Американське кіно початку ХХ століття. Творчість Девіда Гріффіта.

Девід Гріффіт (1875 — 1948), американский режиссер, сценарист, продюсер и актер. Родился в семье полковника армии южан, разоренного Гражданской войной, юный Гриффит самостоятельно пробивался на своем пути в жизни, испытав бедность и потерпев неудачу в попытках стать писателем и театральным актером. В 1907 сыграл в фильме «Спасенный из Орлиного гнезда». В 1908 поставил свой первый фильм «Приключения Долли». К моменту перехода в кинокомпанию «Релайэнс-Мэджестик» создал около 450 картин. Один из гигантов новой музы кино, Гриффит в своем взгляде на мир, моральных воззрениях и требованиях к искусству оставался человеком прошлого, 19 века. Вначале зрители с восторгом принимали его фильмы — экранизации классики, мелодрамы и драмы из жизни фермеров. Режиссура, работа оператора и актеров Гриффит первым на Западе учил играть актеров именно для экрана и воспитал целую плеяду талантливых исполнителей, самой знаменитой из которых была Мэри Пикфорд. Декорации выгодно отличали постановки Гриффита, ставшего к тому моменту лидером кинокомпании, от большинства лент 1908—1914 годов, а сентиментальность сюжетов и обязательная победа добра над злом соответствовала вкусам среднего американца. Поставленные в его звездный час шедевры «Рождение нации» (1915) и «Нетерпимость» (1916) были грандиозной попыткой использовать язык нового искусства для решения новых задач, неизмеримо более сложных, нежели изложение сюжетов о конечной победе слабых и честных над сильными и злыми. Однако при невиданном кассовом успехе фильм «Рождение нации» вызвал общественные столкновения и обвинения в расизме. А «Нетерпимость» не имела успеха из-за опередившего эпоху на несколько десятилетий изобразительного языка и монтажного построения этой ленты. Фатальная неудача разорила Гриффита, зрители после первой мировой войны не принимали ни его идей, ни его героев. Однако в ряду малоудачных и подрывавших имидж выдающегося режиссера картин на рубеже 10—20-х годов выделяются три безусловных шедевра, представляющие собой совершенный образец гриффитовской режиссуры, драматургии, работы с актером и монтажа: «Сломанные побеги» (1919), «Путь на Восток» (1920) и «Сиротки бури» (1922). Не имея собственного проката и не в состоянии сохранить независимость, Гриффит должен был считаться с продюсерами и снимать кассовые фильмы. Этого не получалось. Последняя работа режиссера «Борьба» вышла в 1931. Несмотря на то, что он оказался выключенным из системы кинопроизводства, многочисленные сценарии оставались нереализованными, а римейк «Сломанных побегов» в Великобритании достался другому режиссеру, Гриффит (пусть и с опозданием на год, лишь в марте 1936) был все-таки награжден в честь его шестидесятилетия почетным «Оскаром» — «за выдающиеся творческие достижения в качестве режиссера и продюсера, неоценимую инициативу и прочный вклад в развитие киноискусства». Тем не менее умер почти в безвестности спустя 12 лет в одном из Голливудских отелей.

Грузинська школа кіно. Творчість режисерів Тенгіза Абуладзе,

Отара Іоселіані, братів Шенгелая.

Грузинское кино характерно своей легко узнаваемой поэтикой и метафоричностью. Существовала целая школа грузинского кино, которая называлась трагикомической. Ее любимым жанром были новеллы – весело-грустные. И вот это желание, прикасаясь к любому сюжету, выискивать и что-то смешное. Отар Иоселиани, Тенгиз Абуладзе, Георгий Шенгелая - все это режиссеры с мировым именем.

Для режиссерского почерка Тенгиза Абуладзе характерно гармоническое равновесие между общечеловеческим смыслом, выраженным в кинематографических образах, и яркой национальной традицией, уходящей корнями в грузинские пластические искусства. В 1943-1946 годах Абуладзе учился в Тбилисском театральном институте, в 1953 году окончил режиссерский факультет ВГИКа, где учился у Сергея Эйзенштейна, Л. В. Кулешова, Александра Довженко. С 1953 года — режиссер киностудии «Грузия-фильм». В художественный кинематограф Абуладзе вошел совместным с Р. Чхеидзес фильмом «Лурджа Магданы» по произведению Екатерины Габашвили. Этот маленький фильм принес им престижную награду — Гран-при Каннского кинофестиваля 1956 года по конкурсу короткометражных лент. Режиссеры сочетали поэзию с реализмом. «Лурджа Магданы» подвела черту под старой эстетикой, и стала родоначальницей нового грузинского кино, истоком «грузинской школы». Знаком объединения поэзии и обыденного, новизной стиля отмечен и следующий, уже самостоятельный фильм Абуладзе «Чужие дети» (1958), снятый под заметным влиянием итальянского неореализма. В фильме «Я, бабушка, Илико и Илларион» (1963) по произведению Нодара Думбадзе наиболее полно проявилась склонность Абуладзе к поэтическому и философскому обобщению. Через характерные особенности быта, яркий и сочный язык героев, мягкий юмор он глубоко раскрыл национальный характер, силу народа, проявившиеся во время войны. В фильме «Ожерелье для моей любимой» (1973) по повести А. Абу-Бакара режиссер продолжил поиски новой поэтики, попытавшись соединить эксцентрику народного дагестанского сказа и философскую притчу. В совершенной форме эта поэтика воплотилась в фильме. «Древо желания» по Г. Леонидзе (1977), втором после «Мольбы» фильме триптиха, который завершился «Покаянием» (1984). «Покаяние» стало главным фильмом последних периода существования СССР. После пятого съезда Союза кинематографистов он был выпущен в прокат (фильм был снят в 1984, но вышел на экраны в 1986). С поразительной экспрессией и насыщенностью фильм показал трагизм и корни кровавого советского террора, его последствия и его конец. Это был первый из анти-тоталитарных фильмов, который потряс всю страну. На Каннском кинофестивале 1987 года фильм получил сразу несколько премий. Сочетание интеллектуального пути с интуитивными озарениями, изобразительной культуры с актерскими открытиями, которые могут быть запечатлены только средствами кино, — основа режиссуры Абуладзе.

Отар Иоселиани окончил музыкальное училище, потом во ВГИКе, который окончил в 1961 (мастерская А. П. Довженко и М. Э. Чиаурели). Сразу после окончания института снял среднеметражный фильм «Апрель» (1962), который с едкой иронией, но в манере отвлеченной и надуманной символики представлял образ жизни городской молодежи, был выпущен только в Грузии и лишь десятилетие спустя. Его первая полнометражная картина «Листопад» (1968) предугадывала резкую смену климата в стране — оттепель закончилась. Режиссер удивительно точно почувствовал почти неуловимую связь между временами года и состоянием души своего героя, работающего на винодельческом заводе. «Пастораль» (1976, премия ФИПРЕССИ на кинофестивале в Западном Берлине, 1982) по сравнению с двумя первыми частями своеобразной трилогии — « Листопад» и «Жил певчий дрозд» —поневоле выглядит более дидактичной, а порой даже не лишенной иронически-сатирического заряда. Фильм рассказывает о поездке камерного оркестра городских музыкантов на летний отдых в деревню, где они репетируют классические произведения, то соотносящиеся с окружающими пейзажами, то контрастирующими с сельским бытом и местными нравами.

Переезд режиссера во Францию в конце 1980-х годов не был на самом деле резким и демонстративным разрывом ни с обществом, ни с Родиной. К сожалению, не свойственная Иоселиани тема огульного неприятия и раздраженного отрицания советского прошлого все же найдет свое отражение в поздней документальной ленте «Грузия одна» (1994). А в фильмах, снятых в окрестностях Парижа — «Фавориты луны» (1984, специальная премия на Международном кинофестивале в Венеции), «Охота на бабочек» (1992), «Коровья площадка» (1999) — или вообще в африканской деревне («И стал свет», 1989, специальная премия на Международном кинофестивале в Венеции), он остается самим собой, не изменяющим своим эстетическим принципам художником, с еще большим лукавством смотрящий на окружающий мир. В 2000 вышел еще один фильм Иоселиани «In vino veritas!». Фильм представляет поток жизни, режиссер наконец-то нашел свою Грузию в Париже (эпизод пения вместе с нищим), он почти лишен речи, и от этого становится еще более привлекательным и таинственным.

Шенгелая Георгий Николаевич (род. 1937 в Москве), режиссер, сценарист, актер. Окончил режиссерский факультет ВГИКа (1961, мастерская А.Довженко и М.Чаурели). Народный артист Грузии. С 1961 — режиссер киностудии «Грузия-фильм». Ведет режиссерскую мастерскую в Тбилисском институте театра и кино имени Ш.Руставели. Режиссер и сценарист фильмов: ОН УБИВАТЬ НЕ ХОТЕЛ; ПИРОСМАНИ; МЕЛОДИИ ВЕРИЙСКОГО КВАРТАЛА и многих других. Шенгелая Эльдар Николаевич (род. 1933, Тбилиси), режиссер, сценарист. Народный артист Грузии. Окончил режиссерский факультет ВГИКа (1958, мастерская С.Юткевича). В 1958—1960 — режиссер к/студии «Мосфильм», с 1960 — студии «Грузия-фильм». Руководит режиссерской мастерской Тбилисского театрального института имени Шота Руставели. Режиссер фильмов: (1959) СНЕЖНАЯ СКАЗКА,(1963) БЕЛЫЙ КАРАВАН, (1968) НЕОБЫКНОВЕННАЯ ВЫСТАВКА, (1973) ЧУДАКИ, (1984) ГОЛУБЫЕ ГОРЫ, ИЛИ НЕПРАВДОПОДОБНАЯ ИСТОРИЯ.

Режисерські імена 80-90-х: Пітер Грінуей, Емір Кустуріца,

Ларс фон Трієр.

Питер Гринуэй - английский режиссер и художник. Родился в Уэльсе в 1942г. После учебы в Колледже искусств в течение 11 лет работал монтажером документальных фильмов. Начиная с 1966 г. снимал экспериментальные короткометражные и документальные ленты. «Контракт рисовальщика» (1982) - его первый полнометражный фильм, принес режиссеру международную известность. В нем отчетливо проявились две основные особенности режиссерского почерка Гринуэя: исключительная роль живописного решения как всего фильма, так и каждого кадра, а также отсутствие привычного сюжетно-психологического развития, поскольку сюжет сводится к некой исходной ситуации, без особой интриги получающей в финале свое разрешение. В результате любой гринуэевский фильм выглядит как изысканные живописные вариации на одну тему, которую, взаимодействуя, образуют два, по признанию режиссера, глобальных вопроса: секс и смерть. В каждом фильме эти вариации строятся на определенном литературно-художественном мотиве. В фильме «Зед и два нуля» (1986) — это голландская живопись и естественно-научный пафос первых зооклассификаций. «Живот архитектора» (1987) построен на мотивах классицистической архитектуры. «Отсчет утопленников» (1988) идет на фоне самых фантастических, на ходу придумываемых игр.«Повар, Вор, его Жена и ее Любовник» (1989) представляет собой спектакль «театра жестокости» с его соединением социального пафоса, эротики и духом ритуального жертвоприношения. «Дитя из Макона» (1993) выглядит как пышная барочная кровавая трагедия. «Интимный дневник» (1996) использует японскую каллиграфию и утверждает, что «текст — это тело, а тело — не более, чем текст».

В своих фильмах Гринуэй соединяет театральное нагнетание шоковых и «аттракционных» (в Эйзенштейновском смысле) проявлений жестокости и эроса с холодной отстраненностью интеллектуальной игры. И если первое роднит его с традициями авангардизма, то второе сближает с постмодернистским признанием царящего в мире хаоса, на фоне которого всякие попытки его упорядочения с помощью разного рода классификаций и таксономий вызывают ощущение абсурда. Наряду с этим в фильмах Гринуэя видны и вполне расхожие мотивы, связанные со злобой дня.

Эмир Кустурица («балканский Феллини») - югославский режиссер (родился в 1954г). Учился на режиссерском факультете Пражской киноакадемии. Дипломная работа «Герника» удостоилась первой премии на фестивале студенческих фильмов в Карлови-Вари. В 1978 снял телевизионную ленту «Невесты приходят», запрещенную цензурой «по моральным соображениям». Следующая картина для ТВ — «Буфет «Титаник» (1979). Первая работа Кустурицы в кино — «Помнишь ли, Долли Белл?» - лирическая драма о проблемах боснийской молодежи 1960-х годов, приносит ему неофициальный титул «режиссера 21 века». Кустурица преподает в киношколе в Сараево, одновременно работая над фильмом «Отец в командировке» - метафизической драме об эпохе политических репрессий в Югославии в начале 1950-х годов, которая увидена глазами впечатлительного ребенка (1984). Фильм получил главную премию Каннского фестиваля 1985г.и номинацию на «Оскар». В последующие три года прославившийся в мировом масштабе режиссер предпринимает несколько грандиозных проектов, среди которых — «Мост на Дрине» по роману И. Андрича, «Духоборы» — о сектантах с Украины, эмигрировавших от преследований царских властей в Канаду, осовремененная версия «Преступления и наказания» по роману Ф. Достоевского. Ни один из этих замыслов не был реализован, но тем не менее Кустурица снял в Македонии фильм «Дом для повешения»/«Время цыган» (1988, премия на МКФ в Канне 89), грандиозную этнографическую фреску о средневековом по сути образе жизни современных цыган на Балканах и трагическом столкновении их с европейской цивилизацией. В 1990 начал преподавать кинорежиссуру в Колумбийском университете в США. Затем, основываясь на своих американских впечатлениях, снимает при содействии французских продюсеров картину «Аризонский сон» (1992, премия на МКФ в Берлине), действие которой происходит в США. Во время «балканской войны» 1992—1995 эмигрирует из Боснии в Париж и Белград, где создает фильм «Подполье» (1995, главная премия на МКФ в Канне), трагикомическую метафору югославской истории последнего полувека. Новым обращением режиссера к теме цыган в современном мире стала фарсовая комедия «Черная кошка, белый кот». Эта «вакханалия» радости и жизни, снятая в эстетике кича, открыла зрителю нового Кустурицу, который, по словам критиков, «избавился от трагедий».

Ларс фон Триер, датский режиссер и сценарист. Родился в 1956г.в Копенгагене. В киношколе юный Триер подпадает под магическое очарование еще не тронутой блеском hi-fi старой доброй киношной механической техники, становится убежденным формалистом. Тогда же его однокурсники за важность и надменность добавили к его фамилии приставку «фон». Триер глубоко погрузился в алхимическую кухню кинопроизводства, интересуясь прежде всего технической стороной съемок и формальными изысками стиля, что было заметно уже в его первых короткометражках «Сад орхидей» (1976) и «Ноктюрн» (1981). После съемки ленты «Картины освобождения» (1982) Триер задумал три фильма, начинающиеся с буквы «Е» и сфокусированные не на актерах. Пыльный воздух декаданса, пропитывающий интерьеры, отношения персонажей, одежду, речь, все вокруг; эсхатологический фатализм диалогов и сюжета; глобальный культурный контекст, в котором фантазия фон Трира купается так же, как персонаж его полнометражного дебюта следователь Фишер купается в засасывающем омуте инфернальной мистерии убийств и загадок. «Элемент преступления» (1984) — уникальный опыт скрещивания двух параноидальных эстетик: немецкого экспрессионистского кино 1920-х годов и американского «черного фильма» 1940-50-х годов. Герой картины идет по следу изощренного серийного убийцы, интерпретирующего цепочку совершаемых им преступлений как составление головоломки, прочерчивая своим кровавым маршрутом литеру Н на карте Европы, где он осуществляет зловещий замысел. Следующий «Е»-фильм фон Трира - «Эпидемия» (1987, премия технической комиссии на кинофестивале в Канне) — мистическая история о пропавшем в компьютерной утробе сценарии. В экранизации (1988) нереализованного сценария К. Т. Дрейера «Медея» фон Трир демонстрирует поразительное владение ручной камерой и рир-проекцией. Закончив цикл Е-фильмов, фон Трир декларирует кардинальную смену эстетики, выступая на этот раз с апологией «синема-верите» и актерского кино, заявляя о замысле новой «трилогии о добре».

Первой же картиной нового цикла, за которой последовало триумфaльное признание фон Трира как «великого религиозного режиссера» («Феликс» за лучший европейский фильм года и лучшую женскую роль Эмили Уотсон), стала драма «Рассекая волны» о страдании и чуде, снятая в суперкрупном формате ручной камерой великим немецким оператором Робби Мюллером. Работая в новой, «анти-техно» эстетике, фон Трир преуспел ничуть не меньше, чем в эстетике своего первого периода. Самый загадочный проект фон Трира, начатый им в 1992, — «Измерение», для которого режиссер снимает по 3 минуты в год, намереваясь закончить фильм в 2024 году, причем собирается это сделать любой ценой: в случае своей преждевременной смерти он отдал распоряжения своему последователю относительно окончания картины. О сюжете неизвестно ничего, кроме того, что это криминальная история. В 2000 Фон Триер представил свой новый фильм «Танцующая в темноте». Режиссер не побоялся реанимировать почти умерший жанр мюзикла, наполнив его эстетикой «Догмы» и трагедийным пафосом. Главная героиня Сельма (ее играет певица Бьёрк) — чешская эмигрантка, мать-одиночка, работающая на американской фабрике, страстно влюблена в музыку, особенно в классические голливудские мюзиклы. Сельма, постепенно теряя зрение, вскоре должна ослепнуть. Та же судьба ожидает и ее сына. Единственный способ спасти мальчика — найти большую сумму денег, необходимую для операции. Триер строит фильм на переключении одной реальности на другую. Картина стала главной сенсацией кинофестиваля в Канне, получил две Золотых пальмовых ветви — лучший фильм и женская роль (Бьёрк), приз«Феликс» и множество других призов.

Народження українського та російського кіно. Творчість

А.Федецького, С.Бауера, В.Гардіна, П.Чардиніна.

В Российской империи Харьков считался знатным городом. В Харькове жили многие ставшие известными ученые, купцы, писатели. Харьков в Российской империи, отличился еще и тем, что именно у нас была создана первая киностудия. Ее основатель - Альфред Федецкий, самый именитый и успешный харьковский фотограф того времени. Один из самых известных снимков, на которых запечатлен последний император царской России Николай Второй принадлежит именно ему. Альфреду Федецкому удалось быть первым, кто снял крушение царского поезда в Борках. В 1896-1897 г.Федецкий снимает и демонстрирует в городском театре несколько хроник: "Перенесение чудотворной иконы Божьей матери из Куряжского монастыря в харьковский Покровский монастырь", "Джигитовка казаков 1-го Оренбургского полка", "Вид харьковского вокзала в момент отхода поезда с находящимся на платформе начальством". Альфред Федецкий - основатель не только профессиональной фотостудии в Харькове, но и первой киностудии в Российской империи. И его фильм «Джигитовка Оренбургского казачьего полка» - один из первых фильмов, снытых на территории Украины. После смерти Федецкого его дело некому было продолжить и какое-то время фотоателье на улице Сумской пустовало. Но харьковчане так привыкли фотографироваться, что открытие нового салона на прежнем месте не заставило себя долго ждать.

БАУЭР Евгений Францевич (1865-1917), сценарист, режиссер. Окончил Московское училище живописи, ваяния и зодчества. Оформлял опереточные и фарсовые театральные спектакли. В кино начал работать с 1912 года в фирме «Пате». Поставил свыше 80-ти фильмов. Мастер психологической драмы, один из первых русских режиссеров, поднявших изобразительную культуру фильма, разработавших художественные средства игрового кино: монтаж, мизансцены и композицию кадра. В 1916г. вышли его фильмы «Жизнь за жизнь», «Сестры-соперницы», «За каждую слезу по капле крови» (режиссер, автор сценария).

ГАРДИН Владимир Ростиславович (1877-1965, Ленинград), актер, режиссер, сценарист, монтажер, народный артист СССР.В 1894 окончил Кадетский корпус. С 1898 — актер любительской труппы провинциальной сцены. В 1909-1912 — актер и режиссер театров Воронежа, Царицына и Саратова. С 1913 один из основных актеров и режиссеров русского дореволюционного кино. До 1917 года им поставлено 33 фильма, среди которых — «Анна Каренина», «Крейцерова соната», «Война и мир», «Ключи счастья», «Брандт», «Накануне», «Барышня-крестьянка» и др. Как режиссер-постановщик отличался бережным отношением к литературному первоисточнику. В 1919 — один из организаторов, а затем — первый директор Госкиношколы в Москве (ныне — ВГИК). Новый этап в творчестве Гардина начался в годы звукового кино, когда он стал сниматься как актер. Его искусство отличали мастерство перевоплощения, детальная разработка роли. Среди наибольших актерских удач следует назвать роли старого рабочего в фильме «Встречный» и Порфирия Головлева в картине «Иудушка Головлев».

ЧАРДЫНИН Петр Иванович (наст.фам. — Красавчиков) (1878, Чердынь (ныне в Пермской области) — 14.08.1934, Одесса), режиссер, сценарист, актер.Окончил Музыкально-драматическое училище Московского филармонического общества. Работал в провинциальных театрах. Кинематографическую деятельность начал в 1907 году в Т/Д Ханжонкова, сначала — актером, затем — режиссером и сценаристом. В период 1907—1917 годы поставил около ста картин различных жанров, в том числе и по собственным сценариям. В фильмах Чардынина снимались известные театральные актеры: Вера Юренева, Лидия Коренева, Наталия Лисенко, Николай Радин, Иван Мозжухин, а также — актеры Введенского народного дома. В ранних своих фильмах выступал как кинодекламатор («Хирургия», «Сумасшедший», «Любовь за гробом» и другие). С осени 1917 года ставил фильмы на частных студиях по заказу ВФКО («Рассказ о семи повешенных» и другие), затем — на студии ВУФКУ (Одесса). В 1923 вернулся из эмиграции и до последних дней работал в ВУФКУ, в Одессе и Киеве.

Не нашли, что искали? Воспользуйтесь поиском: