Социальные функции искусства. Элитарное и массовое в искусстве. Проблема кризиса в искусстве.

Искусство представляет собой высшую форму эстетической деятельности, оно выделяет прекрасное в специальный объект. Общение с произведениями искусства во многом формирует эстетический вкус, который тем тоньше, чем лучше человек освоил художественное наследие человечества. Искусство формирует эстетические потребности человека, стремление к красоте и к творчеству по законам красоты. Высокие художественные достижения пробуждают в каждом из нас художника, то есть развивают наше эстетическое отношение к действительности, дают ценностную ориентацию эстетическому сознанию. Таким образом, эстетическая функция является основополагающей для искусства.

Специфическим результатом деятельности в сфере искусства является художественный образ. Поэтому искусство часто определяется как отображение действительности в форме художественных образов. Их специфический язык позволяет различать такие виды искусства, как музыка, хореография, архитектура, литература, изобразительное искусство, цирк, кино, телевидение и др. Каждый из видов искусства, в свою очередь, подразделяется на жанры. Так, в живописи различают пейзаж, натюрморт, портрет и т. д.

Когда мы общаемся с произведением искусства, его формы, краски и звуки воздействуют на наши органы чувств, т. е. на тело, а на нашу душу оказывает влияние художественный образ. Образ — форма мышления в искусстве, он представляет собой единство чувства и мысли, это впечатление, оказываемое произведением искусства, его смысл. Люди ценят образы искусства за то, что они доставляют нам наслаждение: радуют глаз, ласкают ухо, но самое главное — радуют душу своей гармонией, возвышают ее, когда мы приобщаемся к творческому полету мастера. В этом состоит самая приятная, гедонистическая функция искусства.

Образ, с одной стороны, возникает как особое, во многом вымышленное, отражение действительности, когда сквозь единичный объект проступают типичные черты явления. Такой плод вымысла получает самостоятельное существование, кажется живым и подлинным. Так, литературные персонажи подчас воспринимаются как реальные люди, и даже автор романа с изумлением наблюдает, что «вытворяют» слишком ярко созданные им герои.

С другой стороны, создаваемые художественные образы несут на себе печать неповторимой индивидуальности их создателя: «я так вижу, слышу, чувствую»,— говорит автор. Конечно, создателю хочется донести до людей именно свои переживания, однако эстетический объект способен порождать множество «прочтений» своего смысла. Более того, многообразие возможных трактовок свидетельствует о глубине созданного образа. В этом «секрет» произведений, ставших классическими. В их число попадают те, которые способны вновь и вновь пробуждать в людях эстетическое чувство; те, в которых любое поколение может открыть соответствующие своим запросам смыслы, порой даже те, о которых не подозревал создатель. Вспомните, с каким неподдельным интересом мы поддерживаем между собой разговор о многих книгах, фильмах, близкой нам музыке. В этом смысле нет короче способа, чтобы узнать о внутреннем мире человека. Искусство всегда было прекрасным общественным посредником, выполняло функцию духовного общения людей.

Как было сказано выше, художественный образ отражает, с одной стороны, действительность, а с другой — духовный мир создателя. В зависимости от преобладания той или иной составляющей виды искусства условно делятся на изобразительные (живопись, скульптура) и выразительные (музыка, архитектура). Но и те, и другие выступают специфической формой познания мира в образной форме. Искусство несет нам особое знание о мире, выполняет познавательную функцию. Это знание о социальном и о духовном мире подчас глубже научного. По крайней мере, литература знает о душе человека не меньше, а то и больше, чем специальная наука психология. Но дело не только в том, что искусство дает то же знание, что и наука, оно дает ценностно окрашенное знание, сразу выделяет в нем важное и значимое для людей. Так, искусство не раз выполняло функцию предвосхищения, предупреждая об общественном неблагополучии, прогнозируя последствия научных открытий или социальных преобразований.

Поскольку художественный процесс развертывается не в чисто эстетической сфере, а в социальной среде, то исторические события вторгаются в судьбу воспринимающих искусство людей. Поэтому необходимо рассмотреть социальную роль искусства, определить, для чего оно нужно и чему служит.

