ИСКУССТВО ВЕНЕЦИИ 16в.

Особняком в итальянском искусстве 16в. стоит венецианская школа, которая, в отличие от всех других местных школ, не попала под нивелирующее влияние Рима и сохранила своеобразие на протяжении почти всего 16в. Источником этой жизнеспособности ренессансного искусства Венеции были богатство и могущество города, менее задетого экономическим и политическим кризисом, чем прочие области Италии.

В то время, когда в Италии повсеместно распространилась феодально-католическая реакция, Венеция сохранила республиканский строй и осталась единственным очагом ренессансной культуры и гуманизма.

Венеция мало интересовалась учеными изысканиями и раскопками античных древностей. Роль античных традиций в Венеции была наименьшей.

Великих реформаторов Флоренции более увлекал рисунок, чем цвет. Разумеется, это не значит, что в их картинах нет цветовой тонкости - справедливо как раз обратное, - но мало кто из них догадывался, что цвет может стать объединяющим началом в картине, смыкающим все ее элементы в живописную целостность.

В Венеции господствовала живопись как таковая, радостная стихия цвета. Дух Венеции - ее озаренность ликующим светом, усиленным блеском лагун. Для венецианской школы характерно преобладание живописного начала, совершенное владение выразительными возможностями масляной живописи, особое внимание к проблемам колорита.

Любовь венецианцев к чувственной красоте цвета привела, шаг за шагом, к новому живописному принципу, когда материальность изображения достигается не столько светотенью, сколько градациями цвета.

Художники Венеции подняли искусство цветовой "лепки" до высшей стадии мастерства, которой потом не переставали учиться все живописцы Европы.

Родоначальником искусства Высокого Возрождения в Венеции считается Джорджоне (1476 - 1510, Джорджо да Кастельфранко), ученик Джованни Беллини.

Об этом художнике известно очень мало. Несмотря на широкую известность при жизни, он был забыт уже в конце 16в. Его имя вновь стало широко известно лишь во 2-ой половине 19в., поэтому лишь несколько картин можно с абсолютной уверенностью приписать его кисти.

Джорджоне реформировал венецианскую школу. Он первым из художников пишет картины на мифологические и литературные темы, (другие художники работали в основном по заказам церкви), а также портреты, вводит в живопись изображение нагого тела, передает в пейзаже состояние природы.

В стиле Джорджоне есть общее и с Рафаэлем и с Леонардо да Винчи: он "классичен", ясен, уравновешен в своих композициях, его рисунку свойственна редкая плавность линий. Он стремился к гармоническому единству, к одухотворенности и психологической выразительности образов, интересовался пропорциями человеческого тела, законами светотени.

Но Джорджоне лиричнее, интимнее, он более эмоционален. Из всех средств выражения, имеющихся в распоряжении живописи, он, как истинный венецианец, отдавал предпочтение цвету.

В передаче пространства он опирался не столько на линейную, сколько на воздушную перспективу, фиксируя тонкие переходы цвета по мере удаления от глаз зрителя, а в изображении объемных форм искал цветовые отношения между освещенными и затемненными частями. Благодаря этому его картины создают ощущение воздушной среды, обволакивающей и объединяющей все предметы.

В изображении нагого тела он умел уловить его трепетность и теплоту.

Единство человека и природы составляет как бы лейтмотив произведений Джорджоне. Он охватывал единым взором непрерывную целостность земли и ее растительного покрова, световоздушной среды, облаков, людей, мостов и городских построек. Такое восприятие было не менее важным завоеванием нового искусства, чем открытие перспективы. Отныне живопись перестала быть простой суммой рисунка и цвета.

К числу ранних картин художника относится "Юдифь" (около 1500 – 1502 гг.) (Рис. 780). Джорджоне решает эту тему не в героическом, а в лирическом плане. В своей Юдифи он воплотил идеал чистой и прекрасной юной женщины. Для создания настроения он тонко использует эмоциональную выразительность цвета. Теплые тона одежды Юдифи выделяются на фоне синего неба и холодных зеленых оттенков травы.

Около 1508г. Джорджоне написал картину, известную под названием "Гроза" (Рис. 781). Сюжет ее до сих пор не установлен. Хотя рисунку не хватает тщательности, а композиции - крепкой выстроенности, эти недостатки компенсируются всепроникающей световоздушной средой, сплавляющей воедино все элементы картины. Одним из первых в европейской живописи художник стремится передать состояние природы.

В 1507-1508гг. Джорджоне написал свою знаменитую картину "Спящая Венера" (Рис. 782). Он создал целомудренный и прекрасный образ античной богини. Нежность овала лица, поразительная чистота и плавность линий, тонкость цветовых отношений, строящихся на сопоставлении теплых тонов тела, синевато-серых оттенков простыни, густого винно-красного цвета ткани у изголовья, контрастирующего с зеленью травы и деревьев, - все было новым в этой картине, - первой в большом ряду подобных изображений в европейском искусстве.

Джорджоне оставил ряд превосходных портретов. В них он сумел преодолеть психологическую статичность старого венецианского портрета и достиг большой выразительности взгляда и жеста.

Рис. 783 - Портрет Антонио Броккардо. Около 1508-1510гг.

Если Джорджоне положил начало искусству Высокого Возрождения в Венеции, то расцвета оно достигает в творчестве Тициана (конец 1480-х гг. - 1576г.) (Тициано Вечеллио).

Ранние произведения Тициана близки искусству Джорджоне. Как и Джорджоне, он использует в своих картинах мифологические и литературные сюжеты, много пишет нагое тело, стремясь передать его трепетность и теплоту, придает большое значение пейзажу, разрабатывает новый тип ренессансного портрета.

И все же характер искусства Тициана иной. Свойственный произведениям Джорджоне налет романтики и меланхолической мечтательности сменяется у него более земным, полнокровным, жизнерадостным восприятием мира. Композиции его богаче и разнообразнее, тематика их более широка. В его зрелых произведениях звучит величавый пафос искусства Высокого Возрождения.

В еще большей степени, чем Джорджоне, он делает цвет главным организующим началом в картине. Причем в зрелых работах он приходит к новому пониманию формы, строящейся не столько на светотеневых, сколько на цветовых отношениях. Тициан достиг в колорите тех же высот, что Микеланджело в рисунке. Благодаря этому высшему дару он смог отбросить общепринятые правила композиционных построений, препоручив организующую роль цвету.

Манера письма позднего Тициана становится исключительно свободной; композиция, форма и цвет строятся с помощью смелой пластической лепки, краски накладываются на холст не только кистью, но и шпателем, и пальцами.

Живописные методы позднего Тициана выводят ренессансную живопись за ее прежние границы. Он уже говорит на языке, близком языку Веласкеса и Рембрандта. Венецианцы, и более всех Тициан, сделали новый огромный шаг, создав динамическую живописность, заменив господство линии господством цветового массива, пятна.

Однако у Тициана живописность нигде не расстается с осязательным чувством пластической, объемной формы: у него эти элементы находятся в равновесии. Оттого такая безусловная жизненность его фигур, которым в самом деле "недостает только дыхания".

Последние десятилетия творчества художника принадлежат уже Позднему Возрождению. Долгая эволюция творчества Тициана привела его от полных радости жизни ранних картин к картинам, полным мрачной тревоги и отчаяния, которые отражали перемены, происходящие в жизни Италии.

К произведениям раннего творческого периода Тициана относится картина под условным названием "Любовь небесная и земная" (Рис. 784) (1514г.). В картине действие развито мало, и сюжет трудно поддается расшифровке, но уже в полном блеске проявилось живописное дарование Тициана, в особенности в изображении нагого тела на фоне листвы и холодного мрамора бассейна, в тонкой нюансировке цвета в изображении залитого солнечным светом пейзажа.

1508 - 1520гг. были тревожными для Венеции, когда она чуть было не потеряла независимость. В этот героический период культура Венеции шире приобщается к прогрессивным идеям Ренессанса. С этим периодом совпадает первый расцвет творчества Тициана, для которого характерны черты торжественного величия, композиции становятся динамичнее и богаче, в них нередко звучит патетика.

Чертами патетики и величия отмечена его картина "Мадонна со святыми и семейством Пезаро" (Рис. 785). Это алтарный образ церкви Санта Мария деи Фрари (1519-1526гг.), прославляющий одну из побед над турками. Тициан отказывается от фронтальности и симметрии. Перемещение фигуры Девы из центра вправо и несимметричное расположение святых было неслыханной дерзостью. Он вводит в композицию выходящие за рамки картины архитектурные элементы, создавая впечатление безграничного пространства.

Неожиданные построения вносят в сцену радостную воодушевленность, но гармония целого сохранена. Объединяющая сила цвета и световоздушной среды возместила ослабление структурных связей.

Эта смелая композиция предваряет барочные алтари.

В эти годы Тициан много работает как портретист.

Его ранние портреты отличаются сдержанностью и простотой, обладая вместе с тем чертами достоинства и величия.

В 1520-1530гг. характер тициановских портретов изменяется. Черты идеальности сменяются глубоким проникновением в характер и внутренний мир изображенного человека.

В 1546г. Тициан пишет групповой портрет папы ПавлаIII с Алессандро и Оттавио Фарнезе (Рис. 786). Портрет поражает анализом индивидуальных характеров. Тициан вскрывает скрытую сущность взаимоотношений. Хищный и хилый старец в папской мантии, главный покровитель инквизиции, перед которым подобострастно склонился Оттавио. Надменный и невозмутимый кардинал Алессандро отстраненно смотрит на зрителя. Чувствуется атмосфера назревающего предательства, интриг, коварства.

Картина оставалась незаконченной, так как Тициан был вызван в Германию для портретирования Карла U.

1540-е годы - время блестящего расцвета портретного искусства Тициана. В это время был создан один из шедевров художника - портрет феррарского юриста Ипполито Риминальди ("Мужской портрет ", "Молодой англичанин"). (Около 1540-1545гг.) (Рис 787, 788).

Портрет поражает какой-то особенной одухотворенностью, простотой и необыкновенной легкостью исполнения. В лице нет тщательной моделировки Моны Лизы, но от него исходит такая же магия жизни. Встречаясь с взглядом его мечтательных глаз, с трудом верится, что это волшебство сотворено умелым распределением красочных пигментов по грубой поверхности холста.

Одной из самых прославленных картин Тициана является написанная в 1538г. для урбинского герцога "Лежащая Венера" ("Венера Урбинская", 1538г.) (Рис. 789). Венера Тициана - прекрасная земная женщина. С помощью тончайшей красочной лепки передает художник теплоту и бархатистость кожи, нежнейшие переходы ее оттенков.

Эта картина открывает длинный ряд созданных Тицианом изображений нагих красавиц. К их числу принадлежат четыре варианта "Данаи" (Рис. 790) (1554г).

Последние годы жизни Тициан безвыездно живет в Венеции. В это время в Венеции существенно меняется обстановка. Нарастает феодально-католическая реакция, в Венецию проникает иезуитский орден, появляется инквизиция. В искусстве наблюдается увлечение декоративными формами, проникает влияние маньеризма.

Тициан остается чуждым этим тенденциям. И все же его искусство становится иным. В нем начинают сказываться тревога и разочарование. Он все чаще обращается к драматическим сюжетам - сценам мученичества и страданий, в которых начинают звучать трагические ноты.

Характер живописи его изменяется - композиции становятся более динамичными, формы утрачивают четкость очертаний. Но особенно изменяется живописная манера, которая становится более свободной (о чем говорилось выше).

В цветовой структуре картин совершенно обесценивается значение локальных пятен, цвета насыщаются огромным богатством оттенков, краски то вспыхивают, то гаснут, сливаясь и смешиваясь друг с другом, создавая вибрацию живописной поверхности, словно обретающей живое дыхание.

По своей поразительной одухотворенности эти картины превосходят все, ранее созданное художником. Такова его "Кающаяся Магдалина" (1565г.) (Рис. 791). Следы слез на цветущем лице, припухшая верхняя губа и покрасневшая кожа над ней - все это дает зрителю такую полноту чувственного погружения в предмет, на какую только способна живопись.

А стеклянный сосуд в нижнем левом углу картины мог бы так написать импрессионист: несколько отрывистых энергичных ударов кистью по темному лессированному фону передают форму и прозрачность сосуда.

В поздних картинах Тициана гаснет богатая палитра. Фигуры тонут в готовом поглотить их сумраке, освещаемые лишь колеблющимся светом факелов или отблесками угасающего вечернего неба.

Рис. 792 - Святой Себастьян. Около 1570г.

Темный фон не глухой, а живой, он весь пронизан какими-то токами, кажется, что в нем все время происходит какое-то движение.

В искусстве Высокого Возрождения так или иначе были предвосхищены и предугаданы едва ли не все те тенденции, которым жило европейское искусство в последующие века.

Не нашли, что искали? Воспользуйтесь поиском: