Крито-Микенское искусство

Ещё 3000 лет до н. э. на островах Эгейского моря и на его побережье начала формироваться уникальная культура, которую стали называть эгейской, Крито-Микенской культурой. Она просуществовала около двух тысяч лет. В 12 в. до н. э. её уничтожили пришедшие с севера греки.

Центр этой культуры обнаружил немецкий коммерсант, археолог-любитель Генри Шлиман и английский археолог Артур Эванс. Используя поэмы Гомера они искали следы мифологического прошлого. В 1870 г. Шлиман нашёл Трою, а Эванс в 1900 г. начал раскопки на острове Крит. Он обнаружил самый известный архитектурный памятник - покои Кноса.

Сохранилась лишь часть от больших покоев Кноса. Их составляют сотни разнообразнейших помещений, каждое имело свой большой парадный двор. Посреди них - главный зал, искусные колонны, балконы, множество комнат. Свет и воздух поступал в помещения через отверстия в потолке. Был проведён водопровод, канализация, имелись стеклянные двери, лифты, ровно отделанные лестницы и ванны такой же формы, как и современные. Несколько этажей построены по бесконечному замкнутому плану. При входе корридоры постоянно поворачиваются, поднимаются и опускаются. Это напоминает описание Лабиринта греками, который принадлежал правителю Крита Миносу. В Лабиринте жил Минотавр - полубык, получеловек. Приходившие приносили Миносу дань - каждый год приводили несколько юношей и девушек, которых съедал Минотавр. Афинский герой Тесей убил Минотавра и вышел из Лабиринта при помощи клубка, который дала ему дочь Миноса Ариадна.

Палаты Кноса раньше имели множество фресок и цветных рельефов. Лучше всех сохранившийся - "Король знаний", легко идущий через цветущее поле юноша. Изображение напоминает месопотамские и египетские рисунки (лицо и ноги - сбоку, а плечи и глаз - спереди), но он более свободный и естественный. На остальных стенах изображены фрагменты, изображающие богов, колдунов, девушек, юношей, растения и животных. Изображения женщины в живописи и в скульптуре однообразны: широкая талия, обнажённые и изогнутые руки, нос широкий, но маленький, с горбинкой, рот почти неулыбающийся, причёска вычурная - с жемчужным гребнем, платье тёмно-синее с тёмно-голубыми вставками. Изображённые женщины могли быть колдуньями или богинями.

Практически ничего не известно о Критской вере. Люди не сооружали церквей, т.к. молились в пещерах, в лесах, в горах. Найдено только много маленьких скульптур с изображением богов. Предполагают, что высший бог был женского пола.

Жители Крита - хорошие мастера керамики. Им было известно гончарное колесо и цветная глазурь. Найдено много резной глиняной мебели. В росписях ваз использовались морские мотивы. Известная ваза с осьминогом хорошо подходит под определение Эгейской керамики.

В конце 15 в. до н. э. на острове произошла катастрофа. Возможно, весь остров покрыло извержение вулкана. Территорию острова заняли ахейские племена, а всё коренное население перебралось на материк.

Когда Критская цивилизация угасла, центр эгейской культуры тоже перенёсся на материк. Там возник город Микены. Государство много воевало, одна из войн - война с Троей. Ахеи строили города на высоких горах. Позже такие города стали называть акрополями. Помещения микенского акрополя не сохранились, они были построены по простому понятному плану. Вокруг центрального здания - мегарона - пространство, занятое другими строениями, впереди - портик. Его план был заимствован у греков. В 13 в. племена дорийцев заняли ахейские города. Пала Крито-Микенская цивилизация, ранний этнический этап, прелюдия богатой культуры древних греков.

Эпоха возрождения: общая характеристика,этапы.

(см.выше)

1 Устройство Древнегреческих храмов.

Древнегреческий храм - оригинальное создание эллинского гения,- в сущности, парадоксален. Он возник из жилого дома - мегарона крито-микенской эпохи как "жилище божества". Греческое слово "наос" (naos) означает одновременно "храм" и "жилище". Статуя бога требовала дома и, напротив, "жилище бога" должно быть освящено его присутствием. Но в архитектуре античного храма совершенно не осмысливалось внутреннее пространство. Массивные стены, как правило, не имели окон. Иногда - небольшие отверстия в крыше.
Только рано утром сквозь раскрытые двери храма, обращенные на восток, лучи восходящего солнца проникали внутрь и освещали громадную статую, своими размерами не согласующуюся с пространством интерьера (см. колосс; Олимпия; Парфенон). Если храмы Древнего Египта были приспособлены для ритуального шествия, то в Греции все происходило снаружи, перед храмом, где и был установлен алтарь, жертвенник. В святилище могли входить только жрецы, да и то в строго определенное время (см. адитон; опистодом; пронаос). Знаменитые греческие "прозрачные" колоннады также не пространственны. В первоначальной деревянной конструкции жилого дома это были всего лишь столбы, поддерживающие вынос кровли для защиты от непогоды стен, сложенных из сырцового кирпича (см. дорический ордер). Несущей конструкцией всегда оставалась стена, поэтому и в своем развитом виде античная колоннада - лишь декорация, красиво обрамляющая вид, открывающийся людям, укрывшимся в тени портиков от лучей палящего солнца. Разные типы колоннад дали название различным типам храмов, конструкция которых, в сущности, неизменна (см. ант; периптер; перистиль; псевдопериптер; простиль; амфипростиль; диптер; моноптер; толос). В то же время, древним грекам удалось создать новый художественный образ колонны. В отличие от массивных сооружений Востока - зиккуратов, пирамид, а также сплошного леса папирусовидных опор египетских многоколонных храмов, греческая колонна стоит свободно. Отсюда и происходит ее тектоничность (от греч. tektonike - строение) - зрительная расчлененность опоры по вертикали на отдельные части. Это чисто эллинская антропоморфная идея. Такая колонна не реально (конструктивно), а зрительно (изобразительно) выражает действие сил строительной конструкции, ассоциирующихся с силой свободно стоящего человека. Вот почему в античном искусстве совершенно естественным кажется появление опор в виде человеческих фигур - атлантов и кариатид. Только древним эллинам удалось постепенно создать образ женской фигуры - кариатиды, просто и естественно вошедшей в архитектурную конструкцию и одушевившую ее. Все последующие воплощения этой темы вызывают противоречие формы и функции, ощущение несоответствия хрупкой, пластичной опоры и тяжести перекрытия. Закономерность расчлененности и связи несущих (колонна) и несомых (антаблемент: архитрав, фриз, карниз) частей в античной архитектуре теоретически обосновал в I в. н. э. древнеримский архитектор Марк Витрувий Поллион. В своем трактате "Об архитектуре" он назвал ее словом "ордо" (лат. ordo - порядок, строй; см. ордер). Витрувий также сформулировал знаменитую триаду ("триада Витрувия"): прочность, польза, красота (firmitas, utilitas, venustas). Теорию ордера в эпоху Итальянского Возрождения канонизировал Дж. Б. да Виньола, ее развивали С. Сер-лио, А. Палладио, Ф. Делорм. Исторически в Греции сложились два ордера: дорический и ионический, а также коринфский как разновидность ионического. Виньола, взяв за основу италийские, древнеримские образцы (с пьедесталами), канонизировал пропорции пяти ордеров: тосканского, дорического, ионического, коринфского и композитного (сложного). Его система была положена в основу академической традиции. Древние эллины, однако, свободно комбинировали разные ордера (не выработав еще этого понятия) и варьировали их отношения. Показательна также эволюция от мощного дорического ордера к ионическому (более изящному, но имеющему несовершенство в односторонности ионической капители), а затем к коринфскому, пышная капитель которого наиболее декоративна, удобна тем, что выглядит одинаково со всех сторон и создает плавный, пластичный переход от вертикали опоры к горизонтали перекрытия. Коринфская капитель - самая динамичная, но и самая деструктивная.

2 Убранство интерьеров в стиле рококо: дворец Сан-суси в Потсдаме

С угасанием «великого века» монументальный архитектурный стиль второй половины 17 в. сменился новым художественным направлением — красочно-нарядным, изысканным рококо. Сложившись в 20-е гг. 18в., рококо достигло расцвета в 30—40 - е годы. В это время строительство из Версаля было окончательно перенесено в Париж, который сохранил славу самого богатого и красивого города Европы.
Архитектура утрачивала тенденцию к грандиозным ансамблям, подражавшим Версалю, но беспредельная тяга к роскоши принимала лишь новую форму. На смену усадебному замку 17 в. пришел городской дом, отель — утопавший в зелени садов небольшой особняк французской аристократии, верхушки буржуазии, разбогатевших ростовщиков. Залитые светом, изысканные салоны и будуары отелей становились феерическим фоном для частной жизни и быта аристократической верхушки, вырвавшейся после смерти Людовика XIV из-под деспотической опеки королевского двора. В особняках рококо уже не было характерного для классицизма единства решения наружного объема и внутреннего пространства, архитекторы часто отступали от логической ясности и рационального подчинения частей целому. Если в фасаде отеля и сохранились представительность и строгость дворца 17 в., то пропорции становились легкими, а внутренняя планировка изменялась, Принцип парадной анфиладности не выдерживался, проявлялась тяга к разнообразию в расположении комнат, к композициям асимметричным, разорванным, лишенным объединяющей оси. Внутреннее пространство получило свободное и рациональное расположение в соответствии с требованиями комфорта. Небольшие по размерам уютные комнаты, предназначенные для повседневного обихода, и залы обособлялись, их делали различными по форме в зависимости от назначения. Жилые комнаты обычно располагались вдоль второго фасада, обращенного в сад. Уделялось внимание и удобствам.
Интерьеры отелей рококо поражают безудержной роскошью, ювелирной тонкостью отделки. Излюбленная овальная форма залов своими криволинейными очертаниями уничтожает конкретную определенность стены, а система декораций лишает их материальности. Все переходы и грани закругляются. Светлый камень, приглушенных тонов, нежно-розовые, голубые и белые шпалеры, изящные резные панели усиливают впечатление легкости и жизнерадостности. Невысокий рельеф растительного лепного орнамента то выступает из стоп, то как бы растекается по их поверхности. Асимметричные завитки разветвляются, то расширяясь, то втягиваясь в узкие полосы. Мотивы цветов, масок, обломков скал, раковин животных вкрапливаются в узоры и образуют «чарующий стенной убор».

дворец Сан-суси в Потсдаме

Никакой другой дворец не связан так тесно с личностью Фридриха Великого как Сан-Суси. Идеи короля воплотил Георг Венцеслаус фон Кнобельсдорф, соорудив королевскую летнюю резиденцию, в которой Фридрих II вдали от официальной жизни намерен был проводить время в интимной обстановке, мог предаваться своему любимому времяпровождению. Название "Сан-Суси", что означает "без забот", отражает суть желаний короля. Большую часть года король жил в Сан-Суси, выезжая в Берлин лишь по государственным делам исключительной важности; в основном же послов и министров принимали именно здесь.

В 1744 году была сооружена верхняя терраса виноградника, на ней 14 апреля 1745 года был заложен фундамент небольшого дворца Люстшлосс. 1 мая 1747 года состоялась церемония открытия дворца. К началу 1748 года строительство его было окончательно завершено. Кнобельсдорф и скульпторы Иоганн Аугуст Наль, Бенкерт и Эбенхех, мастера по дереву Иоганн Христиан и Иоганн Михаэль Хоппенхаупт, а также мастера лепки Сартори и Мерк создали творение искусства, которое по своему художественному совершенству и взлету фантазии является непревзойденным образцом потсдамского рококо. Большой фонтан окружен полукруглыми скамьями и скульптурами французских мастеров. Четыре стихии Огонь, Вода, Земля, Воздух и античные боги обрамляют большой рондель. Здесь особенно ценны скульптуры Венеры и Меркурия Жана Батисты Пигаль (1714-1785).

Фасад дворца, обращенный к парку, украшен 36 фигурами скульптора Ф. X. Глуме (1714-1752). Вакхи и вакханки подчеркивают тему виноделия. Возвышающийся над дворцом купол разделяет длинное приземистое здание, к которому, кажется, совсем не подходит название "дворец". Архитектура со стороны парадного двора, напротив, сдержанна и выполнена в умеренном классическом стиле, так как официальные гости в XVIII столетии попадали во дворец через ворота посредине широкой полукруглой колоннады. Через ворота виден холм Руиненберг с большим бассейном для питания фонтанов.

Несколько сдвинутые назад прикрытые зелеными коридорами хозяйственные крылья только в XIX веке обрели нынешний вид. В оформлении внутренних помещений от зала к залу все больше и внушительнее проявляется характер потсдамского рококо, характеризующийся использованием сдержанного, тонкого и в то же время богатого художественным вымыслом натуралистического и стилизованного орнамента. Все виды искусства выступают в единой гармонии. Светлые тона стен, богатая фантазией отделка потолков, искрящаяся живость позолоченных орнаментов, красота картин и зеркальный блеск сливаются в симфонию веселья и жизнерадостности.

Длинная лестница из 132 ступеней пересекает 6 виноградных террас соединяет парк и дворец Сан-Суси.

Охрактеризуйте дорический, ионический и коримфский ордены, их отличия. (см.выше)

Маньеризм в искусстве позднего Возрождения.

Маньери́зм (от итальянского maniera, манера) — западноевропейский литературно-художественный стиль XVI — первой трети XVII века. Характеризуется утратой ренессансной гармонии между телесным и духовным, природой и человеком. Некоторые исследователи (особенно литературоведы) не склонны считать маньеризм самостоятельным стилем и усматривают в нём раннюю фазу барокко. Существует и расширенное толкование понятия «маньеризм», как выражения формотворческого, «претенциозного» начала в искусстве на разных стадиях культурного развития — от античности до современности.

Не нашли, что искали? Воспользуйтесь поиском: