Главная

Популярная публикация

Научная публикация

Случайная публикация

Обратная связь

ТОР 5 статей:

Методические подходы к анализу финансового состояния предприятия

Проблема периодизации русской литературы ХХ века. Краткая характеристика второй половины ХХ века

Ценовые и неценовые факторы

Характеристика шлифовальных кругов и ее маркировка

Служебные части речи. Предлог. Союз. Частицы

КАТЕГОРИИ:






ИСКУССТВО ДРЕВНЕЙ ГРЕЦИИ 16 страница




Самая большая и влиятельная мастер­ская Урбино периода расцвета, родоначаль­ником которой был Николо Пеллипарио, принадлежала семье Фонтана из Кастель- Дуранте. Из всех Фонтана наиболее извес­тен был Орацио, выполнявший заказы для Карла V и Филиппа II. Шедевром его мас­терской является аптекарская посуда Па­лаццо Апостолико в Лорето, к лучшим эк­земплярам которой относится большая ваза с изображением фигур апостолов и святых на лицевой стороне, вся остальная поверх­ность покрыта пейзажами.

Величайшей заслугой Фонтана было вве­дение в живопись майолики гротескового орнамента в том виде, как его разработал Рафаэль с учениками в стенных росписях лоджий в Ватикане. Эти майолики отлича­лись молочно-белой поливой с полихром- ным рисунком или серой по черному в под­ражание камеям.

В середине XVI в. в Урбино намечается большое разнообразие форм сосудов. Появ­ляются великолепные вазы с рельефными масками и ручками в виде сатиров, огромные трехлопастные холодильники на львиных лапах, фляги с ручками в виде переплетаю­щихся змеек, овальные блюда с горельефны­ми украшениями, чернильницы, солонки, церковные подсвечники и т. д.

Майолика Венеции не отличается осо­бенной оригинальностью. В ее производ­стве выделяют два основных периода. Так, в первой половине XVI в. венецианские мастера отражали художественные течения Фаэнцы, во второй половине века преобла­дает влияние Урбино. Признаком венециан­ского происхождения служит нигде больше не встречающаяся серовато-синяя глазурь, так называемая «смальтино». Орнамент по­крывает широкий борт блюда, а в центре располагаются профильные изображения знаменитых мужей и гербы. Особую груп­пу составляют красивые майолики со сти­лизованным растительным орнаментом в персидском и китайском стилях.

Среди образцов, которыми пользовались первые венецианские мастера, очень попу­лярны были орнаментальные мотивы ту­рецких полуфаянсов. Но уже после 1520 г.

этот орнамент заменяется ренессансными мотивами: рогами изобилия, трофеями, мас­ками, лентами и т. д.

Второму периоду производства майоли­ки в Венеции принадлежит группа высоких цилиндрических сосудов и ваз, имеющих выпуклую форму. Эти вазы расписаны жел­тыми, синими и зелеными акантовыми ли­стьями, большими розетками и цветами на белом и синем фоне.

Основная масса сохранившейся майоли­ковой посуды конца XV-XVI вв. — декора­тивные блюда, тарелки и аптекарская посу­да (главным образом цилиндрические кружки «альбарелло», слегка суженные по­середине), служившая как практическим, так и декоративным целям.

Однако итальянская майолика не оказа­ла значительного влияния на керамику со­седних стран, за исключением Франции, где наметились определенные результаты. Здесь ведущими центрами производства фаянсов в итальянском духе стали города Руан, Ним, Невер и Лион. В первых двух работали французские мастера, а в Невере и Лионе исключительно итальянские, кото­рые старались тщательно копировать италь­янские оригиналы, и потому их было очень трудно отличить от оригинала.

Тарелки, блюда, чаши, вазы и кружки из Лиона принадлежат к кругу урбинских май­олик и отличаются от них только более не­брежным рисунком и бедной цветовой палит­рой. Аналогичное майоличное производство существовало и в Ниме, но тип этих майо­лик был близок кастель-дурантским. Кера­мическое производство Нима и Лиона яв­ляется образцом прямого итальянского влияния на французское искусство, что не могло не сказаться отрицательно на их дальнейшей судьбе.

Мастерские Невера и Руана, начав с под­ражания итальянским майоликам, вырабо­тали собственный стиль, который позволил им просуществовать до конца XVIII в.

Позже в Невере итальянское влияние было вытеснено восточным. Здесь в XVII в. выработался новый стиль, в котором глав­ную роль играли персидские орнаменталь­ные мотивы. Фаянсы этого периода распи­сывались исключительно синим цветом.

Во французской керамике XVI в., кроме подражания итальянским майоликам, были сделаны попытки к оригинальному творче­ству. Эти попытки, не имевшие влияния на другие европейские производственные цен­тры, внесли в сокровищницу европейского искусства замечательные произведения, вызывающие и теперь всеобщее внимание и удивление.

Первая из двух попыток — маленькие очаровательные фаянсы, называемые «сен- поршерами». Они встречаются очень редко и стоят особняком от других фаянсовых мастерских. До сих пор тайна изделий из Сен-Поршера не разгадана. Не известен мастер, который изготовил эти изящные маленькие вазы, чаши, кувшины, солонки, подсвечники, хрупкие и легкие, напомина­ющие старую слоновую кость и покрытые черным узором. Неизвестно, для кого были исполнены и способ изготовления этих ми­ниатюрных изделий, поражающих своеоб­разной красотой форм и декоративных мо­тивов и до сих пор составляющих предмет величайшей гордости немногих музеев и частных собраний.

Несмотря на то, что эти изделия не отли­чались ярко выраженным национальным или местным характером, они заняли ис­ключительное положение среди художе­ственных произведений керамики, принад­лежащих эпохе Ренессанса.

Сен-поршеры вылеплены из белой глины и покрыты прозрачной свинцовой глазу­рью, придающей им характерный оттенок старой слоновой кости. Их продолжают причислять к категории фаянсов. Техника, в которой исполнены эти предметы, пред­ставляет дальнейшее развитие инкруста­ции, применявшейся для орнаментации плит XIII в. Мастер сен-поршеров пользо­вался деревянной или металлической мат­рицей для вдавливания рисунка, получав­шиеся углубления заполнял окрашенной глиной красного, коричневого, зеленого и синего или желтого цветов.

Их создание может быть разделено на три периода: первый — самые прекрасные и вместе с тем простые по формам предметы. Поверхность сосуда остается гладкой, рель­ефные украшения применяются редко, ин­крустированный, как правило, темный од­ноцветный орнамент расположен полосами, опоясывающими тулово фляги или чаши.

Ко второму периоду относятся предметы, представлявшие как бы миниатюрные про­изведения архитектуры: их украшениями служат колонны, пилястры, кариатиды, кар­низы и пр. Желтый, красный и коричневый цвета заменяют одноцветную, несколько строгую раскраску первого периода. Среди изделий этого периода в большом количе­стве встречаются солонки и подсвечники.

Третий период превосходит второй оби­лием украшений. Художник отказывается от керамических форм и стремится подра­жать прекрасным, модным в то время изде­лиям ювелирного искусства, в частности, эмалям Лиможа.

Характерной особенностью последнего периода является плетеный ленточный ор­намент. К этому периоду принадлежат глав­ным образом чаши, кувшины с ручками в виде фигур сирен и сатиров и так называе­мые «поильники». Все попытки воспроиз­вести сен-поршеры оказались неудачными, поскольку они совершенно лишены преле­сти оригиналов.

Одновременно с развитием майолики в Италии, Франции в XVI в. появился заме­чательный мастер керамики Бернар Палис- си, родившийся в 1510 г. на юге Франции. Он был талантливым и разносторонним ученым, изобретателем и писателем, много путешествовал по Западной Европе. После упорных многолетних трудов Палисси изобрел керамические краски. Главной це­лью всего творчества мастера было создание эмалей. После долгой и упорной работы ему удалось открыть секрет изготовления про­зрачных, окрашенных в массе разноцветных полив желанного качества и красоты. С по­мощью этих красок он делал оригинальные и необычные вещи.

Первоначально им была изготовлена по­суда с так называемой «яшмовой» поливой. Позлее он создал фаянсы, украшенные рель­ефно исполненными змеями, рыбами, ра­кушками, травами и т. д. и названные мас­тером «сельской глиной». Его любимым занятием было снимать гипсовые копии с настоящих рыб, лягушек, ужей, ящериц, раковин и украшать ими блюда и тарелки, сделанные наподобие речного берега. Эти фаянсы остались самыми популярными па­мятниками гения.

Вскоре Палисси достиг верха славы — его изделия понравились королю, ему было пожаловано звание «королевского изобре­тателя сельской глины». Когда эти стран­ные вещи вошли в моду, мастер стал делать искусственные маленькие пещеры для са­дов, так называемые «гроты», украшенные таким же способом, в которых все было вы­полнено из блестящей глазурованной гли­ны. Гроты служили для прогулок, а также для невинных фарсов и розыгрышей. Они просуществовали в таком виде до XVIII в., пока их не вытеснила мода на все «есте­ственное». Гроты Палисси не сохранились.

В его творчестве различают три периода. К первому относятся фаянсы, покрытые «яшмовой эмалью», состоящей из синего, зеленого и фиолетового цветов глубокого, сочного и чистого тона. В этих работах чув­ствуется рука самого мастера. Позже он все чаще стал полагаться на своих помощников, благодаря которым изделия его мастерской приобрели бездушную печать фабричного производства.

Ко второму периоду относятся «сельские глины». Он создает преимущественно боль­шие, неглубокие, всегда овальной формы блюда и тарелки с широкими прямыми кра­ями. Поверхность блюда представляет со­бой реку с островом и спящей змеей, в реке плавают рыбы и лягушки, скользят ящери­цы. Декоративное убранство этих предме­тов представляет собой натуралистический этюд в высоком рельефе, а сами предметы использовались в качестве украшения от­крытых буфетов, а также ставились на стол с целью попугать гостей. Кружки, бутыли, фляги с такого рода декором встречаются редко.

Главная прелесть «сельской глины» со­стоит в удивительном искусстве, с которым передана природа с помощью красивых гла­зурей и гармоничного сочетания красок. Но чисто художественные достоинства этих изделий невелики и прославили имя Палис­си благодаря своей новизне, редкости, ори­гинальности и моде, созданной любителями всего необычайного.

Третий период творчества Палисси, на­зываемый парижским, совпадает с его пре­быванием в Париже при королевском дво­ре. Здесь «сельские глины» быстро надоели, так как в этот период натуралистические элементы начинают уступать место геомет­рическому и растительному орнаменту, а также фигурным изображениям.

К первым фаянсам третьего периода при­надлежат ажурные корзиночки, блюда и тарелки с широкими бортами. Фигурные блюда в большинстве своем исполнялись при помощи гипсовых слепков с металли­ческой чеканной посуды. Это были глиня­ные копии знаменитых оригиналов, доступ­ных лишь немногим.

Палисси не оказал никакого влияния на дальнейшее развитие французской керамики, за исключением фабрики Авон близ Фон­тенбло, на которой изготовлялись глиняные фигурки, покрытые эмалью совершенно тако­го же вида и состава, как поливы Палисси.

Работая независимо от итальянцев, он создал своеобразный вид изделий, просла­вивший его в истории керамики.

Стекло. Итальянское стекло до XV в. из­вестно лишь по литературным источникам. В XIII в. центром стеклянного производства стала Венеция, куда бежали мастера из раз­громленного крестоносцами Константино­поля. Для сохранения производственных секретов в 1291 г. стеклянные мастерские были размещены на острове Мурано. В XIII-XV вв. стекло было еще не вполне бесцветным, его обычно окрашивали в си­ний, фиолетовый и зеленый цвета. В XV в. изготовлялись шаровидные кувшины с ци­линдрическим горлом, широкие чаши, иног-


 

да с вертикальными ребрами, и грушевид­ные кубки на высоких ножках с такими же ребрами, являющимися данью готике. Из­делия украшались стеклянными жгутами, росписью белой и цветной эмалями в виде бусинок (обычно в сочетании с рядами зо­лотых чешуек), реже — фигурной эмалевой живописью с аллегорическими и мифологи­ческими сценами.

Во второй половине XV в. Венеция осво­ила технические приемы стеклоделия, заим­ствованные у сирийцев. Здесь производятся самые различные виды стеклянной продук­ции, техническое совершенство которой вызывает восхищение в странах Западной Европы. Изготовляются покрытые эмале­выми рисунками кубки, которыми просла­вилась семья Баровьери.

Кроме кубков с орнаментом в виде рыбь­ей чешуи, эмалями расписываются и блюда. Среди венецианских изделий часто встреча­ются кубки с эмалевой росписью и декори­рованные гирляндами, фигурками путти, растительными завитками и другими попу­лярными мотивами. Высокими художествен­ными достоинствами отличаются сосуды, покрытые молочно-белой виртуозно выпол­ненной филигранной сеткой. Однако самую громкую славу Венеции принесли бокалы и кубки, которые современники называли «хрустальными» за их легкость и прозрач­ность. К этим простым и изящным издели­ям иногда добавляются ручки или ножка из цветного или покрытого эмалью стекла. Иногда ножка представляет собой настоя­щее чудо мастерства, например, в виде дракона, где мастера привлекает резкий кон­траст между простой формой чаши и осно­вания с усложненной формой ножки.

На рубеже XV-XVI вв. в Мурано появи­лось бесцветное и в начале XVI в. — молоч- но-белое стекло, в 1530-х гг. — филигрань — введение в массу стекла молочно-белых, реже цветных стеклянных нитей, обычно перевитых и иногда скрещенных. В конце



XVI в. был изобретен кракеляж — получа­ющиеся при опускании в воду горячего со­суда трещины на его поверхности. Изделия XVI в. приобретают мягкие очертания, от­личаются простотой и легкостью. В XVII в. выделывалось агатовое, коричневое с золо­тыми блестками мозаичное стекло.

Восхищаясь изделиями из стекла венеци­анских мастеров, в различных странах Евро­пы не только с удовольствием покупали эти изделия, но и старались переманить к себе искусных стеклодувов, несмотря на запрет и на то, что в случае неудачи перебежчикам грозила смертная казнь. Так, во Франции, Бельгии, Германии начиная со второй поло­вины XVI в. появляются сосуды в «венеци­анской манере». Они не являются простой копией продукции Мурано. Итальянские модели видоизменяются, приспосабливаясь ко вкусам и привычкам потребителей.

Стеклодувные мастерские имелись также в Антаре близ Генуи. Неверские герцоги из рода Гонзага выписывали для Франции це­лые артели мастеров из Антара.

Венецианское стекло господствовало в Европе до конца XVII в. Здесь производи­лась посуда из простого неокрашенного или одноцветного стекла. Чтобы сосуд из тако­го стекла превратить в дорогую вещь, име­ющую художественное значение, его отде­лывали изящной золотой оправой искусной работы.

Ювелирное дело. Как и другие виды де­коративного искусства, ювелирное дело в период Возрождения достигает расцвета: че­канные сосуды с многофигурными сценами, черневые композиции на пластинах, предме­ты для украшения одежды, перстни, брасле­ты, нагрудные подвески с эмалью, драгоцен­ными камнями и жемчугом.

Ювелиры Италии производят предметы религиозного назначения и множество раз­нообразных обиходных вещей для знати и богатых горожан: кувшины, чаши, миски, тарелки, сделанные из твердых пород камня.

В Италии тенденции нового стиля выра­жаются в многочисленных изображениях, восходящих к греко-римской античности. Это не только обнаженные человеческие фигуры, но и мифологические существа: кентавры, тритоны и нереиды, выполнен­ные в технике рельефа и круглой скульпту­ры. Шедевром ювелирной пластики этого рода является золотая солонка Франциска I работы Бенвенутто Челлини (Вена, Музей истории искусств). Солонка увенчана полу­лежащими фигурами Нептуна с трезубцем, окруженного морскими конями, и Земли, рядом с которыми помещена перечница в виде античного храма. Основание украше­но аллегорическими фигурами Зари, Дня, Сумерек и Ночи, навеянными образами Микеланджело; между ними расположены символические изображения ветров. Эта солонка является бесспорным произведени­ем Челлини и выполнена в 1540 г. Античны­ми образцами навеяны и ларцы в виде па­мятников с барельефами и статуэтками на углах. Другой типично ренессансный мо­тив — крылатый дракон, который встреча­ется на ручках сосудов с гербами Медичи.

Ювелирное искусство Германии пережи­вает период подъема. В таких городах, как Нюрнберг и Аусбург, закладываются осно­вы немецкого Возрождения. Смешение ста­рых традиций с новыми исканиями отчет­ливо проявилось в прикладном искусстве, особенно в ювелирном деле.

В XVI и XVII вв. в Европе славились изделия нюрнбергских златокузнецов Ям- нитцеров. Самым выдающимся из них был Венцель Ямнитцер. Им была основана соб­ственная мастерская, в которой он в сотруд­ничестве с племянником и подмастерьями начал изготовлять пышные декоративные рукомойные кувшины, серебряные блюда и декоративные настольные украшения. В Оружейной палате Московского Кремля хранится единственная уцелевшая работа его талантливого брата Альбрехта — удиви­тельный по благородству и изяществу ли­ний хрустальный кубок в серебряной опра­ве. Не менее знаменит в Европе был и внук Венцеля, ювелир Кристоф Ямнитцер. О его мастерстве можно судить по прекрасному сосуду для вина, исполненному из позоло­ченного серебра в виде орла.

Наиболее интересны изделия прославлен­ных ювелиров Нюрнберга, Аусбурга и Гам­бурга — крупнейших центров немецкого прикладного искусства эпохи Возрождения.

В Германии был создан оригинальный тип кубков или бокалов для вина, предназ­наченных для официальных и торжествен­ных случаев. Традиция фигурного сосуда в Европе очень давняя. В средние века широ­ко распространены бронзовые и латунные акваманилеи (водолеи), изображающие зве­рей, птиц, людей. Следующий значительный этап разработки оригинальных форм сосу­дов приходится на XVI-XVII вв. и связан с бурным развитием производства художе­ственной светской утвари из серебра.

Первоначально такие сосуды украшали выпуклым чеканным узором (так называе­мые «ананасные кубки»), затем появились сосуды с рельефными фигурами и расти­тельным орнаментом. Крышки таких сосу­дов имели навершие в виде фигуры воина или мифологического героя. Вместе с тех­ническим мастерством эти изделия свиде­тельствуют о тенденции к орнаментальному изобилию, доходящему до чрезмерности. Этой же тенденцией отмечен и выбор мате­риала: не довольствуясь золотом или позо­лоченным серебром, мастера добавляют к ним цветные эмали и драгоценные камни. Любовь к яркой красочности видна и на примере вазы в форме скачущего оленя, для изготовления которой были использованы золото, серебро, кораллы.

Исполнение таких сосудов давало масте­рам возможность блеснуть своим умением моделировки фигуры в сложных ракурсах, эффектно выявить силуэт, подчеркнуть де-


 

коративность произведения. Одновременно проявлялось искусство владения техничес­кими приемами обработки серебра — чекан­кой, выколоткой, литьем, гравировкой, пун- цированием, золочением.

Фантазию мастеров в поисках тем пита­ли самые разнообразные источники: древ­ние мифы и национальный фольклор, успе­хи мореплавания и научные открытия. Толчком к созданию фигурных сосудов так­же служили наблюдения над природой и вос­хищение произведениями скульпторов, сцены из современной жизни и страницы истории античного Рима. Нередко мотивы заимство­вались из геральдики. Так, прообразом сосу­да в виде орла с широко раскрытыми крыль­ями послужил мастеру из Нюрнберга орел герба его родного города, а лондонскому се­ребрянику решение уникального кувшина в виде величаво спокойного барса с гербовым щитом в лапах навеял мотив английской королевской геральдики.

В XVI в. широко распространились куб­ки и декоративные сосуды в виде парусных кораблей с полной оснасткой и вооружени­ем. Из дальних заморских стран — Индии, Африки, Америки — увеличился приток эк­зотических материалов: слоновой кости, ко­косовых орехов, страусовых яиц, перламут­ровых раковин. Например, в сосудах из раковин крупных морских моллюсков — наутилусов — особенно удачно использова­на природная форма для передачи объема и выразительности силуэта птицы.

Некоторые виды фигурных сосудов из­давна служили кубком для награждения победителя в стрелковых соревнованиях. Иногда традиция была связана не столько с обычаем употребления сосуда, сколько с желанием следовать полюбившейся форме.

Ярко и оригинально раскрылась в фигур­ных сосудах тема щедрости природы, про­славления ее даров, которая нашла отраже­ние во множестве искусно чеканенных кубков в виде тыквы, яблока, груши, гроз­ди винограда, ананаса.

Имперский город Нюрнберг в истории мировой культуры и искусства отмечен осо­бой славой. Прославил город в XVI в. созда­тель первых в Германии скульптур из ме­талла Петер Фишер. Здесь в семье злато- кузнеца родился великий Альбрехт Дюрер. Художник, гравер, скульптор, архитектор, он оказал немалое влияние на искусство се­ребряников не только своего города, но и всей Германии. Он первым ввел «в мир аб­страктных геометрических форм серебря­ных сосудов натуральные формы». Благода­ря его гравюрам и рисункам появились пер­вые кубки и чаши в виде плодов — яблок, груш.

Эмаль, достигшая больших высот в ро­манскую и готическую эпоху, в период Ре­нессанса получает новое направление: выем­чатая и перегородчатая техники сменяются расписными эмалями. Мастерские Лиможа продолжают занимать ведущее место. Этот вид художественного ремесла требовал большой искусности и обычно передавался из поколения в поколение мастерами, име­на которых дошли до нашего времени. На­чиная с 1530 г. большинство эмалей подпи­саны. Особенно известны имена Пенико и Лимозен, мастеров из семьи потомственных эмальеров. Среди них наиболее выдающим­ся был Леонар Лимозен, создавший для Сент-Шапель две алтарные пластины, дати­рованные 1552 и 1553 гг. В центре одной пластины изображен путь на Голгофу, на другой — Воскресение, вокруг основных сюжетов помещены другие эпизоды, а так­же портреты Франциска I, Генриха II и ко­ролев.

Для этого периода характерна (как в эма­лях, так и в других декоративных жанрах) тенденция сближения с живописью.

В эпоху Возрождения широко использо­валась бронза, особенно в Италии. Здесь центрами бронзового литья были Венеция и Падуя. Из нее изготовлялись дверные молотки во дворцах с изображением мор­ских божеств, канделябры, фонари, чер­нильницы, колокольчики, а также медали и плакетки. Антонио Пизанелло завоевал ши­рокую известность своими портретными медалями. Бенвенутто Челлини, Леоне Ле- они, Андреа Риччо — наиболее выдающие­ся авторы плакеток с композициями мифо­логического содержания.

Из бронзы во Франции изготовлялись разнообразные изделия: сосуды, водолеи, подсвечники, чернильницы, фигурные двер­ные молотки. В оружейных мастерских ору­жие, доспехи, щиты украшались тонкой че­канкой, насечкой, воронением, золочением, гравировкой и т. д. Среди кованых железных


 

изделий выделяют фонари для средневеко­вых и ренессансных домов и пышные ре­шетки барокко.

В Германии своими работами известна семья бронзовщиков Фишер. Самым знаме­нитым произведением одного из них — Пе­тера Фишера Старшего (1507—1515) — счи­тается рака св. Зебальда в Нюрнберге.

Художественная обработка железа осо­бенно широко практикуется в Италии и Испании, где изготовляются самые разно­образные предметы. В Лукке и Венеции производятся железные дворцовые ограды, решетки для балконов и перегородок внут­ри дома, гербы. Миланская семья Негроли прославилась изготовлением богато укра­шенного оружия с чеканными фигурами и инкрустированным орнаментом. Кроме того, этими же мастерами по заказу Карла V были выкованы ларцы для драгоценностей и не­сессеры с пышно декорированной поверхно­стью.

В искусстве обработки железа видное ме­сто принадлежит также Германии. Стилисти­ческая особенность работ немецких мастеров проявляется в широком использовании рас­тительного завитка, изящные изгибы которо­го придают оградам, украшенным этим орна­ментом, впечатление легкости. Такого же совершенства добивается в своих творени­ях и пражский мастер Георг Шмидхаммер, автор гробницы Максимилиана I в дворцо­вой церкви в Инсбруке и решеток собора св. Вита в Праге.

Во Франции значительных успехов уда­ется достигнуть в обработке олова, которое широко использовалось и в Германии. Из него изготовлялась посуда, используемая для повседневных нужд, и художественная, парадная, которая выставлялась напоказ для гостей.

Мебель. Мебель в эпоху Возрождения превосходит средневековую обстановку жилища не только количеством и разнооб­разием, но и индивидуальным подходом мастера к решению отдельных предметов. Дорогая мебель с богатой отделкой теперь становится своего рода символом социаль­ного положения ее владельца. В эту эпоху столярное дело достигает высокого художе­ственного уровня

Для ренессансной мебели характерны: четкость формы, ясность построения, повы­шенное использование архитектурных эле­ментов в оформлении. Теперь мебель чаще всего решается в виде архитектурного соору­жения, похожего на миниатюрное палаццо с колоннами, пилястрами, карнизами и фрон­тонами. Такую мебель, составленную из
архитектурных элементов, в которой каждая часть является самостоятельной, независи­мой формой, называют архитектонической. В основе ее композиции — красота пропор­ций, чистота контуров, ясность силуэтов.

В начале раннего Возрождения мебель еще не отличается большим разнообразием форм. Главным предметом после кровати остается свадебный сундук-ларь («кассо- не»), который предназначается для хране­ния или перевозки вещей, используется как скамья и входит в число традиционного приданого невесты. Кассоне имеет простые формы: длинный прямоугольный ящик с тяжелым профилем цоколя, плотно стоящий на полу. Поверхности его боковых стенок украшаются неглубоким резным орнамен­том, интарсией и инкрустацией, крышка ларя с внутренней стороны — живописью. Свадебные сундуки расписывались известны­ми живописцами (Сандро Боттичелли и др.).

Во второй половине XV в. итальянские свадебные сундуки приобретают изыскан­ные формы. Их делают на высоком ступен­чатом цоколе, сам ящик обрамляется боко­выми пилястрами или консолями. Передняя сторона сундука наиболее пышно украша­ется резьбой с позолотой и росписью. Сю­жетами росписи служат виды итальянских городов, изображение торжественных про­цессий, сцены из героической и любовной поэзии XV в.

В тот же период среди мебели для сиде­ния очень распространена была скамья, рас­полагающаяся у стен жилых помещений, — тот же ларь, но со скругленными углами и высокой глухой спинкой.

Из кассоне развивается предок дивана — «кассапанка» — тот же ларь, но с низкой спинкой и массивными локотниками, окан­чивающимися масками, пальметтами или головками ангелов. Спинка часто делалась высокой, иногда даже с навесом. Кассапан­ка предназначалась для почетных гостей.

Среди мебели для сидения существовали табуреты с восьмиугольным сиденьем на до­щатых опорах вместо ножек и складные сту­лья с простой гладкой спинкой или украшен­ной резьбой и гербом владельца.


Столы имели продолговатую форму с двумя крепкими опорами, соединенными поперечиной или особыми подножками. Столешница была очень массивной, ее бо­ковые части украшались профилями или
резьбой. Опоры столов в виде массивных львиных лап украшались резьбой, напоми­нающей каменные рельефы древнеримских мраморных столов.

Новыми типами мебели были посудный шкаф («креденца») и секретер. Шкафы, по­явившиеся в конце XV в., представляли со­бой как бы два поставленных друг на друга сундука с двухпольными дверцами, консо­лями, пилястрами, цоколем и карнизом. Их декор аналогичен декору сундуков.

Кровати были низкие, без балдахина. Изголовье, угловые столбики, а также рама кровати покрывались резьбой.

В обстановке флорентийских дворцов раннего Возрождения помимо ларей и сун­дуков-скамей были стулья, кресла, кровати, колыбели, аналои для чтения, подставки для бюстов, вешалки.

Флоренция, являясь родиной Ренессан­са, стала одновременно и центром средото­чия мебельного искусства Италии XV в. В тот период наряду с Флоренцией появля­ются и другие центры по изготовлению ме­бели. К их числу принадлежит Сиена. Ее ве­ликолепные свадебные сундуки отличаются от флорентийских тем, что большая часть рельефных украшений делается из позоло­ченного левкаса (смесь мела, гипса и клея). Своими столами славится Болонья. Осо­бенным богатством декоративных форм от­личается венецианская мебель, в которой элементы готики причудливо переплетают­ся с ренессансными орнаментами, живопи­сью и позолотой.

В XV в. в Италии создаются новые образ­цы мебели — своеобразной конструкции поставец, письменный стол-конторка, мяг­кое кресло, шкаф с четырьмя дверцами и «кабинеты». Предметам, пришедшим из прошлых эпох, придаются художественные формы, заимствованные из античных про­изведений искусства. В деталях мебели осо­бенно часто используются кроме канделяб­ров и жертвенников львиные лапы, маски, бараньи головы, кронштейны. Украшается мебель также разноцветной мозаикой из дерева разных пород, причем в моду входят перспективные виды архитектурных соору­жений, покрывающие лицевую поверхность филенок шкафов и кабинетов или, что го­раздо чаще, внутреннюю их сторону.

Особой разновидностью итальянских шкафов позднего Возрождения являются шкафы-кабинеты — поставленный на под­ставку шкаф, состоящий из трех или пяти рядов маленьких ящиков, наружная сторо­на которых отделывается инкрустацией. Все эти ящики закрываются небольшими двер­цами, украшенными наборными картинами, выполненными из дерева с перспективными видами архитектурных сооружений.






Не нашли, что искали? Воспользуйтесь поиском:

vikidalka.ru - 2015-2024 год. Все права принадлежат их авторам! Нарушение авторских прав | Нарушение персональных данных