Понятие «элитарного» в противовес «массовому» вводится в обо­рот в конце XVIII в., хотя само по себе разделение искусства на массовое и элитарное и соответствующая дифференциация публики произошли значительно раньше. Особенно наглядно разделение ху­дожественного творчества на массовое и элитарное проявилось в концепциях романтиков. Первоначально у романтиков элитарное несет семантику избранности, образцовости. Понятие образцового, в свою очередь, понималось как тождественное классическому. Особенно активно понятие классического разрабатывалось в эпоху Возрожде­ния, когда античная художественная традиция расценивалась как нормативное ядро, как некий вневременной образец художествен­ного творчества. В таком понимании классическое отождествлялось с элитарным и образцовым. Элитарное искусство
Элитарные тенденции распространились в двадцатом веке через авангардистко-модернистское искусство. Однако предпосылки элитарного искусства, в особенности философско-эстетические, а также отдельные егохудожественного предвосхищения прослеживаются уже в XIX веке.
Теория элитарного искусства сложилась раньше, чем утвердилась соответствующая практика. Основные элементы эстетической теории элитарного искусства содержатся в философии Шопенгауэра и Ницше. Антропологическое разделение людей на два типа: «люди пользы» и «люди гении», первые не обладают, а вторые обладают особой художественной одаренностью, предопределяющей их к философски-художественному творчеству (А. Шопенгауэр);идея «сверхчеловека», наделенного помимо «воли к власти» уникальной эстетической восприимчивостью (Ф. Ницше).
В XX веке эти идеи, определенным образом модифицированные с помощью заимствований, как у неокантианцев, так и Э. Гуссерля, были резюмированы в концепции Ортеги-и-Гасета, имеющей эстетико-социологический характер. Авангардистки-модернистские тенденции, пробивавшие себе дорогу в западном искусстве начала XX века, характеризовались им как элитарные, дающие возможность избранным художникам противостоять аморфной толпе, «массе».
В дальнейшем теоретики искусства стали относить к элитарному искусству труднодоступные для понимания произведения, отмеченные печатью эстетизма и ориентированные на «чистую игру» со способностью художественного восприятия. Однако из-за отсутствия четких критериев, позволяющих судить об адекватности их понимания, оказалось невозможным провести водораздел между «элитой» и «массой». Тем более что широкая публика, привыкшая с годами к авангардистским экстравагантностям, обнаружила склонность воспринимать их как элемент повседневного быта и перестала демонстрировать свою «невосприимчивость» к «новому искусству».
Все эти обстоятельства обусловили пересмотр первоначальной идеи элитарного искусства. После безуспешных попыток придать этой идее «лево-радикалистский» поворот (художник-авангардист как изгой «позднебуржуазного» общества — вариант Адорно; авангардистки-модернистское искусство как провозвестник «новой чувственности», взрывающей это общество — вариант Г. Маркузе) утвердилась размытая ее версия. Согласно ей в каждый данный период в обществе существуют несколько форм искусства, хотя и неравноценных эстетически, но одинаково необходимых функционально. Ибо наряду с эстетически развитой публикой существует публика эстетически неразвитая, которая, тем не менее, хочет иметь «свое» искусство и непременно найдет его, например, среди произведений, ставших результатом неспособности тех, или иных художников создать образцы высокого искусства, или просто их творческой неудачей. При этом снимается проблема принципиальной недоступности искусства для той или иной категории публики.Теория образования, попытки создания элитарного искусства в точном смысле этого слова, имевшие место в XX веке, обнаружили глубокую противоречивость и утопичность самой его идеи. Как правило, то, что получало название элитарное искусство, оказывалось лишь временной и преходящей формой эстетического самоутверждения тех или иных общественных групп, выделяющихся по социальному или возрастному признаку. Эта форма довольно быстро превращалась в объект эстетического освоения далекими от элиты широкими слоями населения, становилась модной. Массовое искусство

Определение, подразумевающее индивидуальные проявления масскультуры, противоположные элитарному искусству, к которому относят произведения высокой культуры прошлого и современности. Имеет различные смысловые оттенки. В положительном смысле слова массовым является народное творчество, искусство примитивов, наивноеискусство, в котором простота формы искупается искренностью, непосредственностью художественного чувства и следованием исторической традиции.
В негативном смысле массовым презрительно именуют суррогат, подделку, невзыскательное отношение к искусству. Этим понятием с середины XX в. обозначают произведения, порожденные массовой культурой, ориентированные на невзыскательного, "среднего" человека со слаборазвитым художественным вкусом и тиражирующиеся через СМИ (телевидение, кино, популярная музыка, печатная графика, многотиражные произведения литературы в жанрах любовного романа, детектива, триллера, боевика и т.п.). Опирается на стереотип сознания, жанровую схему, которая не должна нарушаться. Массовое искусство рассчитано на самый широкий круг зрителей, общедоступное, простое по форме, не требующее специальной подготовки для понимания.
Одним из ведущих направлений массового искусства является поп-арт (от английского popular art - общедоступное искусство).
Представители поп-арта провозгласили своей целью «возвращение к реальности», но реальности, уже опосредованной масс-медиа: источником их вдохновения стали глянцевые журналы, реклама, упаковка, телевидение, фотография. Поп-арт вернул предмет в искусство, но это был предмет, не опоэтизированный художественным видением, а предмет нарочито бытовой, связанный с современной индустриальной культурой и, в особенности, с современными формами информации (печать, телевидение, кинематограф). Новые технические приемы, позаимствованные из промышленного дизайна и рекламы: фотопечать, использование диапроектора, включение реальных предметов, способствовали как «обезличиванию» индивидуальной творческой манеры художника, так и «раскрытию эстетической ценности» образцов массовой продукции.
Поп-арт зародился в Англии; наибольшей известности достигли американские и французские художники. Сходные направления появились в Италии, Германии, и даже в СССР. В качестве обозначения советского аналога поп-арта иногда используют термин «соц-арт».
С точки зрения художников этого направления все в мире может стать предметом искусства, нужно только обнажить изнанку, показать давно привычное в необычном ракурсе. Классический поп-арт - американский, но в настоящее время это явление типично для массового искусства многих стран. Специальных изобразительных средств художники не используют. «Пара мужских носок не менее пригодна для работы, чем масло и холст», - считает Р. Раушенберг, один из основоположников поп-арта. Это может быть коллаж или фотовоспроизведение, увеличенные до огромных размеров картинки комиксов или муляжи пищевых продуктов (гигантский бутерброд), памятник в виде тюбика губной помады и прочее. Другими формами массового искусства являются хэппенинги и энвайромент.Хэппенинг (от английского happening - случающееся, происходящее) - художники этого направления рассматривают окружающую среду вместе с людьми, находящимися в ней как движущуюся, произвольно изменяющуюся форму, которую можно организовывать. Хэппенинг - это определенным образом организованное (спровоцированное устроителями-художниками) действие людей в определенной среде, воспринимаемое как художественное явление. Корни этого направления лежат очень глубоко в истории массовых зрелищ (например, карнавальных шествий по празднично украшенным улицам, переполненным толпами веселящихся людей в карнавальных костюмах). Здесь искусство авангарда вплотную подошло к грани, отделяющей его от течения самой жизни.
Энвайронмент (от английского environment - окружение, окружающая среда): художниками создается своеобразное игровое поле, пространство для предполагаемыхдействий людей. При этом действия могут быть самыми различными: игры, осознанные в рамках заданной программы, или же спонтанные, обусловленные только особенностями окружающей среды. Выделяются два типа энвайронмента: имитационный или иллюзорный, когда создается имитация интерьера часто с фигурами людей (иногда движущихся) и натуралистический энвайронмент, когда для создания интерьера используются простые бытовые предметы.

Не нашли, что искали? Воспользуйтесь поиском: