изумленный своей собственной победой над великаном, гордо попирает ногой голову поверженного врага. На лице героя едва уловимая улыбка, а детские кудри и нарочито "героическая" поза вызывает умиление. Мастер изобразил юношу с непростым подростковым характером. Самоуверенного, бунтарского склада. Работа получилась реалистичной как по внешнему виду, так и по внутреннему содержанию. Здесь нет и тени средневекового пафоса, патетики. Здесь автор любуется обычным мальчиком, который оказался героем.

Именно Донателло первым создал обнаженную скульптуру Возрождения. До него ни один мастер не осмеливался так близко подойти к античным образцам, привнеся в них христианскую добродетель. Давид Донателло - также нескладен и несколько угловат. Пропорции тела трактуются достаточно мягко, герой лишен выраженной мускулатуры. Выбранная автором поза героя свободна, расслаблена. Это поза скорее греческого бога, нежели библейского персонажа. Известно, что для своего времени скульптура была настолько смела, что заказавшие ее Медичи предпочли установить ее во дворе своего дома, подальше от чужих глаз.

Живопись

В основном это были монументальные росписи в которых была заложена основа будущих живописных произведений. Эти росписи напоминали античные рельефы, т. к. действие происходило исключительно на переднем плане. В работах не было пространственного решения, не было воздушной или линейной перспективы. Примером сцен, которые преимущественно изображали в этот период, есть «Поцелуй иуды» Джотто ди Бондоне. В этой картине мы уже видим что фигуры не статичны, видна динамика и некие эмоции. Художник пытается передать человеческие чувства, а не только сухое изображение. Но при этом всем в работе еще не хватает живости.

Творчество Рафаэля

Рафаэ́ль Са́нти (1483 - 1520) (кон. 15 начало 16 века) — великий итальянский живописец, график и архитектор, представитель умбрийской школы (итальянская школа живописи, названная по региону Умбрия) Работал во время ренессанса.

Рафаэль Санти с наибольшей полнотой воплотил, в своем творчестве представление о самых свелых и возвышенных идеалах гуманизма Возрождения. Младший современник Леонардо, проживший короткую, чрезвычайно насыщенную жизнь, Рафаэль синтезировал достижения предшественников и создал свой идеал прекрасного, гармонически развитого человека в окружении величавой архитектуры или пейзажа. Рафаэль родился в Урбино, в семье живописца, который был первым его учителем. Позже он учился у Тимотео делла Вити и Перуджино, в совершенстве овладев манерой последнего.

Его работам характерна плавность линии и свобода постановки фигуры в пространстве, которые он перебрал от своего учителя Перуджино. Творческую зрелость обрел в возрасте 17 лет.

Нежный лиризм и тонкая одухотворенность отличают одно из ранних его произведений — «Мадонну Конестабиле» (1502 г), просветленный образ молодой матери, изображенной на фоне прозрачного умбрийского пейзажа.

Умение свободно расположить фигуры в пространстве, связать их друг с другом и с окружением проявляется и в композиции «Обручение Марии» (1504 г). Простор в построении пейзажа, гармония форм архитектуры, уравновешенность и цельность всех частей композиции свидетельствуют о становлении Рафаэля как мастера Высокого Возрождения.

Он придает особую значительность лирической теме светлой материнской любви.

Афинская школа (1511 г) — фреска работы Рафаэля в парадном зале Ватиканского дворца. За основную композицию в своей работе Рафаэль брал образы живых людей того времени – философы, ученые, мыслители и себя самого.

«Сикстинская Мадонна» - 1512—1513 гг. – Наиболее популярная работа Рафаэля. Картина имеет треугольную композицию, обрамленную по сторонам занавесом который еще больше подчеркивал ее геометричную продуманность. На картине изображены Мадонна с младенцем в окружении папы Сикста II и Святой Варвары по сторонам и с двумя ангелочками, взирающими снизу вверх на схождение Бога.

В образе Марии сочетаются чувства глубокого религиозного триумфа, материнской любви и переживания за дальнейшую судьбу младенца.

Она вроде бы и отдает его и в тоже время прижимает к себе.

20\1

Творчество Микеланджело

Микела́нджело Буонарро́тия (1475 - 1564) (15-16 в.) — итальянский скульптор, художник, архитектор. Главные черты творчества художника – монументальная мощь, внутренне напряжение, драматизм образа и восхищение человеческой красотой. Его картины были переполнены идеалами героичности присущими высокому возрождению.

Страшный суд – (1537—1541) (16 в) - фреска Микеланджело на алтарной стене Сикстинской капеллы в Ватикане.

В «Страшном суде» Микеланджело несколько отошёл от традиционной иконографии. Условно композицию можно разделить на три части^[21]:

· Верхняя часть (люнеты) — летящие ангелы, с атрибутами Страстей Христовых.

· Центральная часть — Христос и Дева Мария между блаженными.

· Нижняя — конец времен: ангелы, играющие на трубах Апокалипсиса, воскресение мёртвых, восхождение на небо спасённых и низвержение грешников в ад.

Сотворение Адама 1508-1512 (16 в.) – композиция картины сконцентрирована на жесте рук. В работе художник воспевает красоту человеческого тела и момент пробуждения души. (когда Бог почти касается руки Адама).

Давид 1501-1504 гг. (16 в.)- мраморная статуя Микеланджело.

До него все изображали Давида после схватки с Голиафом, а Микелянджело изобразил его готовящегося к предстоящей битве.

Юноша готовится к бою с превосходящим его по силе врагом. Он спокоен и сосредоточен, но мышцы его напряжены. Брови грозно сдвинуты, в них читается нечто устрашающее. Через левое плечо он перекинул пращу, нижний кончик которой подхватывает его правая рука. Свободная поза героя — классический пример контрапоста — уже подготавливает смертоносное движение.

Искусство северного возрождения

На территории Европы искусство развивалось в зависимости от того как развивалось государство. На севере государства были более мелкие, и они не всегда складывались благополучно, и в зависимости от этого формировалось искусство. К примеру - Нидерланды и Германия - государства формировались немного хаотично и от этого произведения художников, например Брейгеля, тоже были несколько хаотичны.
Процесс духовного пробуждения шел двумя путями (из-за социально-экономических, национальных и культурных особенностей):

- развитие элементов светского гуманистического мировоззрения

- развитие идей религиозного «обновления»

Оба эти течения нередко соприкасались и сливались, но по сути все же выступали самостоятельно. По первому пути пошла Италия, по второму — Северная Европа, пока еще — с формами зрелой готики, с её общим спиритуалистическим настроем и натурализмом деталей.

Основные отличия от Италии: большее влияние готического искусства, меньшее внимание к изучению анатомии и античного наследия, тщательная и детализированная техника письма. Кроме того, важной идеологической составляющей явилась Реформация.

В характере искусства Северной Европы было больше религиозного чувства, символики, оно более условно по форме, более архаично, более связано с готикой и, естественно, менее знакомо с античностью, с которой и сблизилось только через Италию уже в конце 15 в. Северный Ренессанс запаздывает по отношению к итальянскому на целое столетие и начинается тогда, когда итальянский вступает в высшую фазу своего развития.

Художники того времени - Ян ван Эйк - нидерландский живописец раннего Возрождения, мастер портрета, автор более ста композиций на религиозные сюжеты.

Насыщенные сверкающие краски помогли художнику подчеркнуть реализм происходящего и показать богатство и материальное изобилие мира Арнольфини.В этой работе чувствуется пространство и тщательная проработка до мельчайших деталей.

В передаче перспективы, в рисунке, в знании анатомии ван-эйковская живопись, конечно, не идет в сравнение с тем, что почти в это же время делал Мазаччо. Но в ней есть другие, не менее важные для искусства черты: нидерландские мастера как бы впервые глядят на мир, который они передают с необычайной тщательностью и подробностью; каждая травинка, каждый кусок ткани представляет для них высокий предмет искусства. В этом сказались принципы нидерландской миниатюры. В настроении поющих ангелов много истинного религиозного чувства, одухотворенности, душевного напряжения. Ван Эйки усовершенствовали масляную технику: масло давало возможность более разносторонне передать блеск, глубину, богатство предметного мира, привлекающего внимание нидерландских художников, его красочную звучность.

А́льбрехт Дю́рер - немецкий живописец и график, признан крупнейшим европейским мастером ксилографии (вид печатной графики, гравюра на дереве). Он был наиболее «итальянским» среди немецких живописцев, но даже в его работах чувствуется как в стремлении к созданию идеально-прекрасного образа проскальзывают натуралистические детали и готическая экспрессия форм.
Он был мастером гравюры, в которой так же чувствовалась дробность и экспрессия того времени. В его картинах явно выражено переживание и шаткость какие были присущ германии северного возрождения.

Рубенс

Рубенс (1577-1640) 16-17 в. - выдающийся фламандский живописец. Больше всего его приводила в восторг податливая, пластическая красота человеческого тела.

Создатель Барокко Он стал создателем живого, волнующе-яркого стиля художественного выражения, позже названного барокко. Яркий, пышный рубенсовский стиль характеризуется изображением крупных тяжелых фигур в стремительном движении, возбужденных до предела эмоционально заряженной атмосферой. Резкие контрасты света и тени, теплые богатые краски, кажется, наделяют его картины кипучей энергией.

"Рубенсовские женщины" - нигде так явственно не чувствуется задорный, веселый, полный здоровой жизни дух Рубенса, как в картинах, изображающих обнаженную женскую натуру. Этот величайший религиозный художник своего времени был также еще и великим мастером женских форм.. По его мнению, тело человека до последней детали в такой же степени творение Божие, как и жизнь любого святого, и хотя он часто помещал обнаженные женские фигуры на фоне прошлой, языческой истории, он рисовал их всегда с откровенной прямотой, что отражало его крепкие религиозные убеждения.

Три грации Вирсавия у фонтана

Одной из тем, в которой Рубенс проявил себя наиболее ярко и полнокровно, стала религиозная и мифологическая живопись.

Три распятия Святой Себастьян

Рубенс был большим мастером портретной живописи, и хотя его работы по своему психологизму и степени постижения модели уступают портретам Тициана, все же, Рубенс по праву входит в число самых значительных портретистов в истории. В 1609 году после возвращения в Антверпен Рубенс стал придворным живописцем при правителях Испанских Нидерландов. На этой должности он получил особую привилегию посещать дома самых богатых и знатных дворян.

Елена Фоурмен, Инфант Изабелла

Жена Рубенса правительница Нидерландов

Рубенс-пейзажист Рубенс нечасто рисовал ландшафты, — спрос на его работы заставлял его в основном заниматься живыми сценами, но все же он сделал множество набросков и этюдов своего любимого сельского фламандского пейзажа. Он мог использовать некоторые из них для фона своих больших картин (как и другие художники его времени, он не носил с собой мольберт, чтобы рисовать непосредственно пейзаж перед глазами). Во время своих прогулок верхом по сельской местности Рубенс часто останавливался, чтобы сделать набросок привлекших его внимание ворот, или моста, или куста куманики, которые казались ему интересными и достойными его внимания. На закате жизни, когда Рубенс отошел от крупных заказов, он снова вернулся к пейзажной теме.

Осенний пейзаж Пейзаж с радугой

Искусство Европы 17го века

Это эпоха барокко. Характерно пышность форм, желание показать богатсво, так как большинство стран в это время имели монархический строй. Короли нанимали придворных художников, архитектура была направлена на то, чтоб украсить и этим украшением показать социально высокий слой общества.

Живописи барокко присущи контрасты свето-тени, которых не было в эпоху возрождения.

Известные удожники 17го века - Караваджо (Италия), Рубенс (Фландрия), Рембрадт, Хальц (Голандия), Веласкес (Испания).

Для Испании 17 век стал золотым в сфере живописи. Время наивысшего расцвета изобразительного искусства.

Искусство Голландии 17-го века.

Золотой век голландской живописи. Хальц Рембрандт

Хальс - сновоположник голландского реалистического портрета

«Ранней манере Хальса свойственно пристрастие к тёплым тонам, чёткой моделировке форм при помощи тяжёлых плотных мазков. В 1620-х Хальс наряду с портретами писал жанровые сцены и композиции на религиозные темы» («Евангелист Лука», «Евангелист Матфей», около 1623-1625 гг.)».[1]

«Цыганка» Лувр, Париж

В 1620-1630-х гг. Хальс написал целый ряд портретов, на которых изображены брызжущие жизненной энергией представители простого народа («Шут с лютней», 1620-1625, «Весёлый собутыльник», «Малле Баббе», «Цыганка», «Мулат», «Мальчик-рыбак»; все — около 1630).

Единственным портретом в полный рост является «Портрет Виллема Хейтхейссена» (1625-1630).

«В этот же период Хальс радикально реформировал групповой портрет, порвав с условными системами композиции, вводя в произведения элементы жизненных ситуаций, обеспечивающие непосредственную связь картины и зрителя.

Рембрандт- голландский художник, великий мастер светотени, крупнейший представитель золотого века голландской живописи. Рембрандт был непревзойденным мастером рисунка и офорта.

Ярким воплощением эстетических взглядов художника стала монументальная композиция “Даная” (1636-1647, Государственный Эрмитаж, Санкт-Петербург), в которой он как бы вступает в полемику с великими мастерами Возрождения: обнажённую фигуру Данаи, далекую от классических идеалов, он выполнил со смелой реалистической непосредственностью, а чувственно-телесной, идеальной красоте образов итальянских мастеров противопоставил красоту духовности и теплоты человеческого чувства.

Искусство Испании 17 век

«Золотым веком» испанской живописи является XVII век, а точнее — 80-е годы XVI — 80-е годы XVII столетия.
Для испанского искусства было характерно преобладание традиций не классических, а средневековых, готических.
У испанских художников было два основных заказчика: первый —это двор, богатые испанские гранды, аристократия, и второй — церковь. Роль католической церкви в сложении испанской школы живописи была очень велика. Под ее влиянием формировались вкусы заказчиков.
Эль Греко
Блестящий расцвет живописи начинается с появлением в Испании в 1576 г. живописца Доменико Теотокопули, прозванного Эль Греко, поскольку он был греческого происхождения и родился на острове Крит (1541—1614). До Испании Эль Греко учился в Италии у Тициана (именно в Венеции он впервые узнал масляную технику), изучал в Риме произведения Микеланджело.

Тематика произведений Эль Греко обычна для его времени. Это прежде всего религиозные сюжеты («Святое семейство», «Христос, несущий крест»), чаще всего - алтарные образа. Значительно реже он обращается к античным мифам(Лаокоон). Он пишет много портретов и пейзажей, в основном виды Толедо.

В композициях Эль Греко свет скользит по фигурам, вспыхивает и затухает, все кажется колеблющимся в беспокойном ритме.
Композиции его картин строятся на ритмическом соотношении беспокойных линий, произвольно смещающихся планов смелых ракурсов, на контрастах света и тени, внося напряжённую динамику и взволнованность. Сильно удлинённые по пропорциям фигуры в страстном порыве устремляются вверх, а низкий горизонт увеличивает их масштабы.

Веласкес
Самый замечательный художник "золотого испанского века" - Диего Родригес де Сильва Веласкес - с 1623 года придворный живописец Филиппа IV, крупнейший представитель испанского барокко. Живопись Веласкеса отличается смелостью реалистических наблюдений, умением проникнуть в характер модели, обостренным чувством гармонии, тонкостью и насыщенностью колорита. Его самобытность проявилась уже в ранних полотнах севильского периода, созданных в жанре бодегонов (от исп. bodegon — трактир, харчевня), изображавших скудные завтраки, кухонные сцены с немногими полуфигурами и выделенными на переднем плане натюрмортами. В этих произведениях с резкими светотеневыми контрастами, тяжелой и плотной живописью, отмеченных воздействием школы Караваджо, господствуют полные естественного достоинства запоминающиеся народные типы («Завтрак», «Старая кухарка», «Завтрак двух юношей», «Водонос»). К жанру бодегонов относятся и немногочисленные ранние религиозные картины Веласкеса: «Поклонение волхвов», «Христос в доме Марфы и Марии».

Картина «Сдача Бреды» — одно из самых значительных произведений европейской живописи исторического жанра, в котором с глубокой человечностью охарактеризована каждая из враждующих сторон. Передача испанцам ключей от нидерландской крепости Бреда — смысловой узел композиции, утверждающей за побежденным право на уважение, а за победителем — на великодушие. Огромное полотно, напоенное серебристым туманом раннего июньского утра и создающее впечатление пространственной глубины, решено в сдержанном изысканном колорите с тонко переданными валерами.

Главные создания Веласкеса позднего периода — крупномасштабные композиции «Менины», «Пряхи». В «Менинах», картине, наполненной движением пространственных планов, воздуха и света, частный эпизод придворного быта (девочка инфанта Маргарита в окружении фрейлин и карликов, сам Веласкес в момент исполнения портрета королевской четы, отраженной в зеркале в глубине зала) предстает как одно из мгновений общего течения жизни в богатстве ее взаимосвязей и изменчивых проявлений. Картина построена на сложном переплетении официального и бытового, на многоплановой игре смысловых оттенков и образных сопоставлений. В столь же многоплановой по замыслу картине «Пряхи» сцена в королевской ковровой мастерской с фигурами прях на первом плане запечатлевает как бы целый мир, выступающий в единстве и реальности мечты, повседневной жизни и мифа о греческой мастерице Арахне. Веласкес писал без предварительного наброска, прямо на холсте, органично соединяя непосредственные впечатления от натуры и как бы вольную импровизацию со строгой продуманностью композиции.

Искусство рококо

Рококо́ — стиль в искусстве, возникший во Франции в первой половине 18 века развитие стиля барокко. Характерными чертами рококо являются изысканность, большая декоративная нагруженность интерьеров и композиций, грациозный орнаментальный ритм, большое внимание к мифологии, личному комфорту. Наивысшее развитие в архитектуре стиль получил в Баварии. Появление стиля рококо обусловлено изменениями в философии, вкусах и в придворной жизни. Идейная основа стиля — вечная молодость и красота, галантное и меланхолическое изящество, бегство от реальности. Стиль рококо зародился во Франции и распространился в других странах: в Италии, Германии, России, Чехии и др.

Наиболее ярко живопись рококо проявилась во Франции и Италии. Вместо контрастов и ярких красок в живописи появилась иная гамма цветов, легкие пастельные тона, розовые, голубоватые, сиреневые. Впервые черты этого стиля проявились в творчестве Антуана Ватто, у которого главной темой были галантные празднества. Его творчество относят к реализму, он изображал жизнь придворных довольно справедливо.

Искусство Англии (к. 18 – 1 половина 19 в.)

Наибольшего успеха мастера английского изобразительного искусства добились в области пейзажа. Особенно пейзажа, написанного акварелью. Среди живописцев того времени выделяется фигура Джона Констебла. Большое влияние оказал на него Гейнсборо. Любимыми темами картин Констебла были готические соборы и морские берега, виды маленьких английских городков и ферм, родная река Стур и окружающая ее местность. Но все это передано с таким мастерством и любовью, что зритель буквально ощущает дуновение ветра, солнечный свет, бег облаков. Констебл достиг большого искусства в передаче игры света, свежести красок, колорита. Он первый начал писать этюды на открытом воздухе. К сожалению Констебл не получил должного признания в Англии.

(Констебл –«Прыгающая лошадь»)

(Констебл –«Морской берег»)

Более счастливым был другой английский пейзажист – Уильям Тернер. Любимым объектом пейзажа для Тернера было море. Бушующее море, морской воздух, снежные бури на море – все это изображалось с помощью акварели. Мгновенные изменения в природе, игра света и воздуха и передача этого на полотне – вот то, что интересовало Тернера. Он опередил в этом европейских импрессионистов на десятилетия. Также Тернер писал свои картины на различные темы, в том числе и множество пейзажем. Это же время подарило миру великолепных графиков Блейка и Флаксмана, с их гравюрами и иллюстрациями к Библии, Данте, Гомеру.

Нельзя не упомянуть художника Ф. Медокса Брауна с двумя его знаменитыми картинами «Прощание с Англией» и «Труд». В картине «Труд» он не только описал людей труда, но и противопоставил их праздным богачам. В середине 19 века возникает общество художников, которые стремились к символизму.

Уильям Тернер. «Метель. Остов корабля и рыбачья лодка.»

Уильям Тернер. «Дождь, пар и скорость.»

Классицизм

Классицизм — художественный стиль европейского искусства 17—19 вв., одной из важнейших черт которого было обращение к античному искусству как высшему образцу и опора на традиции высокого Возрождения. Искусство классицизма отражало идеи гармонического устройства общества, но во многом их утрачивало по сравнению с культурой Возрождения. Конфликты личности и общества, идеала и реальности, чувства и разума свидетельствуют о сложности искусства классицизма. Художественным формам классицизма свойственны строгая организованность, уравновешенность, ясность и гармоничность образов.

Для архитектуры, классицизма характерны навеянные античными образцами ордерная система, четкость и геометрическая правильность объемов и планировки, выделяющиеся на глади стен портики, колонны, статуи, рельефы.

Выдающимся шедевром архитектуры, соединившим классицизм и барокко в единый торжественный стиль, был дворцово-парковый ансамбль в Версале — резиденция французских королей (вторая половина XVII в.).

В живописи главное значение приобрели логическое развертывание сюжета, ясная уравновешенная композиция, четкая передача объема, с помощью светотени подчиненная роль цвета, использование локальных цветов (Н. Пуссен, К. Лоррен).

Четкая разграниченность планов в пейзажах выявлялась также с помощью цвета: передний план обязательно должен был быть коричневым, средний — зеленым, а дальний — голубым.

Во второй половине XVIII в. живопись обращается к республиканским идеям античности, к образам мужественных борцов против тирании (Ж.-Л. Давид, ил. 55).

Скульптура эпохи классицизма отличается сглаженностью форм, спокойностью поз, даже движение не нарушает замкнутости форм (Э. Фальконе, Ж. Гудон).

Поздний классицизм, называемый также ампир, приобретает черты парадности и пышности, выразившиеся в архитектуре и прикладном искусстве первой трети XIX в. (см. ампир).

Русский классицизм во второй половине XVIII — начале XIX вв. воплотил новый, небывалый по размаху, национальному пафосу и идейной наполненности расцвет культуры: архитектурные ансамбли и сооружения В. Баженова, М. Казакова, Дж. Кваренги, А. Захарова, К. Росси, А. Воронихина, скульптуры М. Козловского, Ф. Щедрина, И. Мартоса, картины А. Лосенко, А. Иванова и др. С конца XIX в. для русского изобразительного искусства все более характерным становится бездушный, надуманный академический схематизм, с которым ведут борьбу представители романтизма и реализма, пришедших на смену классицизму.

Искусство Испании кон. 18 нач. 19 в.

Новый подъем живописи Испании пришелся на 18 – начало 19 века, когда в творчестве Франсиско Гойи открылся поразительно драматический мир современности. Гойя – современник Великой Французской революции, народно-освободительных войн, двух испанских революций, их поражения и реакции.

Франсиско Гойя (1746 – 1828)
Развитие его как художника было сложным, он испытал сильное влияние Веласкеса. Манера письма Гойи была свободной, мазок очень широкий, что вызывало недовольство современников. Тяжкая болезнь в 1792 (Гойя оглох) обострила его восприятие, пробудила особую чуткость к чужим страданиям. Будучи подмастерьем, расписывал церкви. Дар его проявился поздно. Желание славы привело художника в Мадрид, где с 1799 года он становится придворным живописцем короля, повторяя судьбу Веласкеса.
Главная тема Гойи – трагическая и героическая судьба испанского народа. Именно реальная жизнь была источником творчества Гойи.
Современная Гойе действительность была столь поразительной, что художник нередко обращался к приемам гротеска, фантастике, гиперболе, чтобы передать ее.

«Капричос» (1797 – 1798)
Серия офортов, на которой предстает современный, страшный мир. То это изображение ослов, которых учат, увеселяют, портретируют услужливые мартышки и другие ослы, то два здоровенных осла, которых несут на своих плечах крестьяне. Знаменит офорт «Сон разума рождает чудовищ», на котором представлен заснувший человек, терзаемый чудищами, явившимися ему во сне. Сон разума мгновенно приводит к появлению мистических, страшных персонажей. Так утверждает Гойя веру в необходимость разумной организации жизни. Испания представлялась художнику скопищем жутких призраков, фантастических чудовищ.

«Семья короля Карла Четвертого» (1800)

На этой картине раскрыто физическое вырождение и духовное убожество правителей Испании. Роскошные мундиры с орденами, неподвижные позы, неприятные, напряженные лица – все это поразительно реально передает застывший с времен Веласкеса мир придворной королевской жизни испанских правителей.

Испанский король запечатлен в кругу своей семьи, он на троне свыше 10 лет, но уже не в силах совладать с событиями, которые сметут его с трона. Слабый и нерешительный Карл был под каблуком своей супруги – Марии Луизы. Блеск его мундира и орденов контрастирует с ничтожеством его личности. Один критик назвал портрет «семейством булочника, выигравшего в лотерею». Настолько ничтожны и самодовольны персонажи, но есть свидетельства, что все модели остались довольны своими изображениями. В 1808 году Наполеон разобьет войска Карла и посадит на престол Испании своего брата Жозефа Бонапарта, а Карл Четвертый умрет в изгнании, в Неаполе. Именно об этом времени Пушкин скажет: «И высились и падали цари..».

В левой части картины перед мольбертом изображен сам художник, который, конечно, не принадлежал к королевской семье, но считал себя частью придворной жизни. Замечательна цветовая гамма картины: женские платья написаны в бело-золотисто-серебристых тонах, мужские – в черных, голубых и алых. Свободный мазок передает блеск атласа, мягкость бархата, воздушность кружев, сияние драгоценностей. Фигуры окружена светом и воздухом.

Замечательны острохарактерные портреты Гойи:

«Расстрел в ночь на 3 мая 1808 года»
Это поразительный по силе и драматизму документ высочайшей художественной силы, на котором представлен итог восстания против французов 2 мая 1808года в Мадриде. Гойя был свидетелем восстания.
Ночь, Мадрид, желтоватый, мертвенный свет фонаря вырывает группы людей. Перед нами момент кульминации – сейчас раздастся залп. Взгляд сразу же приковывает человек в центре с раскинутыми, как у распятого руками. Возможно, это напоминание о безвинной крови Христа. Потерявший слух художник особенно внимателен к передаче достоверности жеста. Распятый кричит, это немой вопль в защиту милосердия, против тирании и жестокости, особенно отчаянный из-за своей беспомощности и беззащитности. Слева фигура францисканского монаха. Его руки сцеплены в бессильной мольбе. Едва ли он принял участие в восстании, но оккупанты расстреляли огромное количество ни в чем не повинных людей. На переднем плане труп в луже крови, его поза повторяет позу распятого и не оставляет сомнений в том, что ждет того человека. Справа от распятого – пугающий образ человека с сверкающими белками, который в ужасе грызет руки. Гойя не показывает лиц стреляющих – это автоматы смерти, исполняющие чью-то злую волю. На них шапки французского образца, сабли с прямыми рукоятями и брюки. Слабое освещение заставляло солдат стрелять с близкого расстояния, но у Гойи они стреляют почти в упор. Так создается впечатление жуткой бойни. Ужасная расправа над восставшими происходит ночью, и треть холста вверху занято черным зловещим небом. Гойя намеренно не показал ни одного реального здания Мадрида, рядом с которым происходили казни. На его картине всеобщий ужас расправы. Пятна светло-коричневого, желтого, красного усиливают впечатление драматизма. Мазок необыкновенно широкий. Гойя открыл новые пути реалистической живописи, по которым пойдут импрессионисты во второй половине 19 века.

БАРБИЗОНСКАЯ ШКОЛА —

Получила название от деревни Барбизон (Barbizon) близ леса Фонтенбло, где работали художники этой группы. Они писали природу. Впервые начали изображать крестьян.

Камиль Коро
Формировался на классическом искусстве, однако вышел на пленер, писал с натуры.
Как видит, так и изображает. Передает состояние, настроение природы, уделяет много внимания небу.

Милле
Жан Франсуа Милле нашел свое призвание в изображении картин сельского быта. Он писал крестьян с глубиной и проникновенностью, напоминающими о религиозных образах. Его необычная манера принесла ему заслуженное признание, не подвластное времени.

Курбе
Основная задача – передача настроения, состояния природы. Вышли на природу, что бы наблюдать изменения.
Все находится в воздушном пространстве.

Похороны в Орнане
Главное не действие, а настроение.

Искусство Франции 2 пол 19 века. Импрессионизм.

Импрессионизм (франц. impressionnisme, от impression — впечатление), направление в искусстве последней трети девятнадцатого — начала двадцатого века, мастера которого, фиксируя свои мимолетные впечатления, стремились наиболее естественно и непредвзято запечатлеть реальный мир в его подвижности и изменчивости. Импрессионизм зародился во французской живописи в конце 1860-х годов.

70е годы 19 века – главное – искусство академическое.
Во второй половине прошлого века (начало 70-х гг.) во Франции начала работать группа молодых художников. Впервые в истории искусства художники сделали для себя правилом писать не в мастерской, а под открытым небом: на берегу реки, в поле, в лесу.

После выставки в Париже этих художников стали называть импрессионистами, от французского слова ‘impression’ что значит ‘впечатление’. Это слово подходило к их работам, потому что в них художники передавали своё непосредственное впечатление от увиденного. Художники по-новому подошли к изображению мира. Главным для них стали трепетный свет, воздух, в который как бы погружены фигуры людей и предметы. В их картинах чувствовался ветер, влажная после дождя, нагретая солнцем земля. Они стремились разглядеть и показать удивительное богатство цвета в природе. Импрессионизм был последним крупным художественным движением во Франции 19 века.

Одним из мастеров импрессионизма был Клод Моне (1840-1926). Он работал главным образом в области пейзажа. Моне и близкие к нему художники - Ренуар, Писарро и Сислей - обратили внимание на то, что один и тот же пейзаж представляется совсем иным в солнечный или облачный день, при утреннем или вечернем свете. Заметив также, что тени от предметов вовсе не черные, а имеют определённую окраску, они изгнали черный цвет со своей палитры.

Моне писал один и тот же вид в разное время суток. Таковы его серии ‘Стога сена’ и ‘Руанский собор’. Беглыми, как будто небрежными, мазками Моне писал колышущееся от ветерка поле и полную движения улицу Парижа. Он превосходно умел передать на полотне и знойное марево летнего дня, и влажный снег мягкой французской зимы.

«Завтрак на траве». Не передача конкретных героев, не портретное сходство, а впечатление художника от увиденного.
«Вокзал». Фрагментарная композиция. Впечатление от места.

Жизнерадостное восприятие мира, присуще в целом всему импрессионизму, особенно отчетливо проявилось в творчестве одного из крупнейших представителей этого направления Огюста Ренуара (1841-1919). Его привлекали молодые свежие лица, естественные, непринужденные позы. В сделанных им портретах нет психологической глубины, но сходство с оригиналом в них установлено тонко, привлекает живой блеск глаз, нежные отсветы окружающих красочных тонов на коже лица.
«Завтрак гребцов» (Написано легко, свободная обстановка, солнечный день.)
«Танец в Буживале» (Фрагмент из «З.г.», фрагментарная композиция. Движение – не позирование, а схвачен момент)
«Танец в деревне»

Одно из значительных полотен Ренуара - ‘ Бал в саду Мулен де ла Галетт’. (люди все в движении, выхвачен момент. Все мерцает, вибрирует. Писалось на пленере). Художник как будто зафиксировал своё мгновенное впечатление от пестрой подвижной массы людей. Трудно на расстоянии рассмотреть каждый предмет во всех деталях, и Ренуар рисует их лишь в самых общих чертах, словно глядя издали. Он, как и другие импрессионисты, отказался от тщательного выписывания формы каждого предмета, сосредоточив внимание на передаче этой формы в трепетных бликах того или иного освещения.

Ряд новых творческих задач поставил перед собой Эдгар Дега (1834-1917). Он примыкал к направлению импрессионистов, хотя его живописные приемы были иными. В центре искусства этого художника стоит изображение человека. Он писал людей различных общественных слоев: модисток, прачек и гладильщиц за работой, балерин в минуты отдыха, на репетициях или во время выступлений на сцене; бытовые сценки - в кафе, на улице, на скачках.

Не было той яркости, воздушности.
«Голубые тансовщицы» Пастель. Необычно по композиции – вид сверху.(увлекался фото). Ассиметрично. Не типичные позы, а тренировки, отдых. Повседневный труд балерин.
«Гладильщицы». Буднечность.
«Абсент».
Дега умел подметить необычный выразительный жест, найти редкий угол зрения (сверху или сбоку), сообщающий изображению остроту и новизну. При первом взгляде на его полотна кажется, что это случайно увиденный, как бы выхваченный кусок действительности. На самом деле в них всё тщательно продумано. Вот этой четкой композицией, а также внимание к определенности и четкости линий произведения Дега отличаются от работ других импрессионистов.

Писарро.
Влияние Корро и Курбе. (в выборе мотивов - крестьяне) Однако отошел от нейтральности цветов.

"Иней". 1873 г. – буйство цвета, света.
Сельские мотивы: «Жатва» (Влияния Милле)
«Улица Сент Лазар»

Искусство конца 19го – начала 20го века.

Рубеж 19 – 20 веков – искусство переломное, кризисное, где старое и новое действовали во взаимном пересечении. Художники стремились быть новыми. Художники подвергали сомнению представления о красоте, форме, пространстве, сюжете и колорите. В поисках новых путей погружались в природу чувств и интеллекта.

Авангардизм (начало 20-го века) – определяет экспериментальные начинания в искусстве.

Модернизм – обозначает все новейшие течения, школы и направления, которые порывают с реализмом и считали эксперимент основой творческого метода. Характерно вытеснение традиционных средств изобразительного искусства, внедрение в произведение новых элементов. Основная формула модерна: «если еще так никогда не делалось, то так необходимо сделать».

Импрессионизм становится национальным явлением Франции. Направление в искусстве последней трети 19 – начала 20 века, представители которого стремились запечатлеть реальный мир в его подвижности и изменчивости, передать свои мимолетные впечатления.

Для импрессионистов пленэр – главная задача. Важен не сюжет, а анализ цвето-воздушной среды, цвето-световая характеристика предметного мира.

Клод Моне положил начало новому искусству своей картиной «Впечатление. Восход солнца», на которой изображены силуэты и мачты лодок в голубом утреннем тумане, плоский диск солнца и проложенная крупными оранжевыми мазками дорожка на воде.

Постимпрессионизм - усиливают момент реальности. Они изображали длительное состояние мира пропуская его сквозь себя и прибегая к своеобразной стилизации. Мир продолжает восприниматься ими как изменчивый и непостоянный, но постимпрессионисты ищут в нем устойчивость. Ван Гог (1853-1890 гг. Нидерланды), Гоген (1848-1903 гг. Франция) и Сезанн (1839-1906 гг. Франция).

Символизм - направление в искусстве последней трети 19 – начала 20 века, представители которого стремились с помощью символа интуитивно выразить смысл явлений материального и духовного мира. Символизм возник во Франции.

Экспрессионизм (выражение) – возник в середине 1900-х гг. в Германии. Искусство глубоко пессимистично. Экспрессионисты утверждали: в мире нет Бога, на земле «правит бал» слепая сила, калечащая души и тела, не оставляя надежды на любовь и счастье. Экспрессионизм – искусство крика (Эдвард Мунк (1863 1944 гг. Норвегия «Крик»)

Фовизм (от фр. – «дикий, дикость») – использовали чистые, яркие, насыщенные цвета, что являлось главным средством выражения. Они не ставили целью объективно изобразить мир, а хотели донести до зрителя чувства и вещи, которые увидеть нельзя. «Вообразить мир таким, каким нам хочется», - под этими словами Дерена мог подписаться любой художник. Каждый из них, обладая яркой индивидуальностью, создавал собственный мир. Фовизм как течение просуществовал несколько лет.

Морис де Вламинк (1876-1958 гг. французский художник-самоучка, испытал влияние Ван Гога и Сезанна. Участник группы «Диких») формирует доктрину – смотреть на мир глазами ребенка. Работал в жанре пейзажа.

Анри Матисс – художник-исследователь, анатомировал картину, считал, что цвет – это мозг художника («Танец», «Красные рыбки», «Музыка»). «Исходный пункт фовизма, - писал Матисс, - решительное возвращение к красивым синим, красивым красным, красивым желтым – первичным элементам, которые будоражат наши чувства до самых глубин».

Кубизм - модернистское направление в изобразительном искусстве, зародившееся в начале XX века во Франции и характеризующееся использованием подчёркнуто геометризованных условных форм, стремлением «раздробить» реальные объекты на стереометрические примитивы. Непосредственным толчком к появлению кубизма послужили две большие выставки Поля Сезанна в 1904 и 1906 гг. Его слова» «трактуйте природу посредством цилиндра, шара, конуса…»

Основные цвета – бледно-серые и коричневые тона.

В 1907г. испанский художник Пабло Пикассо создал полотно «Авиньонские девицы». Он отверг иллюзорную трехмерность, перспективу, светотень. Поверхность большой картины – и фон, и тела пяти обнаженных женщин – была рассечена на геометрические сегменты. Выглядели девицы как грубо вытесанные идолы.

Сюрреализм сложилось в 20-е гг. 20 века. Слово «сюрреализм» (от фр. «сверхреальность») – уже давно превратилось в общеупотребительное понятие, которым обозначают все странно сочетаемое, удивительное, фантастическое, оторванное от реальности. Принцип психоанализа, разработанный Фрейдом, основывался на методе свободных ассоциаций: когда человек, отталкиваясь от какого-либо слова, представления или образа, высказывает все мысли без разбору, мысли, который приходят в голову. Так рождается сюрреалистический образ.

Цель – попытка через бессознательное подняться над ограниченностью мира материального и духовного. Картины должны вызывать поток ассоциаций, стимулировать сознание, пробуждать рефлексию.

Сальвадор Дали – максимальное правдоподобие и реальный образ. Первый период творчества (1904 – 1928) отмечен увлечением многими течениями. Второй период (1928 – 1948) – участвует в создании фильмов «Андалусский пес» и «Золотой век.

Абстракционизм – художники не пытаются изобразить что-то реально существующее, а пользоваться только линиями, точками, цветом. Абстракционисты отказываются от формы, создают спонтанные беспредметные композиции.

Малевич – создание логических упорядоченных конструкций («Черный квадрат»).

Примитивизм – чем примитивнее форма, тем ярче идея, отказ от профессиональных навыков, рисовали как дети – Анри Руссо. Руссо обладал способностью преображать окружающий его мир в сказку. Искусство для него не средство заработка, но большая любовь, увлечение. 1894г. картина «Война» - юная дикарка в разорванном платье резвиться на развалинах погибшего мира. Она летит рядом с черным конем-чудовищем, срубая ветви с деревьев и поджигая все вокруг. Земля усеяна трупами, а по небу безмятежно-голубого цвета плывут розовые облака.

8.4Постимпрессионизм – (фр. postimpressionisme, от лат. post – после, т.е. после импрессионизма) – собирательное наименование нескольких направлений французского искусства конца XIX в., возникших вслед за импрессионизмом. Постимпрессионизм охватывает период с 1886 г., когда состоялась последняя выставка импрессионистов, на которой были впервые представлены работы неоимпрессионистов, до 1910-х гг., возвестивших о рождении совершенно нового искусства в формах кубизма и фовизма.

Каждый из этих мастеров работал самостоятельно и искал свой собственный путь в искусстве.

Главное отличие постимпрессионистов от импрессионистов состояло в том, что они отвергали метод только зрительного наблюдения и изображения лишь внешности, поверхности явлений жизни.

Построение продуманной целостной композиции было одной из главных задач в творчестве П. Сезанна. В своих поисках он опирался на классическое наследие, творчество Н. Пуссена и О. Д. Энгра, часто обращался к темам и образам классического искусства, не ограничиваясь только изображением современной жизни. Он геометризировал форму изображаемых предметов и фигур и делал их структуру однородной. Сезанн вернул фигурам и телам весомость, объёмность и материальность, утраченную импрессионистами. Он говорил, что работает не с натуры, а «параллельно натуре».
Ван Гог стремился с помощью цветовых созвучий выразить своё отношение к изображаемому. Например,ночное кафе для него – место, «где можно сойти с ума» или «совершить преступление». В пейзажах ВанГога, как в душе человека, происходит «столкновение страстей»: скалы содрогаются, деревья взывают опомощи. Ван Гог писал, что он не старается изобразить то, что перед глазами. Его целью было выразить себя. Цвет у него становится главным выразителем эмоций. Ван Гог считал, что есть цвета, которые «любят»,и есть такие, что «ненавидят» друг друга. Поэтому их контраст или гармония способны выразить разнообразные духовные состояния художника
Ещё дальше отошёл от импрессионистов Гоген. Художник хотел обратиться к вечным, вневременным темам. Его привлекало искусство первобытности, Востока. Он говорил, что изображает не реальную жизнь, а «свои мечты о ней». Живопись Гогена – это мир чуда, сказки. Стволы деревьев синие, земля красная, небо жёлтое. Его художественный язык становится откровенно условным. У Ван Гога цвет эмоционален, у Гогена –декоративен.

Звездная ночь над Роной, 1890

Не нашли, что искали? Воспользуйтесь поиском: