У століття, коли комедія хилилася до занепаду, а трагедія не вийшла на велику дорогу мистецтва, переможницею на драматургічній арені виявилася пастораль.

Спочатку пасторальний напрямок, одержав найбільш яскраве вираження в поезії - у творах Боккаччо і в ліриці петраркістів. Але незабаром народився і новий драматургічний жанр.

Якщо в трагедії панувала фатальна пристрасть, а в комедії переважав чуттєвий потяг, то в пасторалі панувала «чисте кохання», що постало поза конкретних життєвих зв'язків як якийсь поетичний ідеал.

Поступово замість елегійно розслабленої, повільної - у зміні своїх картин - дії в пасторалі з'являється стрімко рухливий сюжет, повний драматичних поворотів і душевних хвилювань. Тепер пристрасть не тільки хвилює героїв, але і штовхає їх на рішучі, а то й сумазбродні вчинки. З усіх жанрів пастораль виявилася, мабуть, сценічно найбільш напруженою. Дається взнаки досвід, перейнятий у трагедії і комедії.

В атмосфері суспільного застою, який не сприяв розвитку трагедії і комедії, пастораль стала улюбленим жанром. Вона створювала видимість бажаної гармонії.

Зародження національної італійської драматургії породило нові п'єси - їх складають Л.Аріосто, Н.макіавеллі, Б.Бібієна, П.Аретино, але всі ці п'єси мало придатні для сцени, вони перенасичені персонажами і великою кількістю сюжетних ліній. Ця драматургія отримує назву "вченого комедії" (італ. Commedia erudita).

Анджело Беолько (Рудзанте) в першій половині XVI ст. пише п'єси, використовуючи техніку "вченої комедії", але грає свої вистави на венеціанських карнавалах. Плутані сюжети супроводжуються трюками і здоровим селянським гумором. Навколо нього збирається невелика трупа, де позначається принцип tipi fissi і затверджується використання на театральних підмостках народної діалектної мови. Нарешті, Беолько ввів в драматичну дію танець і музику. Це не було ще комедії дель арте, - Беолько і його трупа все ще грали в рамках заданого сюжету, у нього не було вільної гри та імпровізації, але саме він відкрив дорогу для виникнення комедії. Перша згадка про театр масок відноситься до 1555 р.

Таким чином, лише в середині XVI ст. в Італії виникає перший професіональний європейський театр епохи Відродження - комедія “дель арте”, комедія масок. Спектаклі цього театру представляли акторські імпровізації на основі дуже короткого, схематичного сценарію, з вставними музичними і танцювальними номерами. Із спектакля у спектакль переходили маски-типи: слуги - Брігелла, Арлекін, Коломбіна, безглуздий і жадібний купець Панталоне, фанфарон і боягуз Капітан, говорун і тупиця Лікар. Постановки нового театру, які розгорталися на дерев'яних сценах, на площах міст, остаточно витіснили релігійні містерії.

Однак глибоко зрозуміти свою епоху, виразити її ідеали комедії масок було не під силу. Сучасний по суті театр зміг з'явитися, коли, крім нових письменників, з'явилися і нові глядачі. Новий світогляд повинен був проникнути в широкі кола народу, бо за своєю природою театр - мистецтво масове і демократичне.

Це потребувало значного часу, і тільки в кінці XVI – на початку XVII ст. настає розквіт театрального мистецтва, але вже не в Італії, а в Іспанії і Англії. Так, в Англії Відродження практично не торкнулося архітектури, образотворчого мистецтва, а проявилося в літературі і театрі. Вистави користувалися бурхливим масовим успіхом. З'являються постійні театри, типу “Глобуса” в Лондоні, приватні антрепризи. Провідними театральними жанрами були драма і трагедія, які відповідали масштабу епохи.

10. Італійська народна комедія. (комедія дель арте).

Італійський театр Епохи Відродження використовував традиції народного мистецтва і будувався на принципах імпровізації та лицедійства — комедія дель-арте (митці наслідували деякі прийоми давньогрецького театру, зокрема маски). Лише в середині XVI ст. в Італії виникає перший професіональний європейський театр епохи Відродження - комедія “дель арте”, комедія масок. Спектаклі цього театру представляли акторські імпровізації на основі дуже короткого, схематичного сценарію, з вставними музичними і танцювальними номерами. Із спектакля у спектакль переходили маски-типи: слуги - Брігелла, Арлекін, Коломбіна, безглуздий і жадібний купець Панталоне, фанфарон і боягуз Капітан, говорун і тупиця Лікар. Постановки нового театру, які розгорталися на дерев'яних сценах, на площах міст, остаточно витіснили релігійні містерії.

Комедія дель арте народилася з карнавальних свят. Театру ще не було, але були блазні, міми, маски. Іншим фактором стало зародження національної італійської драматургії. Нові п'єси складають Л.Аріосто, Н.Макіавеллі, Б.Бібієна, П.Аретино, але всі ці п'єси мало придатні для сцени, вони перенасичені персонажами і великою кількістю сюжетних ліній. Ця драматургія отримує назву "вченого комедії" (італ. Commedia erudita).

Анджело Беолько (Рудзанте) в першій половині XVI ст. пише п'єси, використовуючи техніку "вченого комедії", але грає свої вистави на венеціанських карнавалах. Плутані сюжети супроводжуються трюками і здоровим селянським гумором. Навколо нього збирається невелика трупа, де позначається принцип tipi fissi і затверджується використання на театральних підмостках народної діалектної мови. Нарешті, Беолько ввів в драматичне дію танець і музику. Це не було ще комедії дель арте, - Беолько і його трупа все ще грали в рамках заданого сюжету, у нього не було вільної гри та імпровізації, але саме він відкрив дорогу для виникнення комедії. Перша згадка про театрі масок відноситься до 1555 р.

Однак глибоко зрозуміти свою епоху, виразити її ідеали комедії масок було не під силу.

Основні персонажі комедії дель арте

Кількість масок в комедії дель арте дуже велика (всього їх налічується понад сто), але більшість з них є спорідненими персонажами, які розрізняються тільки іменами і незначними деталями. До основних персонажів комедії належать два квартету чоловічих масок, маска Капітана, а також персонажі, не надягають маски, це дівчата-дзанні і Закохані, а також всі шляхетні дами і кавалери.

Чоловічі персонажі:

Північний (венеціанський) квартет масок:

- Панталоне (Маньифико, Кассандро, Уберто), - венеціанський купець, скупий старий;

- Доктор (Доктор Баландзоне, Доктор Граціано), - псевдо-учений доктор права; старий;

- Брігелла (Скапино, Буффетто), - перший дзанні, розумний слуга;

- Арлекін (Меццетино, Труффальдіно, Табарино), - другий дзанні, дурний слуга;

- Південний (неаполітанський) квартет масок:

- Тарталья, суддя-заїка;

- Скарамучча, хвалькуватий вояка, боягуз;

- Ковьелло, перший дзанні, розумний слуга;

- Пульчинелла (Полішинель), другий дзанні, дурний слуга;

- Капітан - хвалькуватий вояка, боягуз, північний замінник маски Скарамуччи;

- Леліо (також, Орацио, Люцио, Флавіо і т. п.), юний закоханий;

Жіночі персонажі:

- Ізабелла (також, Лучинда, Вітторіа і т. п.), юна закохана; часто героїню називали ім'ям актриси, яка виконувала цю роль;

- Коломбіна, Фантеска, Фьяметта, Смеральдина і т. п., - служниці.

Складові елементи комедії дель арте

Маски

Шкіряна маска (італ. maschera) була обов'язковим атрибутом, що закриває обличчя комічного персонажа, і спочатку розумілася виключно в цьому сенсі. Однак, згодом маскою стали називати і всього персонажа. Актор як правило грав одну і ту ж маску. Акторові, який грав Бригеллу, рідко доводилося грати Панталоне, і навпаки. Часто змінювалися сценарії, але маска - значно рідше. Маска ставала образом актора, який він обирав на початку кар'єри, і граючи його все життя, доповнював своєю артистичною індивідуальністю. Йому не потрібно було знати роль, достатньо знати сценарій - сюжет і пропоновані обставини. Все інше створювалося в процесі вистави шляхом імпровізації.

Устрій трупи і канон спектаклю:

Система сценічного мистецтва комедії дель арте сформувалася до кінця XVI ст. і вдосконалювалася протягом наступного століття. У 1699 р. в Неаполі був виданий найбільш повний кодекс комедії, "Dell'arte representiva, premediata e італійський improviso", складений Андреа Перуччі.

Спектакль починається і закінчується парадом з участю всіх акторів, з музикою, з танцями, з лацці (буффонними трюками) і складається з трьох актів. У перервах між актами виконувалися короткі інтермедії. Дія повинна бути обмежена в часі (двадцятичотиригодинний канон). Схема сюжету також була канонична, - молоді закохані, щастю яких заважають батьки, завдяки допомозі спритних слуг долають всі перешкоди. У трупі повинен бути капокоміко, який розбирає з акторами сценарій, розшифровує лацці і піклується про необхідний реквізит. Сценарій підбирається строго у відповідності з тими масками, які є в трупі. Це мінімум один квартет масок і пара закоханих. Також гарна трупа повинна мати у своєму складі ще двох актрис, співачку і танцівницю. Кількість акторів у трупі рідко було від 9 до 12. Для декорацій потрібно позначити вулицю, площу, два будинки в глибині, праворуч і ліворуч, між якими натягувався задник.

Сценарій та імпровізація.

Основою спектаклю в комедії дель арте є сценарій (або канва), - це дуже короткий виклад за епізодами сюжету з докладним описом діючих осіб, порядку виходу на сцену, дій акторів, основних лацці і предметів реквізиту. Більшість сценаріїв представляють собою переробку існуючих комедій, оповідань і новел для потреб окремо взятої трупи (зі своїм набором масок), нашвидку накиданий текст, який вивушується за лаштунками на час вистави. Сценарій, як правило, комедійного характеру, але це може бути і трагедія, і трагікомедія, і пастораль (у збірнику сценаріїв Фламініо Скеля, які грала на сцені трупа "Джелозі" присутні трагедії; відомо також, що мандрівна трупа Мольєра-Дюфрена з французької провінції іноді грала трагедії, втім, без особливого успіху).

Тут вступало в силу мистецтво імпровізації італійських комедіантів. Імпровізація дозволяє адаптувати п'єсу до нової публіки, до новин міста, імпровізаційний спекталь важче піддати попередній цензурі. Мистецтво імпровізації полягало в спритній подачі реплік в поєднанні з доречною жестикуляцією і вміння звести всю імпровізацію до вихідного сценарію. Для успішної імпровізації були потрібні темперамент, чітка дикція, володіння декламацією, голосом, диханням, потрібна була хороша пам'ять, увага і винахідливість, що вимагають миттєвої реакції, і багата фантазія, потрібно чудове володіння тілом, акробатична спритність, вміння стрибати і перекидатися через голову, - пантоміма, як мова рухів тіла, що виступала нарівні зі словом. Крім того, актори, які грають одну і ту ж маску протягом усього життя, набирали солідний багаж сценічних прийомів, трюків, пісень, приказок та афоризмів, монологів і могли вільно користуватися цим в різних поєднаннях.

Лише у XVIII ст. драматург Карло Гольдоні відвів італійську драматургію від сценарію до фіксованого тексту; він поховав комедію дель арте, що знаходилася в занепаді, а на її могилі спорудив безсмертний пам'ятник у вигляді п'єси "Слуга двох панів".

11. Драматургія Сервантеса.

В кінці XVI – на початку XVII ст. настає розквіт театрального мистецтва, але вже не в Італії, а в Іспанії і Англії. Міґе́ль де Серва́нтес Сааве́дра 1547 —1616) — іспанський новеліст, драматург і поет, класик світової літератури («Галатея», «Дон Кіхот», «Мандри Персилеса і Сигизмунди»). Повсюдно відомий, передусім, написанням твору "Дон Кіхот", який багато критиків називають першим сучасним романом та одним із найкращих творів світу.

Іспанська сцена була багата п'єсами різних жанрів - тут показувалися історичні драми на мотиви народних героїчних легенд, криваві трагедії в дусі Сенеки, романтичні комедії з неймовірними путаницами, п'єси про святих з чудесами і молитвами, пасторалі зі зніженими перонажами і надуманими сюжетами.

Але при всьому багатстві дії і яскравості фарб п'єси ці були позбавлені значного змісту, цілісних характерів, стильової єдності і поетичної сили. В одному і тому ж драматичному творі можна було зустріти комедійну зав'язку, несподіваний трагічний поворот і пасторальное завершення дії. Поряд з живими персонажами вільно виступали міфологічні боги і морализуючі алегорії. Драматургія задовольняла публіку як матеріал для сценічної дії, але сама ще не ставала літературою.

Театр чекав приходу великих талантів, здатних вивести на сцену образи нових людей, затвердити нові гуманістичні ідеали в яскравих і сильних поетичних формах.

Таким засновником нової драматургії був геніальний автор "Дон Кіхота" Сервантес (1547-1616).

Сервантес вважав, що комедія повинна бути дзеркалом людського життя, прикладом моралі і зразком істини, і не схвалював безглузді нагромадження в сюжетах сучасних драм.

Бідуючи з молодих років, Сервантес записався в королівську армію, бився в знаменитій битві з турками під Лепанто (1571), жив кілька років в Італії, на зворотньому шляху в Іспанію потрапив у полон до алжирських маврів, де і пробув чотири роки.

Коли Сервантес у 1580 р. повернувся з полону на батьківщину, то в пошуках шматка хліба він був змушений взяти на себе нелегкий обов'язок чиновника по збору податків. Бідняк сам, він побачив похмуру картину народного зубожіння, ще глибше дізнався про сучасну йому дійсність і перейнявся гарячим співчуттям до народу.

Ця стурбованість долею знедолених і підневільних людей опанувала Сервантесом ще в роки алжирського полону. Пізнавши всі тяготи рабства, Сервантес тепер хотів розповісти про побачене і пережите. Першою п’єсою, написаною зараз же після повернення на батьківщину, були "Алжирські вдачі" (1580). П'єса, ймовірно, була задумана, а може бути, і розпочата Сервантесом ще під час полону. Незважаючи на химерний розвиток сюжету, у п'єсі було багато живих драматичних замальовок, списаних прямо з натури. А серед дійових осіб фігурував раб Сааведра, саме ім'я якого вказувало на автобіографічний характер образу.

Друга п'єса Сервантеса "Нумансія" (1588) була присвячена історії стародавнього іспанського міста Нумансії, оточеного протягом п'ятнадцяти місяців римськими військами. Події розгортаються в 135 р. до н. е. Римляни стоять табором під стінами Нумансії.

"Нумансія" - трагедія величезної патетичної сили. Недарма іспанський народ в моменти найвищого патріотизму звертався до неї: так було в 1808 р. під час наполеонівської навали, так було і в 1938 р. в дні героїчної захисту Мадриду. В ціїй епічній трагедії, де колективним героєм виступав весь народ, загибель героїв переконувала не в слабкості, а в силі народу, його незламної відданості батьківщині.

Крім великих п'єс, Сервантес написав ще вісім інтермедій. Всі вони відрізняються жвавістю дії, влучністю замальовок, соковитістю мови. У своїх інтермедіях Сервантес продовжував традиції пасос Лопе де Руеда і був дуже близький до народної новелистичної літератури. Дійовими особами інтермедій були розорених чванливі ідальго, блудливі ченці, спритні шахраї, веселі дівчата, ревниві старики, дурні чоловіки, актори, студенти та інший міський люд.

Сервантес підняв у своїх п'єсах велику громадянську тему, у них були прославлені почуття солідарності, волелюбності, патріотизму, а героєм був сам народ. Але, позбавлені строгої сюжетної побудови, з великим розповідним елементом і алегоричними фігурами, ці п'єси повинні були здаватися застарілими за формою. До жанру застарілих тяжіли і інтермедії Сервантеса. Драматург не вмів виділити з численної галереї персонажів головних героїв, з тим щоб глибоко і послідовно розкрити внутрішній світ людини. В драматургії Сервантеса існував розрив між високою поезією і низовинною прозою. Необхідний синтез поезії та правди відбудеться тільки у творчості Лопе де Вега, який, за словами самого Сервантеса, "став самодержцем в театральній імперії".

12. Драматургія Лопе де Вега.

Якщо італійський театр цього часу використовував традиції народного мистецтва і будувався на принципах імпровізації та лицедійства - комедія-дель арте (митці наслідували деякі прийоми давньогрецького театру, зокрема маски), то театр Іспанії та Англії філософськи осмислив світ, був засобом аналізу морально-психологічного стану людини. Ці принципи знайшли своє відображення у творчості видатних іспанських драматургів Лопе де Вега Карпйо (1562-1635) - справжнього реформатора испанского театру, автора відомих "драм честі" ("Овеча криниця") і "комедій плаща та шпаги" ("Собака на сіні") та Кальдерона de la Barca (1600-1681), трагедії якого завершували "золоте століття" іспанського театру.

Зліт іспанського театру "золотого століття" пов'язаний в першу чергу з ім'ям Лопе де Вега, який створив драматургію, яка відштовхувалася від сценічної практики.

Не тільки творчість, але і життя Лопе де Вега (1562-1635), як і інших знаменитих сучасників, стала відображенням проблем епохи. Лопе вийшов з міського ремісничого середовища, ще в університеті почав писати вірші; університет закінчити проте йому не вдалося. Пізніше за сатиру на сім'ю коханої, яка його відштовхнула, він був засуджений на 10 років вигнання з Мадриду. Незважаючи на це Лопе повертається в столицю, щоб викрасти нову даму серця і таємно одружитися з нею. Він бере участь у Непереможній Армаді, служить секретарем герцога Альби, потім герцога Сесси, наприкінці життя приймає сан священика.

Лопе де Вега створив величезну кількість п'єс; вважається, що їм було написано більше 2000 творів, у тому числі таких як "Собака на сіні", "Учитель танців", з яких до нас дійшло 468, більшість з яких складають комедії (426). Зухвалий в житті, Лопе підняв руку і на традиції іспанської драматургії: він відмовився від прийнятого тоді принципу єдності місця, часу і дії, зберігши лише останнє, і сміливо поєднував у своїх п'єсах елементи комічного і трагічного, створивши класичний тип іспанської драми. Свої погляди він виклав у формі найважливіших принципів іспанської ренесансної драми у віршованій трактаті "Нове мистецтво складати комедії в наші дні". Йому наслідували і Аларкон, що поклав початок "комедії характерів, і Тірсо де Моліна, який вже стояв на порозі бароко. Які б легкі й забавні на перший погляд не були комедії Лопе, вони стверджували самоцінність людського життя у всіх її проявах. Його герої, самостійно мислячі і діючі згідно з розумом і велінням серця, мають, за словами Лопе, "свободу совісті, що проявляється в незалежності вдачі".

Ця незалежність чітко видна в діях героїв драми "Fuente Овехуна" ("Овече джерело"). Вона стоїть окремо у творчості Лопе де Вега і повинна була сприйматися як революційна, як виклик громадському порядку і смаку: герої п'єси - селяни, вони говорять зі сцени піднесено, їх очолює жінка, і при цьому п'єса являє собою не комедію, не фарс, а майже трагедію.

В останніх драмах Лопе трагічне сприйняття світу наростає. В одній з них - п'єсі "Кара без помсти", драматург приходить до усвідомлення трагізму існування людини взагалі, незалежно від присутності в житті лиходіїв або праведників. Головний герой драми, Федеріко, відчуває розлад не тільки зі світом, але і всередині себе, і не бачачи шляхів примирення, у своєму знаменитому монолозі "Бути без себе, без вас, без Бога" приходить до розуміння небуття.

В драмах Лопе дуже великий історичний пласт. Серед них - "Останній готський король", "Граф Фернан Гонсалес", "Зубці стін Торо", "Юність Бернарда дель Carpio", "Незаконний син Мударра" та ін. - п'єси, в основі яких народні романси і "Пісня про мого Сіда". Характерно, що трактування історичних подій близьке чи збігається з тим, яке століттями давали романсеро. Театр Лопе де Вега на більш високому рівні розігрував знайомі кожному жителю Піренеїв, почуті і від жонглерів, і від бабусь сюжети.

Іспанська драма у творчості Лопе де Вега переступила кордони півострова і стала сторінкою світової культури. Португалія цього часу не створила рівних їй шедеврів. Однак театралізація і "церемоніалізація" життя в цілому в XVII ст., що прийшла на зміну синкретичному середньовічному ритуалу, зробила театр найпопулярнішим у цей час видом мистецтва. Португальці і португальські моряки, зокрема, були настільки захоплені театром, і щоб уникнути бунту під час дальніх експедицій брали на суда акторів, які повинні були в море розігрувати спектаклі.

1. К.Марло – видатний попередник Шекспіра.

На своїй вершині театр опинився в Англії.

Театр англійського Відродження - це Шекспір і його блискуче оточення: Марло, Грін, Бомонт, Флетчер, Чемпен, Неш, Бен Джонсон. Але всі ці останні імена належать своєму віку і своїй нації; Шекспір же, глибше всіх виразив дух свого часу й життя свого народу, належить усім вікам і всім народам.

Англійська драма зародилася в надрах середньовічної культури, в церковних обрядах, і була спочатку символічної пантомімою, що ілюструє літургію та прикрашає пасхальну і різдвяну служби. Тип драми, що розігрується мирянами, отримав назву Міракля (драматичні сценки, які зображують чудеса, здійснені святими). Дещо пізніше виник ще один тип драми - мораліте, середньовічна алегорія з персоніфікованими пороком і Чеснотою, які борються за людську душу.

Англійська драма Відродження виникла з щасливого союзу двох начал - алегоричного дидактизму англійської середньовічної драми і гуманізму італійського Відродження. Становленню відродження драми в Англії сприяла творчість людей з класичною освітою, які прагнули пристосувати античну форму до місцевого змісту. За два останні десятиліття 16 ст. англійська драма досягла виключних висот завдяки тому, що в цей час зійшлися чотири необхідних умови для успішного розвитку драматургії: зріс професіоналізм акторів; завершилося будівництво першого постійно діючого театру.

Крістофер Марло (1564-1593) - найвидатніший з драматургів-попередників Шекспіра. Марло створив чотири п'єси: «Тамерлан Великий» (1587-1588), «Трагічна історія доктора Фауста» (1589), «Мальтійський єврей» (1590), «Едуард II» (1592). У цей же час він написав поему на античний сюжет «Геро і Леандр», яка мала великий успіх у читачів. У своїх творах Марло показав титанізм людини доби Відродження. Він створив новий тип драми, в центрі якої поставив героя могутніх пристрастей і великих дерзань.Цей титанічний образ панує в п'єсі, де вся дія концентрується навколо нього. Першою драмою такого типу була трагедія «Тамерлан Великий». Джерелом її сюжету послужила історія життя східного завойовника XIV ст. Тімура, прозваного Тамерланом. Запозичений матеріал Марло підкорив власному задуму - створити, як зазначається у пролозі до трагедії, величну драму, в якій Тамерлан «буде кидати світу виклики в чудесних словах». Образ Тамерлана постає в трагедії як втілення ренесансного індивідуалізму, безмежних можливостей людини.

«Трагічна історія доктора Фауста» - це й апологія ренесансного індивідуалізму, і водночас художнє вираження його трагізму й неминучості його кризи.

Марло був одним з попередників Шекспіра. Цей письменник зробив великий вплив на творчість як Шекспіра, так і інших драматургів того часу. Шекспір перейняв від нього не тільки білий вірш (завдяки Марло остаточно затвердився в англійській драмі), але і багато ідейні особливості та стилістичні прийоми його п'єс, наприклад тип трагічного героя, навколо якого концентрується дію, високий пафос характеристики, рішення багатьох етичних і істотно-політичних проблем.

До останнього десятиліття XVI ст. англійська драматургія досягла свого повного розвитку. Різноманітність жанрів, висока майстерність техніки, багата ідейна змістовність характеризують англійську драму, створену Лілі, Марло, Кідом, Гріном, Лоджем, Пілем та іншими попередниками Шекспіра, які представляли собою плеяду видатних драматургів. Але їх перевершив найвидатніший з усіх письменників англійської Відродження - Шекспір.

П'єси Шекспіра народилися на сцені народного театру його часу. Вони настільки злилися з природою цього театру, що тепер, коли техніка сцени Відродження мало відома, по п'єсах Шекспіра можна значною мірою відновити особливості тодішньої сцени й акторського мистецтва.

Одержати смак до такого роду п'єс, навчитися писати їх в університетах того часу було просто неможливо. Тодішня університетська наука з презирством ставилася до народного театру і беззастережно засуджувала п'єси, що йшли на його сцені. У ту епоху в університетах вивчали в якості зразків п'єси старогрецьких і римських авторів, особливо останніх. Автори з університетською освітою, що писали для освіченої публіки, пишучи трагедії, як правило, наслідували Сенеку, а в комедіях - Плавта або Теренція. Коли ж декілька молодих магістрів з Оксфорда і Кембриджа - Марло, Грін, Пиль, Кид, поселившись у Лондоні, стали заробляти писанням п'єс для народних театрів, їм прийшлося забути правила драми, вивчені в університетах, і писати в тому дусі, до якого звикли глядачі з народу. Ці «університетські розуми» обновили драму не стільки в силу своєї освіченості, скільки завдяки поетичному таланту. Вони збагатили мову драми, піднявши його на висоту справжньої поезії. Вони підготували грунт для Шекспіра. Він скористався багатьма прийомами, впровадженими ними в драму. Але головне він ніс у собі - поетичний дарунок, що перевершував таланти його попередників, і таке гостре почуття драматизму, яким не володів жодний з них.

Не нашли, что искали? Воспользуйтесь поиском: