Главная | Случайная
Обратная связь

ТОР 5 статей:

Методические подходы к анализу финансового состояния предприятия

Проблема периодизации русской литературы ХХ века. Краткая характеристика второй половины ХХ века

Ценовые и неценовые факторы

Характеристика шлифовальных кругов и ее маркировка

Служебные части речи. Предлог. Союз. Частицы

КАТЕГОРИИ:






ИСКУССТВО ДРЕВНЕЙ ГРЕЦИИ 1 страница




 

 

Искусство Древней Греции знаменует один из высочайших взлетов в культурном развитии человечества. В своем творчестве греки использовали опыт более древних художественных культур, и в первую оче­редь эгейского искусства. История соб­ственно древнегреческого искусства начи­нается после падения Микен и дорийского переселения и охватывает XI-1 вв. до н. э.

В историко-художественном процессе древнегреческого искусства обычно выде­ляют четыре этапа, которые соответствуют основным периодам общественного разви­тия Древней Греции. Первый период — го­меровский (XI-VIII вв. до н. э.) — в разви­тии собственно греческого искусства совпадает с последней стадией первобытно­общинного строя. Наиболее ярко эта эпоха отражена в поэмах Гомера, именем которо­го ее и принято называть.

Период VIII-VI вв. до н. э. — время формирования греческого рабовладельче­ского общества и государства. Развитие про­изводительных сил привело к значительным успехам в сельском хозяйстве, ремесле, гор­норудном деле, кораблестроении и мореход­стве, расширению торговли и появлению денег.

В этот же период происходят большие сдвиги в культурной жизни древних греков. В конце VII — начале VI в. до н. э. в грече­ской науке зарождаются «наука всех наук» — философия, греческая поэзия, те­атр и литература для театра. Греки плодо­творно используют более высокую в те вре­мена культуру стран Древнего Востока (Египта, Передней Азии). В ионийских го­родах в VIII в. до н. э. сложился алфавит, за­имствованный из финикийского. С Восто­ка же был перенесен способ отливки статуй из металла. Влияние искусства Египта, Ас­сирии, Финикии проявляется в пластике, живописи, особенно в вазовой росписи, де­коративный стиль которой получил назва­ние «ориентализирующий». Фантастичес­кие звери, восточные декоративные мотивы (плетенка, пальметта, лотос), некоторые композиционные приемы, прически, даже тип лица воспринимаются и перерабатыва­ются греческими мастерами.

Второй период — архаика (VII-VI вв. до н. э.) — время постепенного формирования классового рабовладельческого общества, колонизации греками побережья Средизем­ного и Черного морей. Архаическая эпоха была временем зарождения античного реа­лизма. Искусству архаики свойственны цельность, в какой-то мере утраченная клас­сикой, и человечность, неведомая древней­шим культурам.


Классика (V — первые три четверти IV в. до н. э.) — третий период, художественные устремления которого воплотились наибо­лее ярко и последовательно в творчестве аттических мастеров. Их деятельность име­ла огромное значение для всей Греции, ибо роль Афин в жизни Эллады в эпоху класси­ки неизмеримо возросла. Афины, став во главе борьбы греков за независимость во время греко-персидских войн (500-440 гг. до н. э.) и объединив под своей эгидой ряд полисов, превращаются в политический и культурный центр Эллады. Социальной почвой искусства классики была рабовла­дельческая демократия, утвердившаяся в Афинах к концу VI в. до н. э. Ее победа в значительной мере способствовала разви­тию прогрессивных тенденций в идеологии, торжеству реалистических принципов в ис­кусстве, художественных демократических вкусов. Начавший складываться еще в эпо­ху архаики гражданский эстетический иде­ал был ясно сформулирован искусством классики и стал основным его содержани­ем. Главной темой классического искусства становится человек, наделенный совершен­ными физическими и моральными каче­ствами.

Величайший расцвет классики V-IV вв. до н. э. не был бы возможен без тех больших достижений на пути реалистического ис­кусства, которых достигли греческие ху­дожники VI в. до н. э.

В период эллинизма (четвертая четверть IV — I в. до н. э.) область распространения древнегреческого искусства выходит дале­ко за пределы современной Греции, охваты­вая Фракию на Балканах, западную часть Малой Азии, многие острова и прибрежные пункты на Средиземном и Черном морях, где находились греческие колонии. После походов Александра Македонского художе­ственная греческая культура распространи­лась по всему Ближнему Востоку. Влияние греческого искусства распространилось да­леко за пределы Греции, оно ощущалось в течение долгих веков и сохранилось до на­ших дней.

Греки сменили народы, ранее населяю­щие материковую Грецию и острова; они сформировались как нация примерно к VIII в. до н. э.

Отличительной чертой греков было стремление к независимости. Несмотря на то, что они говорили на одном языке и име­ли общую религию, их города постоянно соперничали и воевали друг с другом. Древ­негреческая демократия была в сущности олигархией, свободные граждане составля­ли незначительное меньшинство по сравне­нию с массой рабов и метеков.

Греки начали основывать колонии на во­стоке и западе в VII в. до н. э. Их поселения служили источником распространения эл­линской культуры. Богатые греческие куп­цы из далеких колоний, не довольствуясь товарами из метрополии, заказывали раз­личные изделия местным ремесленникам, что приводило к созданию самобытных школ, в частности, в керамике.

За пределами метрополии греки обо­сновывались к северу от Пелопоннеса в Македонии и на побережье Дарданелл, к западу — в Южной Италии и Сицилии, на юге Франции и Испании, на востоке они расселились от Трои до Родоса, по северно­му побережью Черного моря, в Крыму и на юге Украины. Наиболее значительное вли­яние греческое искусство оказало на искус­ство Древнего Рима, а в новое время — на искусство Возрождения и стиль ампир.

На Востоке различные ремесла получи­ли развитие еще в глубокой древности, во многом доведя до совершенства технику исполнения и способы украшения предме­тов быта и одежды. Несмотря на то, что гре­ки очень рано достигли значительных успе­хов в области строительства, в ремеслах они еще долго считали лучшими мастерами египтян и финикийцев. Охотно перенимая все новое и лучшее, что было у других на­родов в области ремесел, они стремились сравниться со своими учителями и превзой­ти их.

Раньше всего стремление к самостоя­тельности в ремеслах проявилось у мало- азийских греков (приблизительно в VII в. до н. э.). Коринф считался во всей Элладе родиной многих искусств и ремесел, по­скольку благодаря торговле эти искусства были очень рано занесены из Западной Азии. Коринфянам приписывали изобрете­ние скульптуры (хотя ваяние было уже дав­но известно на Востоке), наборной работы для украшения утвари, а главное — гончар­ного круга и вообще гончарного мастерства. Из Коринфа, согласно мифу, произошли искусство рисования и литейное дело.

В Афинах ремесла пользовались покро­вительством закона. Здесь ремесленники, продолжая занимать довольно низкое обще­ственное положение, законодательством Солона были объявлены равноправными гражданами афинского государства.

Такое отношение к ремеслам при господ­ствовавшей в Аттике полной свободе в вы­боре рода занятий должно было привести к значительным успехам в их развитии.

Каждая последующая эпоха в той или иной мере использовала опыт древнегречес­кого искусства. Особенно значимой оказа­лась его роль в те периоды, когда искусст­во руководствовалось рациональными, гуманистическими идеалами (искусство Возрождения и классицизма) и античная традиция выдвигалась в противовес спири­туализму и мистике готики и барокко. Не­смотря на то, что художественное познание человечества на протяжении веков ушло далеко вперед, некоторые стороны обще­ственного бытия и качества общественного человека никогда не были отражены искус­ством в такой классической форме, которая была найдена древними греками.

Сюжетами греческих произведений слу­жили мифы, эпос и сцены обыденной жиз­ни. Боги и герои, их приключения и подви­ги изображаются на фронтонах, метопах и многочисленных расписных вазах.

Камень. Художественная обработка кам­ня интересна прежде всего произведениями архитектурного декора — ионический, ко­ринфский ордера, волюты, покоящиеся на овах и пальметтах, акантовый лист, кариати­ды и многочисленные элементы как геомет­рического, так и растительного орнамента.

В VII в. до н. э. в Древней Греции зароди­лось искусство глиптики — резьбы по кам­ню. Первоначально в качестве материала использовали сердолик, яшму, сардар, в более поздний период — гранат, изумруд, сардоникс, оникс. Античные мастера выре­зали сцены из мифологии, изображения богов и мифологических героев, портреты правителей. Камни и сюжеты соответство­вали назначению.

Глиптика в Древней Греции достигла высокого художественного уровня. Начи­ная с VI в. до н. э. в глиптике используют­ся более твердые породы камня: халцедон, лазурит, сердолик.

В классический период изображения на геммах (резных камнях) отличаются особой тонкостью и красотой рисунка, более реали­стичны, чем в период архаики. Знаменитым резчиком второй половины V в. до н. э. был Дексамен Хиосский. Сохранились четыре геммы с его подписью, две из них найдены в Северном Причерноморье.

В период эллинизма глиптика получает еще большее распространение, чем прежде: появляются камеи — камни с рельефными изображениями мифологических сцен или портретами. Среди эллинистических резчи­ков наиболее известен Пирготел — при­дворный мастер Александра Македонского.

Керамика. Гончарное ремесло, особенно керамика, было наиболее распространен­ным в Греции с древнейших времен. Оно возникло в Элладе под влиянием Востока, но на стадии простого ремесла, удовлетво­ряющего обыденные нужды, оставалось не­долго. Его стали использовать в культовой архитектуре. По преданию, впервые кера­мика была применена для украшения хра­мовых фронтонов рельефами из глины в Коринфе, и там же начали изготавливать сосуды с цветными рисунками и пластичес­кими орнаментами. Кроме Коринфа, это искусство процветало на островах Хиос и Самос и в Афинах, где им с незапамятных времен занималось значительное число се­мей, которые образовали многочисленное сословие афинских горшечников. Это со­словие имело цеховую организацию и жило в особом квартале, получившем название квартала горшечников (керамикос). Афин­ские горшечники, которые в Афине, Гефес­те и Прометее видели своих богов-покрови- телей, пользовались почетной привилегией поставлять призовые сосуды, раздававшие­ся победителям на празднике Панафиней. Эта привилегия способствовала тому, что афинские мастера гончарного искусства вскоре отказались от восточных форм и за­менили их национальными. В техническом отношении их изделия уже давно стояли наравне с западными и среднеазиатскими. Глиняная посуда была одним из важных предметов заграничной торговли греков; финикийские купцы вывозили ее даже в Африку.

Греческая керамика отличается чрезвы­чайно большим разнообразием форм. Чаще всего встречаются около 20 видов, всего же насчитывается более 350.

Керамические изделия служили для оби­ходных нужд: домашняя посуда, тара для перевозки и хранения жидкостей, чашки для питья, бутыли для масла, флаконы для благовоний или мазей и др. Они использо­вались и в торговле для хранения оливко­вого масла, вина и других продуктов. При­менялась керамика и для культовых нужд: вазы для жертвоприношений, сосуды для церемоний бракосочетаний, погребальные урны.

К большим сосудам для жидкостей отно­сились известные уже в гомеровское время амфоры. Они были двух типов: простые без всякой отделки для использования в хозяй­стве и украшенные живописью и пластичес­кими орнаментами.

Из других видов посуды особой красотой формы отличались кувшины для воды — калпис или гидрия. Поскольку эти сосуды предназначались для ношения воды из ко­лодца, на них были три или четыре ручки и подножка. Их усовершенствованию способ­ствовали два обстоятельства: во-первых, праздник гидрофорий, отмечавшийся в из­вестное время афинскими женщинами и девушками, которые участвовали в празд­ничной процессии каждая со своим кувши­ном, во-вторых, афинский обычай прино­сить в таких кувшинах воду невесте для купания. Вследствие этого обычая гидрии вошли в число свадебных подарков и поэто­му очень богато отделывались и украша­лись символическими орнаментами. В позд­нейшее время их стали делать из бронзы и серебра.

Особым изяществом отличались сосуды, использовавшиеся при застольных беседах, составлявших заключительную и важней­шую часть афинских званых обедов. Гостям подавали вино, смешанное с водой или льдом, в больших сосудах, называвшихся кратерами. Они имели форму кубков с руч­ками и подножкой или без. Плоскодонные кратеры ставили на особые поддоны с ши­рокими краями, на которые стекало вино, расплескиваемое при черпании. Первона­чально кратеры делали преимущественно из глины, только ручки и подножки к ним приделывали бронзовые. В более поздние времена стали делать серебряные кратеры. Поверхность глиняных кратеров украшали живописью, а металлические их части (руч­ки и подножку) — пластическими орнамен­тами.

Рога для питья — керата и рита, извест­ные уже древним египтянам, ассирийцам и другим народам, у греков составляли бога­тый разнообразием форм вид драгоценной посуды. Глиняные рога (рита) делали в ос­новном в виде головы какого-нибудь живот­ного, украшенной живописными изображе­ниями, обычно символическими, имевшими отношение к форме данного сосуда.

Ритоном назывался рогообразный сосуд с ручкой, всегда оканчивавшейся головой какого-нибудь животного: лошади, грифона и т. п.; иногда весь сосуд состоял из головы животного. Так как форма этих сосудов не позволяла ставить их иначе, как опрокинув



 

Формы греческой керамики:

1,2 — амфоры; 3 — гидрия; 4, 5 — кратеры; 6 — аск; 7 — килик; 8 — фиала; 9 — лекиф; 10 — капильда; 11 — канфар; 12 — калебас; 13 — ойнохоя; 14 — скифос; 15 — киаф; 16 — псиктер; 17 — лагинос; 18 — стамнос; 19 — алабастр; 20 — арибалл; 21 — кернос; 22 — лутрофор; 23 — ритон; 24 — пифос; 25 — пиксида; 26 — динос (на ножке);

27 — лебес


вверх дном, изготовлялись особые подстав­ки или поддонки — гиподемата, на которые и ставили рита, когда в них было вино.

Связующим звеном между эгейской и греческой культурами являются сохранив­шиеся в небольшом количестве расписные вазы так называемого «протогеометричес- кого» стиля (XI — начало X в. до н. э.). Ор­наментация их бедна, она состоит из про­стых волнистых линий вокруг тулова вазы или концентрических кругов, расположенных в виде фриза. Традиции прошлого не забыты: как и в предыдущие эпохи, применяется гон­чарный круг, в основе керамической техники лежит хорошая обработка глины, по-прежне- му используется блестящий лак.

В Х-VIII вв. до н. э. развивается «геомет­рический» художественный стиль, называ­емый так потому, что все орнаменты и даже изображение человека и животного на плос­кости построены из простейших геометри-


 

ческих элементов — прямой и ломаной ли­нии, треугольника, круга.

Вазовая роспись геометрического стиля была распространена по всей материковой Греции, на островах Эгейского моря и в ма- лоазийских греческих городах, но повсюду имела свои локальные особенности. Наибо­лее яркое выражение геометрический стиль нашел на вазах аттической работы. Вазы разнообразных форм были открыты в пред­местье Афин — Керамике, где жили и рабо­тали гончары, и некрополе около городских Дипилонских ворот, откуда и название этой группы сосудов — «дипилонские» вазы. X в. до н. э. — время расцвета декоративного гео­метрического стиля. Тогда же в росписях ваз появляется орнамент меандр, который прочно входит в декоративное искусство



античного мира. Роспись на вазах сделана коричневым лаком, но в зависимости от обжига он бывает почти черного, коричне­вого и красного оттенков. Узоры, располо­женные поясами по всей вазе, представля­ют собой многочисленные комбинации зигзагов, треугольников, четырехлепестко- вых розеток, концентрических кругов и сва­стики — магического знака, символизирую­щего страны света.

С конца IX в. до н. э. начинают встречать­ся изображения животных — козла, коня, водоплавающих птиц и человека. Перед мастерами-орнаменталистами встала новая и трудная задача изображения человека, а уме­ния передавать новую тему еще не было, кро­ме навыка рисовать геометрические узоры.

Сначала человеческие фигуры рисуют силуэтно, голова показана в профиль, кор­пус в фас, ноги в профиль. Также схемати­чески нарисованы и животные. Примером такого рисунка могут служить сцены похо­ронных процессий (обрядов), изображенные на больших (около 1,5 м высотой) дипилон- ских вазах в форме амфоры или кратера, слу-


 

 





 

живших надгробными памятниками бога­тым представителям аристократических ро­дов. Эти многофигурные композиции вписа­ны в общую декорацию вазы и представляют собой сцены заупокойного обряда.

Во второй половине VIII в. до н. э. с раз­витием общественной жизни Греции расши­ряется круг сюжетов. Теперь на вазах по­явились сцены морских и сухопутных битв, хороводы, музыканты, атлетические состя­зания и мифологические образы. Фигура человека рисуется правдивее, на лице обо­значается не только нос, но и подбородок, обозначаются также волосы и одежда.

Еще большая жизненность в изображе­нии человека и животного достигается в вазовой росписи первой половины VII в. до н. э. Силуэты процарапываются теперь тон­ким острым инструментом, что позволяет передать много подробностей. В VII в. до н. э. керамические изделия мастеров Корин­фа, Родоса и в VI в. Аттики, Хиоса, Самоса экспортируются в различные районы Сре­диземного и Черного морей.

Содержание росписей в вазах очень раз­нообразно. Кроме орнаментов ориентали- зирующего стиля, здесь можно видеть воен­ные сцены, сцены охоты и мифологические сюжеты (аттическая амфора со сценой борь­бы Геракла и кентавра Несса).

На терракотовых метопах мужские фигу­ры раскрашены в коричнево-красный цвет, женские — в белый, прически даются чер­ной краской. Одежды расписаны пестрыми узорами черного и пурпурного цветов. Та­кая расцветка фигур сообщает росписи большую декоративность. Однако следует заметить, что все фигуры достаточно пра­вильно нарисованы и удачно вкомпонованы в рамку, несмотря на традиционные для рисунка VII в. до н. э. условности (голова рисуется в профиль, глаз и корпус в фас, ноги в профиль). К замечательным образ­цам прикладного искусства относится «про- токоринфский» кувшин из собрания Кид- жи. На этом кувшине несколькими поясами расположена многокрасочная роспись, ис­полненная черным, коричневым, красным и желтым цветами. Основными мотивами росписи были сцены охоты и битв, выезды всадников, колесниц и сцена суда Париса. Характер изображения отличается тщатель­ностью прорисовки и тонко проработанны­ми деталями. Сцены охоты, выезда колес­ниц и воинов напоминают стенные росписи Микен и Тиринфа.

Глиняные сосуды VI и даже VII в. до н. э. имеют явный отпечаток влияния ближнево­сточной и среднеазиатской керамики. По­чти все они округлой, сдавленной формы. Украшающий их рисунок, в особенности напоминающий восточные образцы, состав­лен в основном из фигур животных — львов, оленей, лебедей, сфинксов и т. п., перемешанных с цветочными арабесками. Он тянется вокруг сосуда горизонтальными полосами, расположенными одна под дру­гой. Фон сосудов желтоватый, натурально­го цвета глины, рисунок — черновато-ко- ричневый с темно-лиловой и местами белой отделкой. Человеческие фигуры редки и, как правило, очень схематичны.

Ширящийся интерес художников архаи­ки к многообразию реального мира про­явился наиболее полно и отчетливо в рас­писной керамике V в. до н. э. К этому времени сложились различные типы древ­негреческих ваз. Принципиально изменил­ся характер вазовой росписи: на смену ков­ровому орнаменту пришло изображение мифологических и бытовых сцен в так на­зываемой «чернофигурной технике». Одна­ко связь между росписью и поверхностью вазы не нарушалась, так как роспись сохра­нила необходимую декоративную услов­ность. Экспрессивная композиция черно- фигурной росписи строилась на густых черных силуэтах, очерченных точной обоб­щенной линией, иногда плавной, певучей, упругой, ломкой и динамичной. Во второй и третьей четверти VI в. до н. э. в Аттике, где в этот период работали многие крупные мастера, чернофигурный стиль достиг рас­цвета. Среди них был Клитий, расписавший всемирно известный большой кратер («Ваза Франсуа»), Возможно в росписи, насчиты­вающей более 200 фигур, отражены несох- ранившиеся композиции монументальной живописи.

Крупнейшим мастером чернофигурного стиля был Эксекий. Наряду с эпически спо­койным повествованием («Ахилл и Аякс за игрой в шашки») он создает сцены, полные динамики («Аякс с телом Ахилла»), впер­вые разрабатывает мотив психологических переживаний («Самоубийство Аякса»). Росписи Эксекия отличаются четким, лако­ничным рисунком. Одна из лучших работ мастера — килик «Дионис в ладье». В тре­тьей четверти VI в. до н. э. высокого совер­шенства достигло изготовление тонкостен­ных киликов (мастерская Тлесона).

Для живописи архаики (VI в. до н. э.) характерен общий тип лица, без портретных индивидуализированных черт, с условной улыбкой, прямым слегка вытянутым носом, выпуклыми широко открытыми глазами, высоко поднятой дугой бровей. Прически, как правило, трактованы стилизованно, в виде ровных волнистых прядей и крутых локонов. Но в течение столетия эти схемы постепенно преодолеваются. Художники на­чинают более реалистично изображать дви­жение, пытаясь передать посредством выра­зительного жеста внутренние чувства человека.

Производством расписных художествен­ных ваз было занято множество гончаров и художников во многих городах Греции и в VI в. до н. э. Кроме Коринфа и городов Ионии, вывозит за пределы Греции в огром­ном количестве керамические изделия и Аттика. Силуэтная, или «чернофигурная», техника господствует в вазовой росписи в течение всего VI в. до н. э. Этот чернофи­гурный способ росписи обладает большими декоративными возможностями и служит превосходным украшением сосудов, сделан­ных из желтой, розовой и оранжевой глины.

Прославленным памятником аттическо­го искусства 570 г. до н. э. является черно- фигурный кратер «Франсуа», названный по имени археолога, открывшего эту вазу в эт­русской могиле. На кратере есть подписи его создателей — гончара Эрготима и ху­дожника Клития. Сосуд украшен росписью, состоящей из 5 поясов с 9 мифологически­ми сценами; почти у каждой из 200 фигур надпись, объясняющая, кто здесь нарисо­ван. Сцены изображают шествие богов на свадьбу Пелея и Фетиды, битву лапифов с кентаврами, охоту на калидонского вепря. Сложность композиции дает основание предполагать, что это повторение какого-то ныне утраченного образца монументальной живописи.

Самыми замечательными мастерами чер- нофигурной вазовой росписи третьей чет­верти VI в. до н. э. были Амазис и Эксекий. Интересна амфора Амазиса со сценой сбо­ра винограда силенами. Фигуры силенов полузвериного облика остро комичны, дви­жения ярко выразительны. Комический об­раз в греческом искусстве VI в. до н. э. на­шел место в мелкой пластике (терракотах) и многочисленных росписях на вазах.

Великим художником третьей четверти VI в. до н. э. в Аттике был Эксекий, создав­ший росписи на сюжеты героических и дра­матических мифов. В числе лучших произ­ведений Эксекия считается амфора с двумя композициями: «Ахилл и Аякс, играющие в кости», «Кастор и Полидевк» (Рим, Вати­кан). Другим широко известным произведе­нием Эксекия является чаша с росписью внутри, изображающая Диониса, плывуще­го в лодке.

Вызванный развитием реалистических тенденций в искусстве, в аттической вазо­писи совершается переход от чернофигур- ной к краснофигурной технике. В красно- фигурной вазописи фигуры сохраняют натуральный цвет глины, а окружающий фон покрывается черным лаком, усложняет­ся рисунок, фигура строится не только с по­мощью контурных, но и внутренних линий. Краснофигурная техника, давая большие возможности для свободного, пластически объемного изображения человеческой фигу­ры, не обладает безупречными декоративны­ми качествами чернофигурной техники. Реалистические тенденции краснофигур­ной вазописи особенно ярко выступают в творчестве крупнейшего мастера «строгого стиля» Евфрония. На «Пелике с ласточкой» Евфроний превращает традиционные над­писи около фигур в текст диалога между персонажами.

Форма сосудов классического периода также изменилась: она стала легче, благо-. роднее и при этом разнообразнее. Всевоз­можные виды сосудов — от простого блюда до вазы, от кубка до амфоры — представля­ют в своих формах гармоничное сочетание изящества с целесообразностью. На сосудах этого периода встречаются имена их масте­ров (Созия, Евфрония и др.).

Наряду с краснофигурной техникой в V в. до н. э. широкое распространение полу­чают сосуды с белой плотной обмазкой, на которую лаком наносится рисунок. Белый фон давал возможность писать не только черным лаком и темным пурпуром, но и желтой, коричневой, красной и даже синей красками, что позволяло мастеру вазовой росписи ближе всего подойти к колориту монументальной и станковой живописи.

Говоря о греческой вазописи периода классики, нельзя оставить без внимания за­мечательный краснофигурный кратер из Орвьето работы неизвестного художника, известный в науке под названием «Мастер Ниобид» (Париж, Лувр). В росписи этого кратера использовано новое композицион­ное решение многофигурной композиции, принадлежащее Полигноту, выдающемуся живописцу эпохи греческой классики. Он размещал фигуры на разных уровнях плос­кости картины, как бы на склоне горы, неко­торые фигуры частично были скрыты возвы­шением почвы, что тоже было новостью в греческом искусстве. Композиционные при­емы Полигнота, разнообразие положений отдельных фигур стали неисчерпаемым ис­точником для следующих поколений ху­дожников. Кратер «Мастер Ниобид» дает наиболее ясное представление об этом ком­позиционном новшестве художника.

Краснофигурная техника исчезает из ва­зовой живописи в конце IV в. до н. э. Ее сме­няют рельефные украшения и скромные рос­писи чисто орнаментального характера, поскольку многокрасочная палитра, приемы светотени в живописи стали недоступны мастерам вазовой росписи ввиду ограничен­ного числа красок, способных выдержать высокую температуру обжига.

В конце IV в. до н. э. в гончарном произ­водстве Греции наступает упадок. Изящная пропорциональность и благородная просто­та уступают место массивным украшениям и яркой живописи. Искусство керамики истощается и опускается до уровня просто­го ремесла: изделия утрачивают всякое ху­дожественное значение, их качество ухуд­шается.

Все сохранившиеся сосуды этой эпохи отличаются особенно пестрыми красками: цвета, использовавшиеся до сих пор очень умеренно, например, белый и темно-синий, накладываются теперь большими пятнами, кроме того, к ним прибавляется еще ярко- желтый или даже позолота. Композиция рисунков становится произвольной и теря­ет живость. Одежды воссоздаются в мель­чайших подробностях, сами же фигуры изображаются очень схематично, иногда в виде наброска.

С проникновением в Грецию римской культуры искусство расписывания сосудов совершенно увяло. Пластические украше­ния, свойственные металлической и камен­ной утвари, которая стала входить в упот­ребление, были перенесены и на глиняные сосуды взамен рисунка.

Ювелирное дело. Металлы. Несмотря на бедность недр Греции, ювелирное дело достигло там большого расцвета. Золото всегда высоко ценилось, и греки, не имея собственных месторождений, добывали его путем обмена на другие товары. Зато серебра было много. Искусство обработки драгоцен­ных металлов, в особенности процветавшее в эпоху эллинизма, создало выдающиеся про­изведения.

В IV в. до н. э. с ростом богатства страны возрастает и количество ювелирных изде­лий, которые отличаются удивительнои тонкостью работы. Греческие мастера при­меняют разнообразную технику: ковку, че­канку, литье, паяние, часто используют зернь.

Богатые царские захоронения оставили нам прекрасные памятники работы древне­греческих златокузнецов. Ожерелья, брас­леты, серьги, перстни, подвески и другие украшения позволяют судить не только о том, каково было мастерство греческих юве­лиров, но и представить развитие форм ювелирных изделий.

Женские драгоценности, которые греки называли «золотыми вещами», оставались неизменными со времен Гомера, за исклю­чением колец, которые начали носить до­вольно поздно. Упоминаемые Гомером брас­леты, булавки для волос, цепочки, ожерелья из золота и электрона и золотые шейные цепи не выходили из употребления и в по­следующее время, но их форма и отделка стали совершеннее. Кольца превратились в дорогие перстни, украшенные драгоценны­ми камнями или янтарем. Их стали носить даже мужчины, притом по нескольку штук на каждой руке. Руки украшали браслетами и обручами, обычно в виде извивающейся змеи, на ногах тоже носили браслеты.

Серьгам придавали форму падающей капли, а иногда прикрепляли к ним подвес­ки из золотых и серебряных кружочков.

Наиболее древними являются серьги, выполненные в эпоху архаики (VI в. до н. э.). Они просты по форме и имеют срав­нительно несложную отделку. Однако каче­ство исполнения рельефа, выполненного в технике зерни, позволяет отнести их к луч­шим ранним произведениям ювелирного искусства. Серьги обычно состояли из двух элементов: диска и подвески. Поверхность диска покрывалась филигранью, мельчай­шей зернью, припаянными украшениями в виде розеток и пальметок, часто с цветной инкрустацией.




Не нашли, что искали? Воспользуйтесь поиском:

vikidalka.ru - 2015-2019 год. Все права принадлежат их авторам! Нарушение авторских прав | Нарушение персональных данных