Искусство Западной Европы XVII века

Не случайно XVII век называют иногда веком живописи. Именно в этот период были созданы непревзойденные шедевры европейской живописи — достаточно вспомнить полотна Рембрандта и Веласкеса, и Рубенса, Пуссена и Караваджо. Главное в этом небывалом расцвете искусства — немыслимое ранее расширение возможностей живописи, активное отношение к действительности, глубина психологического проникновения во внутренний мир человека.

Одна из основных тем искусства XVII века — человек, становление его характера в борьбе, и поражения. В ней человек познавал свои силы и выявлял свои лучшие качества. Эта центральная проблема решалась в разных видах искусства, но, прежде всего — в литературе и живописи.

В ХVII веке огромное значение приобретает проблема художественного стиля. Если на предшествующих этапах развития искусства стиль мог существовать благодаря своей стабильности, то теперь, в пределах одного столетия, рождаются и сосуществуют несколько стилей. Так, в Х VII веке одновременно возникли и параллельно развивались два ведущих стиля эпохи — барокко и классицизм. Тот факт, что в ряде стран барокко получило большее распространение, чем классицизм, господствовавший главным образом во Франции, объясняется особенностями исторического развития этих стран. Впервые в истории возникают художественные явления, которые не могут быть отнесены ни к одному из двух главных стилистических направлений и которые образуют, внестилевую линию.

Стиль барокко, возникший в начале Х VII века, в отличие от классицизма не имел своей развернутой эстетической теории. Своего наивысшего расцвета стиль барокко достиг в начале XVII века в Риме, откуда он затем распространился по всей Европе и просуществовал вплоть до XVIII столетия. Название стиля происходит от итальянского слова barocco – причудливый, «странный» или «склонный к излишествам». Искусство барокко легко отличить по его избыточному драматизму и открытому эмоциональному обращению к зрителю. От маньеризма барокко искусство унаследовало динамичность и глубокую эмоциональность, а от Ренессанса основательность и пышность, черты обоих стилей слились в одно гармоничное целое.

Для искусства барокко, было характерно представление о мире как о неком единстве, о могучей стихии, объединяющей небо и землю, богов и людей и находящейся в непрестанном движении и изменении. Композиции барочных полотен пронизаны повышенной динамикой. Все формы находятся в бурном движении, человеческие эмоции всегда приподняты, а страсти подчас граничит с аффектом. Живописи барокко присуща известная театральность. Преобладали монументальные декоративные композиции на религиозные или мифологические темы, парадные портреты, предназначенные для украшения интерьеров. Барокко способствовало созданию театральных эффектов. Барокко в живописи

Человек остался главным героем эпохи 17 века, в его изображении появилось больше конкретности, бытовых реалий, возросла эмоциональная и психологическая сложность изображаемого мира. Увеличилось жанровое богатство, появились элементы гротеска – сатирических ситуаций. Появились бытовой жанр, пейзаж, портрет, и натюрморт.

Классицизм - стиль искусства, главным своим смыслом считающий следование образцовой классике, зародился в Риме в начале XVII века, существовал параллельно с барокко как его художественная оппозиция, в общем завершился с началом в Европе романтизма. Если стиль барокко нашел свое наиболее полное выражение в архитектуре, скульптуре и потом уже в живописи, то классицизм XVII века проявился в живописи в не меньшей степени, чем в других видах искусства. Как и в литературе, в живописи идет деление жанров на низкие и высокие. Классицизм, как наследник античности, естественно, относил к высокому жанру полотна, написанные на мифологические и исторические сюжеты. В них четко виден драматизм, жертва личных интересов ради общего блага. К низкому жанру причислялись более прозаичные картины – натюрморты и пейзажи.

Но, разумеется, в основном классицизм отличается от барокко отношением к миру и человеку, пониманием того места, которое человек занимает в окружающей действительности. Классицизм в живописи – это прежде всего сочетание античного наследия с современным художнику миром. Здесь постоянно противопоставлялся разум человека силе природы, личное – общественному, нравственный долг, благородство и героизм человека неизменно выступали на первый план. Этому полностью соответствовали и средства художественного выражения классицистической живописи, которая отдавала предпочтение пластике и линейно-графическому началу.

Каждый из них отразил разные, но очень существенные стороны действительности и внес свой вклад в историю искусства. И все же возникновение внестилевой линии явилось чем-то принципиально новым. Оно свидетельствовало о необычайном расширении возможностей искусства, о включении в его сферу таких жизненных явлений, которые уже не могли быть отражены в рамках канонизированных форм художественного обобщения, каким по существу является всякая стилистическая система. К этой внестилевой линии могут быть отнесены самые разные художники — от Рембрандта и Веласкеса до малых или французских мастеров крестьянского жанра. И есть еще одна особенность искусства XVII века, которую не знали предшествующие эпохи — одновременное развитие искусства сразу в нескольких странах, отсутствие национальной замкнутости (общение между художниками разных стран, обучение и поездки в другие страны и т. д.), по сравнению с прошлым.

Хотя культуру и искусство XVII века можно назвать общеевропейскими, особенно значительный вклад принадлежит пяти странам— Италии, Испании, Фландрии, Голландии и Франции.

Среди многих талантливых художников Фландрии, таких, как Ван Дейк, Броувер, Снайдерс, главой национальной школы и одним из крупнейших европейских мастеров XVII века по праву считается Рубенс. Питер Пауль Рубенс (1577 1640) родился в немецком городе Зигене, куда эмигрировала семья Рубенсов во время ОСТРЫХ ПОЛИТИЧССКИХ событий во Фландрии. Молодой Рубенс получил блестящее по своему времени гуманитарное образование. Но он сознательно отказался от карьеры придворного и выбрал для себя путь живописца.

С четырнадцати лет он начинает брать уроки живописи. Интерес к Италии и ее искусству приводит молодого Рубенса в Мантую, где он работает в качестве придворного художника герцога Гонзага. Восемь лет работы в Италии, изучение художественной культуры эпохи Возрождения оказали огромное влияние на развитие его живописного мастерства. Рубенс восхищается Леонардо, Микеланджело и Тицианом и в то же время сразу оценивает демократизм и гуманистическую сущность искусства Караваджо и копирует его картины.

На всю средневековую Европу гремела слава о его масштабных работах на мифологические и религиозные темы. Рубенс – плодовитый фламандский живописец, как никто другой смог воплотить подвижность, безудержную жизненность и чувственность в европейской живописи. Рубенс был также виртуозным мастером пейзажа и портрета 1625 – «Портрет камеристки», До Рубенса в мировом искусстве никто не писал так много автопортретов, как он.

Рубенс создает ряд алтарных композиций. 1609 – 1611 – «Воздвиженье креста».

Фигура Христа освещена узким снопом света, крест господствует над группой отчаявшихся, скорбящих близких, палачей, стражников. Кульминация – прекрасная голова Христа – вдохновенного и страдающего, мужественного и полного спокойствия. Полотно отличают мощная пластика и светотень. Фигуры охвачены напряженным движением, исполнены патетики, резкие ракурсы сплетающихся тел, атлетическое сложение, блики света и тени – все создает могучую и величественную симфонию. Все охвачено общим движением, человек сроднен с природой. Пространство картины – часть окружающего мира, нет замкнутости. Крест идет по диагонали.

1611 – 1614 написано «Снятие с креста», обе в соборе Богоматери в Антверпене.

Античные мотивы ярко представлены в творчестве художника. 1620 – 1621 – «Персей и Андромеда», «Союз Земли и Воды». Обе – в Эрмитаже.

1621 – 1627 – художник получает заказ от Марии Медичи на цикл картин для Люксембургского дворца.

Техника Рубенса отличаются исключительным разнообразием, богатство его красок и жестов никогда не перестаёт удивлять. Вполне соответствуют этой жизненности и грузные женские формы, так называемые «рубенсовские».

В основе всего творчества Рубенса, а также и его портретного искусства, лежал рисунок. Рубенс создал большое количество рисунков, в том числе и рисованных портретов, которые вполне можно рассматривать не только как вспомогательную часть его искусства, необходимую для подготовки крупных живописных композиций, но и как вполне самостоятельную область его творчества.

Проявился и неудержимый фламандский темперамент художника, склонного к драматизации, ярко выраженной во внешнем действии, в позах и жестах, в подчеркнутой динамике композиций, в резких светотеневых контрастах и звучных цветовых аккордах.

Творчество Рубенса оказало решающее влияние на сложение всей фламандской школы живописи. Его школа дала немало первоклассных художников, среди которых первое место, бесспорно, принадлежит Ван Дейку.

Высшие достижения классицизма в живописи связаны с творчеством крупнейшего художника Франции. Никола Пуссен (1594— 1665) родился в маленькой деревушке в Нормандии, провинции на северо-западе Франции. Попав в Париж в возрасте восемнадцати лет, он брал уроки живописи у разных учителей, но ни у одного не задерживался надолго. В результате подлинными его наставниками стали картины великих мастеров прошлого, которые он изучал и копировал в Лувре. В его работах воплотились все проблемы классицизма, его основные темы — человек и его общественная жизнь, человек и природа. Для классицизма характерно обращение к античности и мастерам Высокого Возрождения. В 1624 г. Пуссен впервые поехал в Италию. Там он сложился как художник и прожил большую часть жизни.

Пуссен писал станковые картины главным образом среднего размера. В 1627–1629 он выполнил ряд картин: "Парнас" (Мадрид, Прадо), "Вдохновение поэта" (Париж, Лувр), "Спасение Моисея", "Моисей, очищающий воды Мерры", "Мадонна, являющаяся св. Иакову Старшему" ("Мадонна на столбе") (1629, Париж, Лувр). В 1629–1630 Пуссен создает замечательное по силе экспрессии и наиболее жизненно правдивое "Снятие с креста" (С.-Петербург, Эрмитаж).

Не удивительно, что в живописи Пуссена преобладала античная тематика. Он представлял Древнюю Грецию как идеально-прекрасный мир, населённый мудрыми и совершенными людьми. Даже в драматических эпизодах древней истории он старался увидеть торжество любви и высшей справедливости.

В одном из лучших произведений на античную тему «Царство Флоры» (1631 г.) художник собрал персонажей эпоса Овидия «Метаморфозы», которые после смерти превратились в цветы (Нарцисс, Гиацинт и др.). Танцующая Флора находится в центре, а остальные фигуры расположены по кругу, их позы и жесты подчинены единому ритму — благодаря этому вся композиция пронизана круговым движением. Мягкий по колориту и нежный по настроению пейзаж написан довольно условно и больше похож на театральную декорацию. Связь живописи с театральным искусством была закономерной для художника XVII в. — столетия расцвета театра. Картина раскрывает важную для мастера мысль: герои, страдавшие и безвременно погибшие на земле, старели покои и радость в волшебном саду Флоры.

Важное место в творчестве Пуссена занимал пейзаж. Он всегда населён мифологическими героями. Это отражено даже в названиях произведений: «Пейзаж с Полифемом» (1649 г.), «Пейзаж с Геркулесом» (1649 г.). Но их фигуры малы и почти незаметны среди огромных гор, облаков и деревьев. Персонажи античной мифологии выступают здесь как символ одухотворённости мира. Туже идею выражает и композиция пейзажа — простая, логичная, упорядоченная. В картинах чётко отделены пространственные планы: первый план — равнина, второй — гигантские деревья, третий — горы, небо или морская гладь. Разделение на планы подчёркивалось и цветом. Так появилась система, названная позднее «пейзажной трёхцветкой»: в живописи первого плана преобладают жёлтый и коричневый цвета, на втором — тёплые и зелёный, на третьем — холодные, и прежде всего голубой.

Значение творчества Пуссена для истории живописи огромно. Французские художники и до него были традиционно знакомы с искусством Италии эпохи Возрождения. Но они вдохновлялись произведениями мастеров итальянского маньеризма, барокко, караваджизма. Пуссен был первым французским живописцем, который воспринял традицию классического стиля Леонардо да Винчи и Рафаэля. Ясность, постоянство и упорядоченность изобразительных приемов Пуссена, идейная и моральная направленность его искусства позже сделало его творчество эталоном для Академии живописи и скульптуры Франции, которая занялась выработкой эстетических норм, формальных канонов и общеобязательных правил художественного творчества.

Не нашли, что искали? Воспользуйтесь поиском: