Живопись до Джотто. Проблема истоков нового стиля.

Искусство Возрождения возникло на основе гуманизма (от латинского humanus — «человечный») — течения общественной мысли, которое зародилось в XIV в. в Италии, а затем на протяжении второй половины XV и в XVI вв. распространилось в других европейских странах. Гуманизм провозгласил высшей ценностью человека и его благо. Последователи этого течения считали, что каждый человек имеет право свободно развиваться как личность, реализуя свои способности. Идеи гуманизма наиболее полно и ярко воплотились в искусстве, главной темой которого стал прекрасный, гармонически развитый человек, обладающий неограниченными духовными и творческими возможностями. Гуманистов вдохновляла античность, служившая для них источником знаний и образцом художественного творчества. Великое прошлое Италии, постоянно напоминавшее о себе, воспринималось в то время как высшее совершенство, в то время как искусство Средних веков казалось неумелым и варварским. Термин «возрождение», возникший в XVI в., означал рождение нового искусства, возрождающего классическую античную культуру. Тем не менее искусство Ренессанса многим обязано художественной традиции Средних веков. Старое и новое находились в нерасторжимой связи и противоборстве. При всем противоречивом многообразии своих истоков искусство Возрождения отмечено глубокой и принципиальной новизной. Оно заложило основы европейской культуры Нового времени. Все основные виды искусства — живопись и графика, скульптура, архитектура — чрезвычайно изменились.
В архитектуре утвердились творчески переработанные принципы античной ордерной системы, сложились новые типы общественных зданий. Живопись обогатилась линейной и воздушной перспективой, знанием анатомии и пропорций человеческого тела. В традиционную религиозную тематику произведений искусства проникало земное содержание. Усилился интерес к античной мифологии, истории, бытовым сценам, пейзажу, портрету. Наряду с монументальными настенными росписями, украшавшими архитектурные сооружения, появилась картина; возникла живопись масляными красками.
Искусство еще не перестало быть ремеслом, однако на первое место уже выступила творческая индивидуальность художника, деятельность которого в то время была весьма многообразной. Поразительна универсальная одаренность мастеров Ренессанса — они часто работали одновременно в области архитектуры, скульптуры и живописи, совмещали увлечение литературой, поэзией и философией с изучением точных наук. Понятие творчески богатой, или «ренессансной» личности стало впоследствии нарицательным.
В искусстве Возрождения тесно переплелись пути научного и художественного постижения мира и человека. Его познавательный смысл был неразрывно связан с возвышенной поэтической красотой, в своем стремлении к естественности оно не опускалось до мелочной повседневности. Искусство стало всеобщей духовной потребностью.
Формирование ренессансной культуры в Италии происходило в экономически независимых городах. В подъеме и расцвете искусства Возрождения большую роль сыграли Церковь и великолепные дворы некоронованных государей — правящих богатых семейств, которые были крупнейшими покровителями и заказчиками произведений живописи, скульптуры и архитектуры. Главными центрами культуры Возрождения сначала были города Флоренция, Сиена, Пиза, затем — Падуя, Феррара, Генуя, Милан и позже всех, во второй половине XV в., — богатая купеческая Венеция. В XVI в. столицей итальянского Возрождения стал Рим. Начиная с этого времени, все прочие центры культуры, кроме Венеции, утратили прежнее значение.

Чимабуэ (Cimabue, Giovanni)
(ок. 1240 - ок. 1302), итальянский художник, один из ведущих мастеров флорентийской живописи 13 в. Родился ок. 1240. Его настоящее имя Ченни ди Пепо; прозвище Чимабуэ означает "Быкоголовый". Он был последним итальянским художником, работавшим в византийской манере. Те или иные живописные произведения приписываются ему на основании стилистического сопоставления с мозаикой, изображающей св. Иоанна Крестителя из апсиды собора в Пизе (единственной работы, принадлежность которой Чимабуэ засвидетельствована документально), и образом св. Иоанна из фрески Распятие в Верхней церкви в Ассизи, которая считается одним из прекраснейших его творений.

Стилистическое сходство с Распятием обнаруживают несколько образов, отличающихся большой внутренней силой и экспрессией. В Верхней церкви в Ассизи стиль Чимабуэ заметен в большинстве потемневших фресок хора и трансепта. Среди этих фресок: сцены Апокалипсиса, Успение и Прославление Богоматери, чудеса и мученичество апостолов Петра и Павла и второе большое Распятие, сейчас почти полностью утраченное. В правом крыле трансепта Нижней церкви находится грубо прописанная фреска с изображением Мадонны на троне и Св. Франциска. Самой известной работой Чимабуэ, исполненной в технике темперной живописи, является большая Мадонна на троне (написанная для церкви св. Троицы во Флоренции, сейчас - в галерее Уффици). Знаменитая Мадонна Ручеллаи сейчас признается ранней работой сиенского мастера Дуччо ди Буонинсенья. Два деревянных Распятия, приписываемых Чимабуэ, находятся в церкви Сан Доменико в Ареццо и в музее Санта Кроче во Флоренции. Возможно, еще одна его работа - полиптих из Вашингтонской Национальной галереи, но эта атрибуция не является общепринятой. Данте мельком упоминает художника в Чистилище (XI, 94-96: "Кисть Чимабуэ славилась одна, а ныне Джотто чествуют без лести, И живопись того затемнена"). Джорджо Вазари рассказывает о том, как Мадонна Ручеллаи была пронесена по улицам Флоренции под приветственные крики толпы; как Чимабуэ встретил Джотто, рисующего на камне овцу, и взял его к себе в ученики; как Чимабуэ безжалостно уничтожал свои произведения, если они ему не нравились. Чимабуэ удалось достичь высокого мастерства в создании жесткой, структурной формы и ясной, логически выверенной композиции.
Умер Чимабуэ ок. 1302.

Каваллини Пьетро (Cavallini Pietro) (около 1240-1250 - около 1330)
Итальянский художник и скульптор периода поздней итало-византийской живописи и проторенессанса. Собственно, Пьетро деи Черрони (dei Cerroni). Работал в Риме и Неаполе. Опираясь на традиции позднеантичной живописи, Каваллини первым из мастеров Проторенессанса отошел от канонов так называемого средневекового итало-византийского искусства. Выполненные живописцем Пьетро Каваллини в Риме мозаики (в церкви Санта-Мария ин Трастевере, 1291) и фрески (в церкви Санта-Чечилия ин Трастевере, около 1293) отмечены материальной осязаемостью и объемностью пластической формы, использованием светотеневой моделировки и тонких цветовых градаций. Полностью отойдя от условной византинизирующей живописной манеры в духе Чимабуэ и других мастеров, Каваллини придал своим религиозным образам более земной, осязательный характер. Не удивительно поэтому также, что он применил в своих композициях невиданную до того в итальянской живописи светотеневую моделировку и средства передачи пространства. В церкви Санта Мария ин Трастевере в Риме в 1291 году Каваллини исполнил в мозаике шесть сцен из жизни богоматери. В этом произведении Каваллини выступил уже как законченный мастер. В сценах «Рождение Марии» и «Успение Марии» архитектура заднего плана напоминает античные строения, фигуры пластически ощутимы, более убедительно, чем у его предшественников, расположены в пространстве. Использование мозаичной техники с ее условностью и ограниченными возможностями не помешало Каваллини создать чисто живописные образы, навеянные позднеантичными росписями и памятниками древнеримского зодчества. Так, например, в «Благовещении» трон мадонны напоминает по своей архитектуре римскую триумфальную арку, а фигура ангела с мощно распростертыми крыльями словно предвосхищает собой образы искусства раннего Возрождения.

Пьетро Каваллини исполнил также фрески в церкви Санта Мариа в Орвието по заказу Бенедетто ди Буонконте Мональдески, правителя города.
В «Жизнеописаниях» Вазари изложено, что "...в Орвието Пьетро сделал несколько скульптур и что они ему прекрасно удались, ибо он обладал превосходнейшим талантом во всем, за что бы ни принимался, а также что его рукой выполнено Распятие, находящееся в большой церкви Сан Паоло фуор ди Рома, то самое, которое, как говорят и чему следует верить, заговорило со святой Бригиттой в 1370 году..."
Творчество Каваллини оказало большое влияние на итальянских художников начала 14 века, в том числе на великого живописца проторенессанса Джотто (1267–1337). Во фресках «Страшный суд», сохранившихся лишь фрагментарно, написанных около 1293 года в церкви Санта Чечилия ин Трастевере в Риме, Каваллини пошел еще дальше. Они выделяются своим новым подходом к форме, основанным не на линейном принципе, а на чрезвычайно сильной светотеневой моделировке, которая, по словам Гиберти, придавала форме «величайший рельеф». Эта живописная лепка особенно чувствуется в благородном лике Христа и в фигурах апостолов, одеяния которых переданы в красивых фиолетово-розовых, оливково-зеленых, небесно-голубых тонах. Однако образам Каваллини еще не свойственна та степень жизненности и одухотворенности, которая отличает образы Джотто; у Каваллини больше отвлеченности и холодности, что отражает стиль римской живописи того времени. До начала 14 века ей принадлежала ведущая роль, так что у Каваллини было много учеников и последователей, но самым выдающимся из них был Джотто, который воспринял у него и светотеневую моделировку, и понимание пространства, и величавый эпический язык римской живописи. Все это помогло ему полностью преодолеть византийские традиции и создать свой благородный стиль, положивший начало новому этапу в развитии европейской живописи.

Дуччо ди Буонинсенья (Duccio di Buoninsegna) (около 1255–1319)
Итальянский живописец, основоположник сиенской школы 14 века. Дуччо испытал влияние так называемой итало-византийской живописи и французской миниатюры, воспринял отдельные тенденции искусства Проторенессанса. Кроме Сиены, Дуччо ди Буонинсенья работал также в Ареццо, Пизе, Лукке и в Пистойе. Созданные Дуччо алтарные образы с их орнаментальными золотыми фонами, звучной и изысканной цветовой гаммой отличаются мягкой поэтичностью, лиризмом, эмоциональной выразительностью линейного ритма, тонким декоративизмом (“Мадонна со святыми”, Национальная пинакотека, Сиена; “Мадонна с младенцем и двумя ангелами” или “Мадонна ди Креволе”, 1283-1284, Музей делла Опера дель Дуомо, Сиена, первоначально находилась в церкви Санта Чечилия в Креволе; “Мадонна Ручеллаи”, 1285, Уффици, Флоренция).

Дуччо ди Буонинсенья был снователем сиенской школы живописи, одним из наиболее консервативных мастеров как по своим общественным взглядам, так и по художественным позициям среди современных ему живописцев. Старший современник Джотто, он прошел равнодушно мимо всей новизны его художественных реформ, так как всецело был предан византийскому искусству с его плоскостностью, декоративностью, линеарностью, яркой красочностью, отвлеченными золотыми фонами. Документы сохранили свидетельство о том, что, когда в 1299 году в Сиене утвердилось народное правительство пополанов, Дуччо отказался принести ему присягу. Сочетая в себе элементы действительности со сказочным вымыслом, овеянное тонким лиризмом, религиозное искусство Дуччо не открывало собой новых путей, а скорее завершало живопись Эпохи дученто. И в этом смысле его трудно поставить в один ряд с идейными предшественниками Джотто. Однако его творчество не было столь консервативным, как у Чимабуэ. К числу сильных сторон его искусства принадлежал редкий по красоте колорит. Изысканная по цвету палитра Дуччо содержала в себе оранжево-красные, фиолетовые, синие, желтые, зеленые, бледно-сиреневые, чайнорозовые тона. Присущий ему тонкий линейный ритм проявляется во всех его произведениях, из которых следует выделить два: “Мадонна Ручеллаи” (Уффици) и “Маэста” — алтарный образ для Сиенского собора. В образе Дуччо “Мадонна Ручеллаи” не чувствуется той плоскостности, как у Чимабуэ. Узорный легкий трон изображен с иллюзией глубины; правда, он дан в обратной перспективе. Ангелы переданы в более объемной манере, контуры фигуры мадонны плавны и ритмичны. 3олотые края ее одежды, прихотливо извиваясь, создают изящный линейный орнамент. Однако образ мадонны Дуччо так же отвлеченен и «церковен», как у Чимабуэ, в нем не ощущается той человечности и жизненности, которая чувствуется в “Мадонне” Джотто. Богоматерь Дуччо воспринимается как объект религиозного поклонения, как торжественный образ религиозного культа.

Самым знаменитым произведением Дуччо была его “Маэста”, или “Величество”, — огромный двусторонний алтарный образ, написанный в 1308—1311 годах, с изображением мадонны — покровительницы города Сиены — с младенцем и ангелами, которое занимало всю центральную часть лицевой стороны этой иконы. Пределлы и верхнюю часть, а также всю оборотную сторону Дуччо украсил семьюдесятью шестью небольшими сценами из жизни Марии и Христа. Многих из этих частей в настоящее время не существует, некоторые разбросаны по различным музеям, так что только реконструкция может дать представление об этой грандиозной алтарной иконе, которая по окончании ее художником при огромном стечении народа была перенесена из мастерской Дуччо в Сиенский собор. В главном произведении Дуччо ди Буонинсенья - алтарном образе сиенского собора “Маэста” с изображением Богоматери в окружении ангелов и святых на лицевой стороне и “Страстей Христовых” на оборотной стороне (1308–1311, основная часть полиптиха – в Музее собора, Сиена), художник, не порывая с канонами средневекового искусства, стремится к жизненной убедительности бытовых деталей, добивается звучной декоративности цвета, лиричности образной системы. По рисунку Дуччо в 1288 году был выполнен первый в Италии монументальный витраж в круглом окне хора сиенского собора.

Не нашли, что искали? Воспользуйтесь поиском: