ТОР 5 статей: Методические подходы к анализу финансового состояния предприятия Проблема периодизации русской литературы ХХ века. Краткая характеристика второй половины ХХ века Характеристика шлифовальных кругов и ее маркировка Служебные части речи. Предлог. Союз. Частицы КАТЕГОРИИ:
|
ИСКУССТВО ДРЕВНЕЙ ГРЕЦИИ 16 страницаСамая большая и влиятельная мастерская Урбино периода расцвета, родоначальником которой был Николо Пеллипарио, принадлежала семье Фонтана из Кастель- Дуранте. Из всех Фонтана наиболее известен был Орацио, выполнявший заказы для Карла V и Филиппа II. Шедевром его мастерской является аптекарская посуда Палаццо Апостолико в Лорето, к лучшим экземплярам которой относится большая ваза с изображением фигур апостолов и святых на лицевой стороне, вся остальная поверхность покрыта пейзажами. Величайшей заслугой Фонтана было введение в живопись майолики гротескового орнамента в том виде, как его разработал Рафаэль с учениками в стенных росписях лоджий в Ватикане. Эти майолики отличались молочно-белой поливой с полихром- ным рисунком или серой по черному в подражание камеям. В середине XVI в. в Урбино намечается большое разнообразие форм сосудов. Появляются великолепные вазы с рельефными масками и ручками в виде сатиров, огромные трехлопастные холодильники на львиных лапах, фляги с ручками в виде переплетающихся змеек, овальные блюда с горельефными украшениями, чернильницы, солонки, церковные подсвечники и т. д. Майолика Венеции не отличается особенной оригинальностью. В ее производстве выделяют два основных периода. Так, в первой половине XVI в. венецианские мастера отражали художественные течения Фаэнцы, во второй половине века преобладает влияние Урбино. Признаком венецианского происхождения служит нигде больше не встречающаяся серовато-синяя глазурь, так называемая «смальтино». Орнамент покрывает широкий борт блюда, а в центре располагаются профильные изображения знаменитых мужей и гербы. Особую группу составляют красивые майолики со стилизованным растительным орнаментом в персидском и китайском стилях. Среди образцов, которыми пользовались первые венецианские мастера, очень популярны были орнаментальные мотивы турецких полуфаянсов. Но уже после 1520 г. этот орнамент заменяется ренессансными мотивами: рогами изобилия, трофеями, масками, лентами и т. д. Второму периоду производства майолики в Венеции принадлежит группа высоких цилиндрических сосудов и ваз, имеющих выпуклую форму. Эти вазы расписаны желтыми, синими и зелеными акантовыми листьями, большими розетками и цветами на белом и синем фоне. Основная масса сохранившейся майоликовой посуды конца XV-XVI вв. — декоративные блюда, тарелки и аптекарская посуда (главным образом цилиндрические кружки «альбарелло», слегка суженные посередине), служившая как практическим, так и декоративным целям. Однако итальянская майолика не оказала значительного влияния на керамику соседних стран, за исключением Франции, где наметились определенные результаты. Здесь ведущими центрами производства фаянсов в итальянском духе стали города Руан, Ним, Невер и Лион. В первых двух работали французские мастера, а в Невере и Лионе исключительно итальянские, которые старались тщательно копировать итальянские оригиналы, и потому их было очень трудно отличить от оригинала. Тарелки, блюда, чаши, вазы и кружки из Лиона принадлежат к кругу урбинских майолик и отличаются от них только более небрежным рисунком и бедной цветовой палитрой. Аналогичное майоличное производство существовало и в Ниме, но тип этих майолик был близок кастель-дурантским. Керамическое производство Нима и Лиона является образцом прямого итальянского влияния на французское искусство, что не могло не сказаться отрицательно на их дальнейшей судьбе. Мастерские Невера и Руана, начав с подражания итальянским майоликам, выработали собственный стиль, который позволил им просуществовать до конца XVIII в. Позже в Невере итальянское влияние было вытеснено восточным. Здесь в XVII в. выработался новый стиль, в котором главную роль играли персидские орнаментальные мотивы. Фаянсы этого периода расписывались исключительно синим цветом. Во французской керамике XVI в., кроме подражания итальянским майоликам, были сделаны попытки к оригинальному творчеству. Эти попытки, не имевшие влияния на другие европейские производственные центры, внесли в сокровищницу европейского искусства замечательные произведения, вызывающие и теперь всеобщее внимание и удивление. Первая из двух попыток — маленькие очаровательные фаянсы, называемые «сен- поршерами». Они встречаются очень редко и стоят особняком от других фаянсовых мастерских. До сих пор тайна изделий из Сен-Поршера не разгадана. Не известен мастер, который изготовил эти изящные маленькие вазы, чаши, кувшины, солонки, подсвечники, хрупкие и легкие, напоминающие старую слоновую кость и покрытые черным узором. Неизвестно, для кого были исполнены и способ изготовления этих миниатюрных изделий, поражающих своеобразной красотой форм и декоративных мотивов и до сих пор составляющих предмет величайшей гордости немногих музеев и частных собраний. Несмотря на то, что эти изделия не отличались ярко выраженным национальным или местным характером, они заняли исключительное положение среди художественных произведений керамики, принадлежащих эпохе Ренессанса. Сен-поршеры вылеплены из белой глины и покрыты прозрачной свинцовой глазурью, придающей им характерный оттенок старой слоновой кости. Их продолжают причислять к категории фаянсов. Техника, в которой исполнены эти предметы, представляет дальнейшее развитие инкрустации, применявшейся для орнаментации плит XIII в. Мастер сен-поршеров пользовался деревянной или металлической матрицей для вдавливания рисунка, получавшиеся углубления заполнял окрашенной глиной красного, коричневого, зеленого и синего или желтого цветов. Их создание может быть разделено на три периода: первый — самые прекрасные и вместе с тем простые по формам предметы. Поверхность сосуда остается гладкой, рельефные украшения применяются редко, инкрустированный, как правило, темный одноцветный орнамент расположен полосами, опоясывающими тулово фляги или чаши. Ко второму периоду относятся предметы, представлявшие как бы миниатюрные произведения архитектуры: их украшениями служат колонны, пилястры, кариатиды, карнизы и пр. Желтый, красный и коричневый цвета заменяют одноцветную, несколько строгую раскраску первого периода. Среди изделий этого периода в большом количестве встречаются солонки и подсвечники. Третий период превосходит второй обилием украшений. Художник отказывается от керамических форм и стремится подражать прекрасным, модным в то время изделиям ювелирного искусства, в частности, эмалям Лиможа. Характерной особенностью последнего периода является плетеный ленточный орнамент. К этому периоду принадлежат главным образом чаши, кувшины с ручками в виде фигур сирен и сатиров и так называемые «поильники». Все попытки воспроизвести сен-поршеры оказались неудачными, поскольку они совершенно лишены прелести оригиналов. Одновременно с развитием майолики в Италии, Франции в XVI в. появился замечательный мастер керамики Бернар Палис- си, родившийся в 1510 г. на юге Франции. Он был талантливым и разносторонним ученым, изобретателем и писателем, много путешествовал по Западной Европе. После упорных многолетних трудов Палисси изобрел керамические краски. Главной целью всего творчества мастера было создание эмалей. После долгой и упорной работы ему удалось открыть секрет изготовления прозрачных, окрашенных в массе разноцветных полив желанного качества и красоты. С помощью этих красок он делал оригинальные и необычные вещи. Первоначально им была изготовлена посуда с так называемой «яшмовой» поливой. Позлее он создал фаянсы, украшенные рельефно исполненными змеями, рыбами, ракушками, травами и т. д. и названные мастером «сельской глиной». Его любимым занятием было снимать гипсовые копии с настоящих рыб, лягушек, ужей, ящериц, раковин и украшать ими блюда и тарелки, сделанные наподобие речного берега. Эти фаянсы остались самыми популярными памятниками гения. Вскоре Палисси достиг верха славы — его изделия понравились королю, ему было пожаловано звание «королевского изобретателя сельской глины». Когда эти странные вещи вошли в моду, мастер стал делать искусственные маленькие пещеры для садов, так называемые «гроты», украшенные таким же способом, в которых все было выполнено из блестящей глазурованной глины. Гроты служили для прогулок, а также для невинных фарсов и розыгрышей. Они просуществовали в таком виде до XVIII в., пока их не вытеснила мода на все «естественное». Гроты Палисси не сохранились. В его творчестве различают три периода. К первому относятся фаянсы, покрытые «яшмовой эмалью», состоящей из синего, зеленого и фиолетового цветов глубокого, сочного и чистого тона. В этих работах чувствуется рука самого мастера. Позже он все чаще стал полагаться на своих помощников, благодаря которым изделия его мастерской приобрели бездушную печать фабричного производства. Ко второму периоду относятся «сельские глины». Он создает преимущественно большие, неглубокие, всегда овальной формы блюда и тарелки с широкими прямыми краями. Поверхность блюда представляет собой реку с островом и спящей змеей, в реке плавают рыбы и лягушки, скользят ящерицы. Декоративное убранство этих предметов представляет собой натуралистический этюд в высоком рельефе, а сами предметы использовались в качестве украшения открытых буфетов, а также ставились на стол с целью попугать гостей. Кружки, бутыли, фляги с такого рода декором встречаются редко. Главная прелесть «сельской глины» состоит в удивительном искусстве, с которым передана природа с помощью красивых глазурей и гармоничного сочетания красок. Но чисто художественные достоинства этих изделий невелики и прославили имя Палисси благодаря своей новизне, редкости, оригинальности и моде, созданной любителями всего необычайного. Третий период творчества Палисси, называемый парижским, совпадает с его пребыванием в Париже при королевском дворе. Здесь «сельские глины» быстро надоели, так как в этот период натуралистические элементы начинают уступать место геометрическому и растительному орнаменту, а также фигурным изображениям. К первым фаянсам третьего периода принадлежат ажурные корзиночки, блюда и тарелки с широкими бортами. Фигурные блюда в большинстве своем исполнялись при помощи гипсовых слепков с металлической чеканной посуды. Это были глиняные копии знаменитых оригиналов, доступных лишь немногим. Палисси не оказал никакого влияния на дальнейшее развитие французской керамики, за исключением фабрики Авон близ Фонтенбло, на которой изготовлялись глиняные фигурки, покрытые эмалью совершенно такого же вида и состава, как поливы Палисси. Работая независимо от итальянцев, он создал своеобразный вид изделий, прославивший его в истории керамики. Стекло. Итальянское стекло до XV в. известно лишь по литературным источникам. В XIII в. центром стеклянного производства стала Венеция, куда бежали мастера из разгромленного крестоносцами Константинополя. Для сохранения производственных секретов в 1291 г. стеклянные мастерские были размещены на острове Мурано. В XIII-XV вв. стекло было еще не вполне бесцветным, его обычно окрашивали в синий, фиолетовый и зеленый цвета. В XV в. изготовлялись шаровидные кувшины с цилиндрическим горлом, широкие чаши, иног-
да с вертикальными ребрами, и грушевидные кубки на высоких ножках с такими же ребрами, являющимися данью готике. Изделия украшались стеклянными жгутами, росписью белой и цветной эмалями в виде бусинок (обычно в сочетании с рядами золотых чешуек), реже — фигурной эмалевой живописью с аллегорическими и мифологическими сценами. Во второй половине XV в. Венеция освоила технические приемы стеклоделия, заимствованные у сирийцев. Здесь производятся самые различные виды стеклянной продукции, техническое совершенство которой вызывает восхищение в странах Западной Европы. Изготовляются покрытые эмалевыми рисунками кубки, которыми прославилась семья Баровьери. Кроме кубков с орнаментом в виде рыбьей чешуи, эмалями расписываются и блюда. Среди венецианских изделий часто встречаются кубки с эмалевой росписью и декорированные гирляндами, фигурками путти, растительными завитками и другими популярными мотивами. Высокими художественными достоинствами отличаются сосуды, покрытые молочно-белой виртуозно выполненной филигранной сеткой. Однако самую громкую славу Венеции принесли бокалы и кубки, которые современники называли «хрустальными» за их легкость и прозрачность. К этим простым и изящным изделиям иногда добавляются ручки или ножка из цветного или покрытого эмалью стекла. Иногда ножка представляет собой настоящее чудо мастерства, например, в виде дракона, где мастера привлекает резкий контраст между простой формой чаши и основания с усложненной формой ножки. На рубеже XV-XVI вв. в Мурано появилось бесцветное и в начале XVI в. — молоч- но-белое стекло, в 1530-х гг. — филигрань — введение в массу стекла молочно-белых, реже цветных стеклянных нитей, обычно перевитых и иногда скрещенных. В конце XVI в. был изобретен кракеляж — получающиеся при опускании в воду горячего сосуда трещины на его поверхности. Изделия XVI в. приобретают мягкие очертания, отличаются простотой и легкостью. В XVII в. выделывалось агатовое, коричневое с золотыми блестками мозаичное стекло. Восхищаясь изделиями из стекла венецианских мастеров, в различных странах Европы не только с удовольствием покупали эти изделия, но и старались переманить к себе искусных стеклодувов, несмотря на запрет и на то, что в случае неудачи перебежчикам грозила смертная казнь. Так, во Франции, Бельгии, Германии начиная со второй половины XVI в. появляются сосуды в «венецианской манере». Они не являются простой копией продукции Мурано. Итальянские модели видоизменяются, приспосабливаясь ко вкусам и привычкам потребителей. Стеклодувные мастерские имелись также в Антаре близ Генуи. Неверские герцоги из рода Гонзага выписывали для Франции целые артели мастеров из Антара. Венецианское стекло господствовало в Европе до конца XVII в. Здесь производилась посуда из простого неокрашенного или одноцветного стекла. Чтобы сосуд из такого стекла превратить в дорогую вещь, имеющую художественное значение, его отделывали изящной золотой оправой искусной работы. Ювелирное дело. Как и другие виды декоративного искусства, ювелирное дело в период Возрождения достигает расцвета: чеканные сосуды с многофигурными сценами, черневые композиции на пластинах, предметы для украшения одежды, перстни, браслеты, нагрудные подвески с эмалью, драгоценными камнями и жемчугом. Ювелиры Италии производят предметы религиозного назначения и множество разнообразных обиходных вещей для знати и богатых горожан: кувшины, чаши, миски, тарелки, сделанные из твердых пород камня. В Италии тенденции нового стиля выражаются в многочисленных изображениях, восходящих к греко-римской античности. Это не только обнаженные человеческие фигуры, но и мифологические существа: кентавры, тритоны и нереиды, выполненные в технике рельефа и круглой скульптуры. Шедевром ювелирной пластики этого рода является золотая солонка Франциска I работы Бенвенутто Челлини (Вена, Музей истории искусств). Солонка увенчана полулежащими фигурами Нептуна с трезубцем, окруженного морскими конями, и Земли, рядом с которыми помещена перечница в виде античного храма. Основание украшено аллегорическими фигурами Зари, Дня, Сумерек и Ночи, навеянными образами Микеланджело; между ними расположены символические изображения ветров. Эта солонка является бесспорным произведением Челлини и выполнена в 1540 г. Античными образцами навеяны и ларцы в виде памятников с барельефами и статуэтками на углах. Другой типично ренессансный мотив — крылатый дракон, который встречается на ручках сосудов с гербами Медичи. Ювелирное искусство Германии переживает период подъема. В таких городах, как Нюрнберг и Аусбург, закладываются основы немецкого Возрождения. Смешение старых традиций с новыми исканиями отчетливо проявилось в прикладном искусстве, особенно в ювелирном деле. В XVI и XVII вв. в Европе славились изделия нюрнбергских златокузнецов Ям- нитцеров. Самым выдающимся из них был Венцель Ямнитцер. Им была основана собственная мастерская, в которой он в сотрудничестве с племянником и подмастерьями начал изготовлять пышные декоративные рукомойные кувшины, серебряные блюда и декоративные настольные украшения. В Оружейной палате Московского Кремля хранится единственная уцелевшая работа его талантливого брата Альбрехта — удивительный по благородству и изяществу линий хрустальный кубок в серебряной оправе. Не менее знаменит в Европе был и внук Венцеля, ювелир Кристоф Ямнитцер. О его мастерстве можно судить по прекрасному сосуду для вина, исполненному из позолоченного серебра в виде орла. Наиболее интересны изделия прославленных ювелиров Нюрнберга, Аусбурга и Гамбурга — крупнейших центров немецкого прикладного искусства эпохи Возрождения. В Германии был создан оригинальный тип кубков или бокалов для вина, предназначенных для официальных и торжественных случаев. Традиция фигурного сосуда в Европе очень давняя. В средние века широко распространены бронзовые и латунные акваманилеи (водолеи), изображающие зверей, птиц, людей. Следующий значительный этап разработки оригинальных форм сосудов приходится на XVI-XVII вв. и связан с бурным развитием производства художественной светской утвари из серебра. Первоначально такие сосуды украшали выпуклым чеканным узором (так называемые «ананасные кубки»), затем появились сосуды с рельефными фигурами и растительным орнаментом. Крышки таких сосудов имели навершие в виде фигуры воина или мифологического героя. Вместе с техническим мастерством эти изделия свидетельствуют о тенденции к орнаментальному изобилию, доходящему до чрезмерности. Этой же тенденцией отмечен и выбор материала: не довольствуясь золотом или позолоченным серебром, мастера добавляют к ним цветные эмали и драгоценные камни. Любовь к яркой красочности видна и на примере вазы в форме скачущего оленя, для изготовления которой были использованы золото, серебро, кораллы. Исполнение таких сосудов давало мастерам возможность блеснуть своим умением моделировки фигуры в сложных ракурсах, эффектно выявить силуэт, подчеркнуть де-
коративность произведения. Одновременно проявлялось искусство владения техническими приемами обработки серебра — чеканкой, выколоткой, литьем, гравировкой, пун- цированием, золочением. Фантазию мастеров в поисках тем питали самые разнообразные источники: древние мифы и национальный фольклор, успехи мореплавания и научные открытия. Толчком к созданию фигурных сосудов также служили наблюдения над природой и восхищение произведениями скульпторов, сцены из современной жизни и страницы истории античного Рима. Нередко мотивы заимствовались из геральдики. Так, прообразом сосуда в виде орла с широко раскрытыми крыльями послужил мастеру из Нюрнберга орел герба его родного города, а лондонскому серебрянику решение уникального кувшина в виде величаво спокойного барса с гербовым щитом в лапах навеял мотив английской королевской геральдики. В XVI в. широко распространились кубки и декоративные сосуды в виде парусных кораблей с полной оснасткой и вооружением. Из дальних заморских стран — Индии, Африки, Америки — увеличился приток экзотических материалов: слоновой кости, кокосовых орехов, страусовых яиц, перламутровых раковин. Например, в сосудах из раковин крупных морских моллюсков — наутилусов — особенно удачно использована природная форма для передачи объема и выразительности силуэта птицы. Некоторые виды фигурных сосудов издавна служили кубком для награждения победителя в стрелковых соревнованиях. Иногда традиция была связана не столько с обычаем употребления сосуда, сколько с желанием следовать полюбившейся форме. Ярко и оригинально раскрылась в фигурных сосудах тема щедрости природы, прославления ее даров, которая нашла отражение во множестве искусно чеканенных кубков в виде тыквы, яблока, груши, грозди винограда, ананаса. Имперский город Нюрнберг в истории мировой культуры и искусства отмечен особой славой. Прославил город в XVI в. создатель первых в Германии скульптур из металла Петер Фишер. Здесь в семье злато- кузнеца родился великий Альбрехт Дюрер. Художник, гравер, скульптор, архитектор, он оказал немалое влияние на искусство серебряников не только своего города, но и всей Германии. Он первым ввел «в мир абстрактных геометрических форм серебряных сосудов натуральные формы». Благодаря его гравюрам и рисункам появились первые кубки и чаши в виде плодов — яблок, груш. Эмаль, достигшая больших высот в романскую и готическую эпоху, в период Ренессанса получает новое направление: выемчатая и перегородчатая техники сменяются расписными эмалями. Мастерские Лиможа продолжают занимать ведущее место. Этот вид художественного ремесла требовал большой искусности и обычно передавался из поколения в поколение мастерами, имена которых дошли до нашего времени. Начиная с 1530 г. большинство эмалей подписаны. Особенно известны имена Пенико и Лимозен, мастеров из семьи потомственных эмальеров. Среди них наиболее выдающимся был Леонар Лимозен, создавший для Сент-Шапель две алтарные пластины, датированные 1552 и 1553 гг. В центре одной пластины изображен путь на Голгофу, на другой — Воскресение, вокруг основных сюжетов помещены другие эпизоды, а также портреты Франциска I, Генриха II и королев. Для этого периода характерна (как в эмалях, так и в других декоративных жанрах) тенденция сближения с живописью. В эпоху Возрождения широко использовалась бронза, особенно в Италии. Здесь центрами бронзового литья были Венеция и Падуя. Из нее изготовлялись дверные молотки во дворцах с изображением морских божеств, канделябры, фонари, чернильницы, колокольчики, а также медали и плакетки. Антонио Пизанелло завоевал широкую известность своими портретными медалями. Бенвенутто Челлини, Леоне Ле- они, Андреа Риччо — наиболее выдающиеся авторы плакеток с композициями мифологического содержания. Из бронзы во Франции изготовлялись разнообразные изделия: сосуды, водолеи, подсвечники, чернильницы, фигурные дверные молотки. В оружейных мастерских оружие, доспехи, щиты украшались тонкой чеканкой, насечкой, воронением, золочением, гравировкой и т. д. Среди кованых железных
изделий выделяют фонари для средневековых и ренессансных домов и пышные решетки барокко. В Германии своими работами известна семья бронзовщиков Фишер. Самым знаменитым произведением одного из них — Петера Фишера Старшего (1507—1515) — считается рака св. Зебальда в Нюрнберге. Художественная обработка железа особенно широко практикуется в Италии и Испании, где изготовляются самые разнообразные предметы. В Лукке и Венеции производятся железные дворцовые ограды, решетки для балконов и перегородок внутри дома, гербы. Миланская семья Негроли прославилась изготовлением богато украшенного оружия с чеканными фигурами и инкрустированным орнаментом. Кроме того, этими же мастерами по заказу Карла V были выкованы ларцы для драгоценностей и несессеры с пышно декорированной поверхностью. В искусстве обработки железа видное место принадлежит также Германии. Стилистическая особенность работ немецких мастеров проявляется в широком использовании растительного завитка, изящные изгибы которого придают оградам, украшенным этим орнаментом, впечатление легкости. Такого же совершенства добивается в своих творениях и пражский мастер Георг Шмидхаммер, автор гробницы Максимилиана I в дворцовой церкви в Инсбруке и решеток собора св. Вита в Праге. Во Франции значительных успехов удается достигнуть в обработке олова, которое широко использовалось и в Германии. Из него изготовлялась посуда, используемая для повседневных нужд, и художественная, парадная, которая выставлялась напоказ для гостей. Мебель. Мебель в эпоху Возрождения превосходит средневековую обстановку жилища не только количеством и разнообразием, но и индивидуальным подходом мастера к решению отдельных предметов. Дорогая мебель с богатой отделкой теперь становится своего рода символом социального положения ее владельца. В эту эпоху столярное дело достигает высокого художественного уровня Для ренессансной мебели характерны: четкость формы, ясность построения, повышенное использование архитектурных элементов в оформлении. Теперь мебель чаще всего решается в виде архитектурного сооружения, похожего на миниатюрное палаццо с колоннами, пилястрами, карнизами и фронтонами. Такую мебель, составленную из В начале раннего Возрождения мебель еще не отличается большим разнообразием форм. Главным предметом после кровати остается свадебный сундук-ларь («кассо- не»), который предназначается для хранения или перевозки вещей, используется как скамья и входит в число традиционного приданого невесты. Кассоне имеет простые формы: длинный прямоугольный ящик с тяжелым профилем цоколя, плотно стоящий на полу. Поверхности его боковых стенок украшаются неглубоким резным орнаментом, интарсией и инкрустацией, крышка ларя с внутренней стороны — живописью. Свадебные сундуки расписывались известными живописцами (Сандро Боттичелли и др.). Во второй половине XV в. итальянские свадебные сундуки приобретают изысканные формы. Их делают на высоком ступенчатом цоколе, сам ящик обрамляется боковыми пилястрами или консолями. Передняя сторона сундука наиболее пышно украшается резьбой с позолотой и росписью. Сюжетами росписи служат виды итальянских городов, изображение торжественных процессий, сцены из героической и любовной поэзии XV в. В тот же период среди мебели для сидения очень распространена была скамья, располагающаяся у стен жилых помещений, — тот же ларь, но со скругленными углами и высокой глухой спинкой. Из кассоне развивается предок дивана — «кассапанка» — тот же ларь, но с низкой спинкой и массивными локотниками, оканчивающимися масками, пальметтами или головками ангелов. Спинка часто делалась высокой, иногда даже с навесом. Кассапанка предназначалась для почетных гостей. Среди мебели для сидения существовали табуреты с восьмиугольным сиденьем на дощатых опорах вместо ножек и складные стулья с простой гладкой спинкой или украшенной резьбой и гербом владельца. Столы имели продолговатую форму с двумя крепкими опорами, соединенными поперечиной или особыми подножками. Столешница была очень массивной, ее боковые части украшались профилями или Новыми типами мебели были посудный шкаф («креденца») и секретер. Шкафы, появившиеся в конце XV в., представляли собой как бы два поставленных друг на друга сундука с двухпольными дверцами, консолями, пилястрами, цоколем и карнизом. Их декор аналогичен декору сундуков. Кровати были низкие, без балдахина. Изголовье, угловые столбики, а также рама кровати покрывались резьбой. В обстановке флорентийских дворцов раннего Возрождения помимо ларей и сундуков-скамей были стулья, кресла, кровати, колыбели, аналои для чтения, подставки для бюстов, вешалки. Флоренция, являясь родиной Ренессанса, стала одновременно и центром средоточия мебельного искусства Италии XV в. В тот период наряду с Флоренцией появляются и другие центры по изготовлению мебели. К их числу принадлежит Сиена. Ее великолепные свадебные сундуки отличаются от флорентийских тем, что большая часть рельефных украшений делается из позолоченного левкаса (смесь мела, гипса и клея). Своими столами славится Болонья. Особенным богатством декоративных форм отличается венецианская мебель, в которой элементы готики причудливо переплетаются с ренессансными орнаментами, живописью и позолотой. В XV в. в Италии создаются новые образцы мебели — своеобразной конструкции поставец, письменный стол-конторка, мягкое кресло, шкаф с четырьмя дверцами и «кабинеты». Предметам, пришедшим из прошлых эпох, придаются художественные формы, заимствованные из античных произведений искусства. В деталях мебели особенно часто используются кроме канделябров и жертвенников львиные лапы, маски, бараньи головы, кронштейны. Украшается мебель также разноцветной мозаикой из дерева разных пород, причем в моду входят перспективные виды архитектурных сооружений, покрывающие лицевую поверхность филенок шкафов и кабинетов или, что гораздо чаще, внутреннюю их сторону. Особой разновидностью итальянских шкафов позднего Возрождения являются шкафы-кабинеты — поставленный на подставку шкаф, состоящий из трех или пяти рядов маленьких ящиков, наружная сторона которых отделывается инкрустацией. Все эти ящики закрываются небольшими дверцами, украшенными наборными картинами, выполненными из дерева с перспективными видами архитектурных сооружений. Не нашли, что искали? Воспользуйтесь поиском:
|