Сравнительная характеристика творчества А. Матисса и П. Пикассо.

Матисс Анри Эмиль Бенуа (1869-1954) – французский живописец, скульптор, декоратор, рисовальщик, один из лидеров фовизма.

Анри Матисс родился на севере Франции в семье хлеботорговца. Получил юридическое образование, некоторое время работал адвокатом, но вскоре оставил нелюбимую работу и посвятил свою жизнь живописи.

Обучался живописи у салонного художника А.В.Буро, работал в школе изящных искусств в мастерской Г.Моро. Моро восхищался своим учеником, особенно, его, поражало умение Матисса соединять цвета в своих работах. Чувство цвета у него было развито на интуитивном уровне, он мастерски сочетал основные цвета и их оттенки.

Матисс изучал творчество великих мастеров живописи, писал копии произведений Гойи, Шардена, Коро и других признанных мэтров. Особенное влияние на его творчество оказали работы импрессионистов и постимпрессионистов – Мане, Писсаро, Ренуара и Сезана. Поэтому не удивительно, что в своих первых работах он подражал их стилю.

В 1902 -1904 гг. манера письма и стиль художника сильно меняются. Колорит стал более насыщенным и светлым. Он мечтает создать свое направление в искусстве, поэтому много экспериментирует в поисках своего колористического решения. Использует различные манеры письма. Несколько его ранних работ выполнено с использованием точечной манеры письма(«Вид Коллиура»(1906). Но в отличие от других мастеров, работающих в этой манере, он клал на полотно неровные мазки, создающие ощущение наслаждения жизнью. Этот период его творчества является переходным от импрессионизма к фовизму. Итогом поисков стало то, что он создал новый плоскостно-декоративный стиль. Основы этого стиля таковы: использование контурных линий, некоторая нежность цветовой гаммы, насыщенные яркие тона для передачи эмоций. Этот стиль виден в произведениях Матисса «Танец»(1910), «Музыка»(1910), «Мастерская художника»(1911). К 1915 г. Матисс уже сложился как художник фовист

На начальном этапе творчества для произведений Матисса характерны безмятежность и покой. Он работает в жанрах пейзажа, натюрморта, портрета. После поездки в Алжир в 1910г. В произведениях мастера наряду с реальными стали появляться фантастические черты («Мастерская художника»). После поездки по Италии он пишет картину «Госпожа Матисс в манильской шали»(1911), где уже в полной мере показана экзотика и необычный колорит.

Первая мировая война сказалась негативно на его настроении, что нашло отражение в го творчестве. В своих работах этого периода он использует темную гамму цветов, геометрические формы, пытаясь вылить свою депрессию. К этому периоду творчества относятся его работы – «Вид на Нотр-Дам»(1914), «Балконная дверь в Коллуоре» (1914). С окончанием войны изменился и его эмоциональный настрой. От его полотен начинает веять радостью и эмоциональной приподнятостью, они стали ярче и светлее по колориту.

В начале 20-х гг. в творчестве Матисса наступает восточный период. Он создает ряд произведений с изображением восточных танцовщиц на фоне ярких ковров.

В 30-х гг. в работах мастера всё большее место начинает занимать графика. Некоторые предметы изображаются одним мазком, скользящей линией, намеком, это делает его работы ещё более легкими и воздушными («Розовая обнаженная» 1935 г.). В 1940 г. Матисс пишет натюрморты с букетами цветов, фруктами, с видом на сад из распахнутого окна («Красный интерьер, натюрморт на голубом столе»1947 г.). К этому же периоду относятся светлые и лирические работы с изображениями девушек («Молчание в домах» 1947г, «Две девушки. Коралловый фон, голубой сад» 1947 г.).

С1948 по 1953 гг. Анри Матисс участвует в росписи католического храма в г.Ванс. Это была его последняя работа. Здесь он выполнил панно над входом в храм с изображением святого Доминика и Девы Марии, а так же фрески о Страшном суде. По мнению искусствоведов роспись храма стала вершиной в творчества великого художника.

Анри Матисс разработал свой собственный стиль в искусстве, который отличался лаконичностью и гибкостью линий, сочетание ярких контрастов и ровного колорита больших масс, что делало его полотна чувственными и выразительными. В поисках естественной гармонии художник пришел к своеобразному виденью окружающей действительности и выразил это в живописи. Своим творчеством он внес огромный вклад в изобразительное искусство.

Пабло Пикассо (25 октября 1881 г. - 8 апреля 1973 г).

испанский художник, скульптор, график, керамист и дизайнер.

Основоположник кубизма (совместно с Жоржем Браком), в котором трёхплоскостное тело в оригинальной манере рисовалось как ряд совмещённых воедино плоскостей. Пикассо много работал как график, скульптор, керамист. Вызвал к жизни массу подражателей и оказал исключительное влияние на развитие изобразительного искусства в XX веке.

Первые работы

Пикассо начал рисовать с самого детства, первые уроки художественного мастерства Пикассо получил у своего отца — учителя рисования Х. Руиса, и вскоре владел им в совершенстве. В 8 лет он рисует свою первую серьезную картину маслом, Пикадора(1889), с которой он не расставался в течение всей жизни.

Пикассо учился в школе искусств в Ла-Корунье (1894—1895). В 1895 году он поступает в школу изящных искусств в Барселоне. Сначала он подписывается своим именем по отцу, но затем выбирает фамилию матери Picasso. В сентябре 1897 он уезжает в Мадрид, где в октябре проходит конкурс в академию Сан-Фернандо.

Пикассо возвращается в Барселону в июне 1898, там он входит в общество «Els Quatre Gats» — богемное кафе с круглыми столами на художественные темы. В этом кафе пройдет его первая выставка. В Барселоне он сблизился со своими будущими друзьями Carlos Casagemas и Jaime Sabartès.

Творческая биография Пабло Пикассо разделяется на несколько этапов.

Голубой период. 1901—1904: Картины этого периода выполнены, в основном, в холодных сине-зеленых тонах. Герои - старики, бедные матери и дети, движения людей замедлены, они словно вслушиваются в себя («Любительница абсента», 1901; «Свидание», 1902; «Нищий старик с мальчиком», 1903). Сам художник в это время беден и несчастен.

Произведение переходного периода — от «голубого» к «розовому» — «Девочка на шаре» (1905)

Розовый период 1904—1906. Картины становятся более жизнерадостными, из более живого мира театра и цирка, в них преобладают розовые и оранжевые тона. Странствующие комедианты, танцовщики и акробаты; картины этого периода проникнуты духом трагического одиночества обездоленных, романтической жизни странствующих комедиантов («Семья акробатов с обезьяной», 1905).

Африканский период. 1907—1909 Отход от изображения конкретного человека, появляются африканские мотивы. Более всего его заинтересовали африканские маски и скульптура, он видел чувственную простоту их форм и полагал, что они наделены магическими силами. Вероятно, именно влияние Африки и стало определяющим для окончательного варианта портрета.

Кубизм 1909—1917. Предметы, изображенные на картинах, как бы построены из кубиков. Пикассо обратился к анализу формы: сознательная деформация и деструкция натуры («Авиньонские девицы», 1907). Он уделяет особое внимание превращению форм в геометрические блоки («Фабрика в Хорта де Эбро», 1909), увеличивает и ломает объемы («Портрет Фернанда Оливье», 1909), рассекает их на плоскости и грани, продолжающиеся в пространстве, которое сам он считает твердым телом, неизбежно ограниченным плоскостью картины («Портрет Канвейлера», 1910). Перспектива исчезает, палитра тяготеет к монохромности, и хотя первоначальная цель кубизма состояла в том, чтобы более убедительно, чем с помощью традиционных приемов, воспроизвести ощущение пространства и тяжести масс, картины Пикассо зачастую сводятся к непонятным ребусам. Пикассо и Жорж Брак вводят в свои картины типографский шрифт, элементы «обманок» и грубые материалы — обои, куски газет, спичечные коробки. Начинают преобладать натюрморты, преимущественно с музыкальными инструментами, трубками и коробками из-под табака, нотами, бутылками с вином и т. п. Техника коллажа соединяет грани кубистической призмы в большие плоскости («Гитара и скрипка», 1913)

Неоклассицизм. Цвета становятся ярче, образы - четче. Первая женитьба на балерине Ольге Хохловой, рождение сына.

Пабло Пикассо создал декорации и костюмы к балету «Треуголка», оформил спектакль «Голубой экспресс».

Работы художника того времени уже очень далеки от картин времен кубизма. Формы понятные и ясные, тона светлые, лица людей — правильные. Наиболее яркая картина периода — «Портрет Ольги в кресле» (1917. Другие известные полотна периода «реализма»: «Женщины, бегущие по пляжу» (1922), «Купальщицы» (1918), «Детский портрет Поля Пикассо» (1923).

Сюрреализм. 1925—1936: серия портретов женщины-чудовища с уродливыми половыми признаками. («Сидящая купальщица», 1929), орущих («Женщина в кресле», 1929), раздутых до абсурда и бесформенных («Купальщица», рисунок, 1927) или воплощающих метаморфические и агрессивно-эротические образы («Фигуры на берегу моря», 1931)

1937—1945: война в Испании. Герника. Вторая мировая война

В апреле 1937 немецкая и итальянская авиация бомбила и разрушила небольшой городок басков Герника — культурный и политический центр жизни этого свободолюбивого народа. За два месяца Пикассо создает свою «Гернику» — громадное полотно, которое было выставлено в республиканском павильоне Испании на Всемирной выставке в Париже. Светлые и темные монохромные краски словно передают ощущение от всполохов пожара. В центре композиции, наподобие фриза, в комбинаторике кубистическо-сюрреалистических элементов показаны павший воин, подбегающая к нему женщина и раненая лошадь. Основной теме сопутствуют изображения плачущей женщины с мертвым ребенком и быком за ее спиной и женской фигуры в пламени с воздетыми вверх руками. В темноту маленькой площади, над которой висит фонарь, протягивается длинная рука со светильником — символом надежды.

1945—1960-е: послевоенный период

В 1946 году Пикассо создал живописный ансамбль, включающий 27 картин и панно для замка семьи Гримальди в Антибе, одном из курортных городов Средиземноморского побережья Франции. В первом зале установлено панно «Радость бытия», а вся серия картин и панно передает дух гармонии бытия и природы. Основные персонажи — обнаженные девушки, фавны, сказочные существа, кентавры…

В том же 1946 году Пикассо встретил молодую художницу Франсуазу Жило. С ней они поселились в замке Гримальди. У Пабло и Франсуазы рождаются двое детей: Клод и Палома. Франсуазе Пикассо посвятил картину «Женщина-цветок». Однако в 1953 году Франсуаза, взяв обоих детей, покинула художника. Причиной расставания стали постоянные измены Пабло и его сложный характер. Пикассо тяжело далось это расставание, и ряд работ того времени подтверждает это: например, серия рисунков, выполненных тушью. На них изображен уродливый старый карлик, резко контрастирующий с прекрасной юной девушкой.

Знаменитого «Голубя мира» Пикассо создал в 1949 году, изобразив его на плакате Всемирного конгресса сторонников мира в Париже. В 1951 году появилась картина «Резня в Корее» (Музей Пикассо, Париж). С 1947 года художник поселился на юге Франции, в городе Валлорис. Там он в 1952 году расписал стены старинной капеллы аллегорическими образами войны и мира, назвав произведение «Храмом мира». В Валлорисе Пикассо открыл для себя керамику. Из нее он создал своих любимых персонажей: фавнов, кентавров, голубей, быков, женщин, причудливые антропоморфные кувшины. Сегодня в этом южном городе Франции еще работают «керамические мастерские».

Не нашли, что искали? Воспользуйтесь поиском: